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Live Report/Musiques/Tokyo

if i were an angel, 羊文学

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Le concert du groupe rock alternatif Hitsuji Bungaku (羊文学) de leur tournée 2023 « if i were an angel, » était un vrai bonheur et je garde toujours en tête l’émotion des moments passés debout parmi la foule à écouter avec passion la musique du groupe. Je suis allé les voir le Mardi 3 Octobre 2023 dans la grande salle Zepp Haneda, qui se trouve à la station de Tenkubashi juste à côté de l’aéroport. Il s’agit d’une grande salle avec un étage couvrant une capacité d’environ 2,500 personnes et les deux dates de Tokyo étaient à guichet fermé. Cette tournée en 12 dates était nationale et la plus grande de leur carrière musicale, démarrant à Niigata le 2 septembre, en passant par Yokohama, Sapporo, Osaka, Sendai, Nagoya, Fukuoka, Hiroshima, Takamatsu pour terminer avec deux dates à Tokyo au Zepp Haneda. J’ai assisté à l’avant dernier concert de cette tournée, que la compositrice et interprète Moeka Shiotsuka (塩塚モエカ) surnommait elle-même la « Demi-Finale ». Le dernier concert de la tournée avait lieu le 4 Octobre mais était déjà complet au moment où les réservations ont été ouvertes. Cette date devait très certainement être réservée aux membres du fan club du groupe. J’avais acheté mon billet le 1er Juillet, donc trois mois avant le concert. Je m’étais même empressé à acheter un billet dans l’heure suivant l’ouverture de la billetterie. Malgré cela, mon billet me situait dans le bloc C, derrière les blocs B et A situés plus en avant près de la scène. En fait, le bloc définit l’ordre d’appel et d’entrée dans la salle. Une fois entré, rien ne nous empêche d’essayer de s’approcher au plus près de la scène. En ce qui me concerne, j’ai surtout cherché à trouver un point vers le milieu de la salle où je ne serais à priori pas trop gêné par les têtes qui dépassent devant moi dans la foule. Par rapport au dernier concert que j’ai été voir, celui de a子, la taille du Zepp est beaucoup plus impressionnante mais la visibilité reste bonne dans l’ensemble, car la salle est plus large que profonde. La taille de la salle est dans le même ordre de grandeur que celle de Toyosu Pit où j’avais été voir Tricot pour la première fois. J’ai eu beaucoup de temps pour me préparer mentalement à ce concert, enfin préparer musicalement plutôt, en vérifiant que j’avais bien écouté toute la discographie du groupe.

En écoutant les 20 morceaux joués pendant ce concert, on se rend compte de la qualité de la discographie de Hitsuji Bungaku car ils n’ont pas joué que leurs morceaux les plus récents et plus connus, mélangeant d’autres plus anciens qui sont tout aussi bons. Après seulement quelques années d’existence, cette discographie est déjà très importante et sans faiblesse. Ce concert était en fait une étape de transition car il ne s’agit pas de la tournée liée à la sortie de leur dernier album our hope, tournée pour laquelle je n’avais d’ailleurs pas réussi à acheter un billet, et le groupe n’a pas non plus de nouvel album sorti cette année. Hitsuji Bungaku a par contre joué deux de leurs singles récents à savoir FOOL et More than words, dont j’ai déjà parlé sur ces pages. L’excellent More than words apparaîtra en fait sur leur prochain album. Ils nous ont également fait le plaisir de jouer trois morceaux inédits de ce futur nouvel album: hosnestly, flower et un troisième dont on ne sait pas encore le titre. Dès la première écoute pendant ce concert, j’ai été surpris par la qualité et l’accroche. Pendant le passage de MC présentant rapidement deux des morceaux, Moeka nous disait qu’elle sentait elle-même une sorte de pression de ne pas faire moins bien que More than words. Le nouvel album s’annonce en tout cas très bien. Il faudra entendre la toute fin du concert pendant les rappels, pour qu’on nous annonce le titre et la date de sortie de ce nouvel album tant attendu. Il s’intitulera 12 hugs (like butterflies) et sortira le 6 Décembre 2023. Un point amusant est que Moeka, sur le coup de l’émotion peut-être, n’a d’abord pas réussi à nous dire d’une manière très claire le titre de cet album ce qui a obligé une personne du public à lui demander de répéter, ce qu’elle a fait après un sourire. Yurika donnait également une autre annonce, celle d’un prochain concert le 21 Avril 2024 dans la grande salle de 17,000 places de Yokohama Arena. Ce sera la plus grande salle de l’histoire du groupe. Comme le concert est situé quelques mois après la sortie de leur nouvel album, j’imagine qu’ils n’auront pas trop de soucis à remplir l’Arena. Ce concert s’appellera « III », représentant les trois membres du groupe et pas le kanji de la rivière comme le disait Yurika en plaisantant. J’étais en tout cas assez content que le groupe réserve l’exclusivité de ces annonces à l’avant dernier concert de la tournée plutôt qu’au dernier qui avait lieu le lendemain.

Le concert a duré environ deux heures et mélangeait des morceaux de tous les albums et EPs de leur discographie, en plus des morceaux récents mentionnés ci-dessus. Le concert a commencé par le morceau intitulé Ending (エンディング) qui est le premier de leur premier album Dear Youths (若者たちへ). Le groupe était d’abord caché par un écran opaque sur lequel était diffusé des images mouvantes étranges représentant parfois des visages. Il s’agissait d’une création de l’artiste contemporain Yuma Kishi (岸裕真) qui crée des images irréelles à partir de photographies ou de peintures réelles en utilisant l’intelligence artificielle. Dans un esprit similaire, il a notamment réalisé une vidéo pour Hatis Noit pour le morceau Angelus Novus du superbe album Aura dont j’ai déjà parlé ici. Je trouve que ces images projetées sur scène correspondent à celles d’anges comme indiqué dans le titre de la tournée, sauf que cette représentation n’est pas binaire. Elle est sans arrêts changeante comme si elle reflétait les multiples émotions et sentiments humains. On retrouve ensuite ces images d’anges changeant de manière fantastique à la fin du concert juste avant les rappels, pendant le superbe morceau Ghost. Les images de cet ange fantôme sont cette fois-ci basées sur des photographies de la modèle Mai Matsumoto, si on en croit la description sur le compte Instagram de l’artiste. Ce morceau Ghost n’est pas le plus dynamique du groupe car il se base plutôt sur une progression sonore lente et profonde. Ce choix pour un dernier morceau de concert me fait dire qu’ils sont très sûr de leur art, sans essayer de créer un coup d’éclat final avant les rappels. Cet aspect là m’a beaucoup plu et a captivé le public, comme tout le reste du concert d’ailleurs.

Les morceaux se sont bien sûr enchaînés sans qu’on se rende compte du temps qui passe et les deux heures ont passés bien vite. Il y a eu plusieurs passages de MC adressés à la foule. Pratiquement plus personne ne porte de masque dans le public et il n’y a plus depuis longtemps de restriction pour parler (ou crier dans certains cas). Les cris de la foule étaient par conséquent plus nombreux et présents que dans les concerts précédents. J’étais en fait très curieux de voir comment le groupe allait se comporter sur scène, car ses racines sont vraiment ancrées dans le rock indépendant et alternatif avec une bonne dose de mélancolie, mais un certain nombre de morceaux récents sont très dynamiques et accrocheurs. Moeka et la bassiste Yurika Kasai (河西ゆりか) sont relativement statiques sur scène mais se laissent aussi assez souvent emporter par leur morceau. J’ai beaucoup aimé la manière par laquelle Yurika se déchaînait sur sa basse sur certaines fins de morceaux, comme celui intitulé Inori (祈り) du EP Zawameki (ざわめき), qui se concluaient par un feu d’artifice de guitares. Tout comme sur les albums, je suis impressionné en live pour la puissance sonore de la guitare électrique de Moeka Shiotsuka. Le fait qu’ils ne soient qu’un trio n’affecte en rien la force musicale de l’ensemble car chacun des membres est complètement investi dans la musique qu’ils produisent sur scène, sans compromis. Le jeu de batterie de Hiroa Fukuda (フクダヒロア) me plait aussi beaucoup, car on ressent physiquement chacun de ses coups de percussions. Cette force musicale est d’autant plus renforcée par la voix très présente de Moeka et l’addition très fréquente des chœurs de Yurika. Toutes ses sonorités, la palette étendue de la voix de Moeka, les chœurs de Yurika, donnent une atmosphère très riche et dense, qui sait être bruyante mais est avant tout émotionnelle. Et j’aime énormément la voix de Moeka Shiotsuka. On la surnomme également Heidi (ハイジ). Je ne connais pas la raison exacte de ce surnom mais il me semble correspondre assez bien à l’accent particulier qu’elle met parfois sur ses paroles en chantant. Les trois membres de Hitsuji Bungaku ont entre 26 et 27 ans mais je trouve que le groupe a déjà atteint une grande maturité, qui n’empêche pas non plus certains moments de folie. En fait, sur scène, on ressent le groupe comme restant naturel. L’émotion de Moeka est palpable lorsqu’elle nous dit, dès le début du concert, que c’est l’avant dernier de cette tournée, ou quand son visage s’éclaire de joie et qu’elle encourage de mouvements de bras le public déjà bien acquis à la cause du groupe. Il y a un respect que je ressens personnellement très bien et qui me fait d’autant plus apprécier ce groupe. Le batteur Fukuda qui ne parle pas beaucoup derrière ses très longs cheveux noirs qui lui cassent la plus grande partie du visage et du corps, indique d’ailleurs que le groupe continuera à jouer leur rock sans trembler (ブレずにカッコよくロックを) dans le sens où il et elles resteront imperturbables dans leur direction musicale.

Il y avait beaucoup de moments mémorables dans ce concert, notamment lors des singles emportant la foule comme Ningen datta (人間だった), OOPARTS ou Hikaru Toki (光るとき). J’ai beaucoup aimé Tengoku (天国) car il faisait intervenir le public par des appels et réponses faits de mouvements de bras. C’était le seul réel morceau dans ce style volontairement interactif. J’ai beaucoup apprécié le fait qu’ils jouent le morceau 1999 dans les rappels car il s’agit du morceau par lequel j’ai découvert le groupe et parce que cette année là, correspondant à mon arrivée à Tokyo, est forcément pour moi particulière. A part les inédits, il y avait un seul morceau que je ne connaissais pas tiré du EP your love et intitulé Yoru wo Koete (夜を越えて). Je m’en voudrais presque de ne pas l’avoir connu avant le concert car c’est vraiment un morceau sublime que j’écoute maintenant beaucoup, tout comme le reste de leur discographie dont j’ai un peu de mal à me détacher. Les quatre premières photographies du billet ont été prises par moi-même, tandis que les autres sont des photographies montrées par le groupe sur leurs comptes Twitter ou Instagram et prises principalement par les photographes Asami Nobuoka et Daiki Miura. La photographie de l’affiche de cette tournée a été prise par le photographe Nico Perez, basé à Tokyo. Il a souvent pris le groupe en photo et a réalisé la photographie qui accompagnera la sortie du futur album. En fait, j’aime tant cette photo de tournée en noir et blanc que je n’ai pas résisté à l’envie d’acheter le T-shirt, en version noire comme le porte Moeka en photo ci-dessus.

Pour référence, ci-dessous est la set list de la tournée 2023 « if i were an angel, » à Zepp Haneda le Mardi 3 Octobre 2023:

1. Ending (エンディング), de l’album Dear Youths (若者たちへ)
2. more than words, single du futur album 12 hugs (like butterflies)
3. Ningen datta (人間だった), du EP Zawameki (ざわめき)
4. FOOL, single
5. honestly, nouveau morceau du futur album 12 hugs (like butterflies)
6. flower, nouveau morceau du futur album 12 hugs (like butterflies)
7. Inori (祈り), du EP Zawameki (ざわめき)
8. hopi, de l’album our hope
9. Mayoiga (マヨイガ), de l’album our hope
10. Titre non dévoilé, nouveau morceau du futur album 12 hugs (like butterflies)
11. Tengoku (天国), de l’album Dear Youths (若者たちへ)
12. Party ha Sugu soko (パーティーはすぐそこ), de l’album our hope
13. Eien no Blue (永遠のブルー), single
14. OOPARTS, de l’album our hope
15. Hikaru Toki (光るとき), de l’album our hope
16. Yoru wo Koete (夜を越えて), du EP your love
17. ghost, de l’album POWERS
18. (Rappel) Odoranai (踊らない), du EP Tunnel wo Nuketara (トンネルを抜けたら)
19. (Rappel) 1999, de l’album POWERS
20. (Rappel) Aimai de ii yo (あいまいでいいよ), de l’album POWERS

Art/Musiques/Tokyo

the streets #6

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Je continue tranquillement ma série the streets, redémarrée récemment par les épisodes #4 et #5. La plupart des photographies de ce sixième épisode ont été prises avec mon objectif 40mm pendant une même journée légèrement pluvieuse dans la rue Cat Street, avant l’ouverture de la plupart des magasins. Cette rue quasiment piétonne est coupée en deux par la grande avenue d’Omotesando qui voyait ce jour là un défilé de policières percussionnistes. À part ce défilé, je montre peu de personnes dans les rues, à part celles qui décident soudainement de se dévoiler au détour d’un immeuble et celles de moi-même quand j’autorise mon image à se refléter contre les baies vitrées (ici avec mon magnifiquement simple t-shirt de Daoko acheté lors du concert de Shibuya).

Le premier étage de la Lurf Gallery à Daikanyama est à la fois utilisé comme café et comme espace d’exposition. J’y jette régulièrement un coup d’œil pour voir si on y montre des choses intéressantes. On y exposait cette fois-ci une série de 13 illustrations de l’artiste Masanori Ushiki intitulée « Easy Telepathy II ». Je découvre cet artiste, que je ne connaissais pas. Je suis attiré par les motifs parfois étranges mélangés aux couleurs fortes des personnages qu’il dessine, qui les rendent tout à fait unique.

Cö Shu Nie vient de sortir son nouvel album intitulé 7 Deadly Guilt le 4 Septembre 2024. Je connaissais déjà deux titres sorti en avance, Artificial Vampire et Burn The Fire, dont J’avais déjà parlé dans des billets précédents. Je continue mon écoute de ce nouvel album en choisissant les morceaux qui m’intéressent le plus. J’y découvre ceux intitulés Where I Belong et I want it all. On y retrouve toute l’instabilité mélodique caractéristique de Cö Shu Nie, notamment dans le chant fantastique de Miku Nakamura (中村未来) quand il ne s’accorde pas sur des compositions classiques. Elle a une vision tout à fait unique de l’harmonie et ces deux morceaux en sont de bons exemples. La composition rock qui accompagne Miku est comme d’habitude pleine d’inattendu et souvent proche du match rock. Le compositrice et chanteuse o.j.o est pour sûr à suivre de très près. J’avais parlé et été épaté par son premier single Bah! sorti il y a quelques mois. Elle sort son deuxième single intitulé PEOPLE DEMON qui est excellent. Il faut rappeler que la jeune tokyoïte o.j.o est vraiment très jeune car elle est collégienne et n’a que 13 ans (?!). C’est tout à fait étonnant vu la qualité de ses compositions musicales, qui n’ont rien de classique comme sur son précédent single. Elle a suivi des cours de piano et de danse dès le plus jeune âge, et sa manière non-conventionnelle de danser est également un des points intéressants de la vidéo accompagnant le morceau. On peut lui prédire que des bonnes choses à l’avenir, vu qu’elle vient déjà d’être repérée par la chaîne YouTube The First Take que lui a donné l’opportunité de chanter 60 secondes de ses deux morceaux Bah! et PEOPLE DEMON. On se demande quand même pourquoi The First Take ne diffuse pas l’intégralité de sa performance.

La sortie d’un nouveau single de Tricot est une bonne nouvelle. Si je ne me trompe pas, le groupe n’avait rien sorti de nouveau depuis leur album Fudeki (不出来) datant de Décembre 2022. Avec Tricot, on sait toujours à peu près à quoi s’attendre et je ne suis en général jamais déçu. Le nouveau single Call (おとずれ) est sorti le 5 Octobre 2024 et je me suis tout de suite précipité pour l’écouter. Les premiers accords de guitare de Motifour Kida (キダ モティフォ) et la voix d’Ikkyu Nakajima (中嶋イッキュウ) nous ramènent tout de suite vers l’ambiance rock de Tricot que j’aime tant. Retrouver les accords très précisément agencés de Kida et la puissance de la batterie de Yosuke Yoshida (吉田雄介) quand il se lance franchement au milieu du morceau est un vrai plaisir. Je trouve que le chant d’Ikkyu arrive toujours à garder cette fraicheur des premiers albums, dont on ne se lasse pas. Je ne sais pas si la bassiste Hiromi (ヒロミ・ヒロヒロ) a participé à ce nouveau single, car elle est censée être en congé maternité. Tricot continue pourtant a tourner avec un bassiste d’appoint. Un point intéressant est que Hitsuji Bungaku (羊文学) est depuis quelques mois sans batteur car Hiroa Fukuda (フクダヒロア) est en repos prolongé, mais le groupe continuant à tourner assez intensément dans divers festivals et pour leur tournée 2024, un batteur de support rejoint régulièrement le groupe. Pour l’émission télévisée CDTV de la chaîne TBS le lundi 30 Septembre 2024, Hitsuji Bungaku a fait appel à Yosuke Yoshida pour être batteur d’appoint. Sachant que Yoshida jouait sur la tournée récente de Daoko, je me dis qu’il contribue à créer des liens entre les formations musicales que j’aime et que j’ai vu en live. Je me dis aussi que Hitsuji Bungaku a fait un petit bout de chemin depuis que je les ai vu la dernière fois. Leur tournée 2024 soft soul, prickly eyes en treize dates dans tout le Japon terminait par deux concerts au Tokyo Garden Theater qui a une capacité de 8000 personnes. En comparaison, la tournée 2023 if i were an angel à laquelle j’ai assisté se terminait par deux dates au Zepp Haneda qui ne fait que 3000 places. Si les nouvelles sorties côté Tricot restent assez éparses, ce n’est pas le cas pour Ikkyu Nakajima qui sort déjà son deuxième EP en solo. Après DEAD sorti en Mai 2024, voici LOVE qui vient juste de sortir le 25 Septembre 2024. Kentarō Nakao (中尾憲太郎), le bassiste de NUMBER GIRL, produit et joue de la basse sur les deux morceaux que je préfère du EP: EFFECT et By my side. Kentarō Nakao avait déjà produit des morceaux de Tricot et même participé à l’émission spéciale de 24h non-stop du groupe, donc sa présence auprès d’Ikkyu ne m’étonne pas beaucoup. Je suis par contre moins familier du musicien Cwondo (近藤大彗) de No Buses qui contribue aux deux morceaux LOVE et Ana (あな). La guitariste de Tricot, Motifour Kida, joue sur le dernier morceau Minority (未成年) accompagnée d’Emi Nishino (西野恵未) au piano. Sur ce morceau, les sons du piano et de la guitare se mélangent avec un équilibre bancal par moment assez bizarre. Le EP contient de nombreuses petites irrégularités harmoniques de ce genre et les incursions électroniques sont également fréquentes. C’est un EP réussi, même si je le trouve inégal, qui part vers d’autres horizons, plus intimes certainement, que ce qu’on peut entendre chez Tricot.

椎名さんのお耳に届くなら一層頑張りたい

Dans une interview sur le site web musical Mikiki de Tower Records au sujet de son nouvel EP LOVE, Ikkyu nous fait part du fait que sa collaboration avec Sheena Ringo sur le morceau Chirinuru wo (ちりぬるを) de son dernier album Hōjōya (放生会) avait en quelque sorte eu une influence sur son nouvel EP. Sheena Ringo lui avait dit qu’elle avait écouté et apprécié son EP précédent DEAD. Ikkyu a donc créé son nouvel EP en imaginant que Ringo l’écouterait peut-être et elle nous dit que ça l’a en quelque sorte poussé à s’appliquer. Je retranscris ci-dessous la partie de l’interview provenant du site Mikiki évoquant ce point en particulier. Cela me donne l’occasion d’utiliser l’open AI ChatGpt pour voir comment l’outil a évolué au niveau de la traduction de textes. Je pense qu’il se débrouille plutôt bien même s’il faut toujours lire le résultat avec attention (par exemple, ChatGpt traduit « 放生会 » en « Hōjōkai » plutôt que le correct « Hōjōya »).


Cette transcription sur ChatGpt m’a poussé à utiliser un peu plus l’outil en lui posant des questions très précises. J’ai pris le thème de cette collaboration passée entre Sheena Ringo et Ikkyu Nakajima pour l’interroger un peu plus. Connaissant déjà les réponses, cela m’a permis de vérifier où l’outil en est en terme d’auto-apprentissage sur des sujets très spécifiques, mais largement couverts sur internet. Il s’avère que l’outil a une base de données plus actuelle qu’auparavant mais fait de très nombreuses erreurs, en les annonçant parfois avec un aplomb qui nous forcerait presqu’à le croire. Je montre ci-dessous des captures d’écrans de ChatGpt pour illustrer le niveau de justesse de l’outil, et il reste pour moi très peu fiable et je dirais même à éviter.






L’avantage de l’intelligence artificielle serait pour moi de répondre à des sujets spécifiques qui ne sont pas immédiatement disponibles sur un site internet. Je vois qu’on en est encore loin. Je me contenterais peut-être de l’outil pour des traductions, qui me semblent à priori meilleures que sur Google Traduction.

Cinéma/Musiques/Tokyo

덧붙여 대는 세공

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Je fais beaucoup de nouvelles découvertes musicales en ce moment et j’ai un peu de mal à trouver le temps nécessaire pour écrire des billets spécifiques pour chacune d’entre elles. Je regroupe donc dans ce billet un certain nombre de ses nouvelles musiques qui sont pour moi à chaque fois passionnantes. On commence tout d’abord par le morceau Summer Anthem (サマーアンセム) de Mononoke. Comme son titre le suggère, ce morceau a été emblématique de mon été car il a accompagné avec beaucoup d’autres notre voyage en voiture vers la péninsule de Kii. Ce morceau a un petit quelque chose d’estival qui me convient très bien pour cette deuxième partie et toute fin d’été. La musique pop rock de ce jeune compositeur et interprète de 19 ans originaire de la ville d’Akashi dans la préfecture de Hyogo n’a bien entendu pas de lien particulier avec la princesse de l’univers Ghibli. Mononoke assure par lui-même la composition, l’écriture, les arrangements et la production de ses morceaux et les chante avec une voix à la fois forte et très mélodieuse. C’est quand même assez impressionnant à ce jeune âge et très prometteur. J’ai découvert ce morceau grâce à la playlist RADAR: Early Noise de Spotify, que je découvre un peu par hasard en consultant les playlists de l’application de streaming que je n’utilise pourtant pas d’ordinaire. Cette même playlist contient un autre excellent morceau de style rock indé intitulé Kid Blue par le groupe Enfants, sur leur 3ème EP D. sorti le 31 Juillet 2024. Ce nom de groupe en français est apparemment un diminutif du nom « Les enfants dans la lune », mais je n’ai pas réussi à obtenir plus d’information, car des recherches internet sur ce nom ne m’amènent bien sûr pas vers les pages du groupe.

J’ai également dans ma playlist le dernier single de Hitsuji Bungaku (羊文学) intitulé Burning. Il sert de thème pour l’anime Oshinoko (推しの子) et on peut d’ailleurs reconnaître le personnage d’Ai Hoshino (星野アイ) sur une de mes photographies en montage ci-dessus. Le morceau est très fort en guitares puissantes et bruyantes dès les premières notes. J’aime bien quand Moeka Shiotsuka joue dans ce registre car ça contraste idéalement avec sa voix et son chant beaucoup plus aérien. Je retrouve ensuite avec beaucoup de plaisir Emaru (エマル) et Asahi (朝日) de macaroom sur leur nouvel album intitulé Burning Chrome sorti le 7 Juillet 2024. La délicatesse vaporeuse du chant d’Emaru sur le sublime morceau Geinin (芸人) m’attire forcément. On a l’impression que sa voix effleure les choses, s’en approche très près sans les toucher, comme une pluie fine qui s’évapore avant de toucher le sol. C’est très beau et touchant. J’aime aussi beaucoup le morceau Burning Chrome reprenant le titre de l’album, dans un registre plus dynamique et moins retenu.

Depuis son single Tamashii (たましい) qui m’a beaucoup plu, je suis resté très curieux d’écouter les nouveaux morceaux d’ELAIZA (池田エライザ) et je découvre maintenant le single FREAK, qui me fait un peu penser à l’ambiance musical de Génie High. Le morceau a pourtant été écrit par Shizuku (雫) du groupe Polkadot Stingray (ポルカドットスティングレイ). Je pense que je vais continuer à la suivre pour son chant et la manière par laquelle elle s’approprie différents styles. A ce propos, Elaiza Ikeda, qui est également actrice, jouait le rôle de la policière d’investigation Kuramochi aux cotés de Lily Franky (リリー・フランキー) dans l’excellente série Les Escrocs de Tokyo (地面師たち ou Tokyo Swindlers) réalisée par Hitoshi One (大根仁) disponible sur NetFlix. Cette série prenant pour thèmes des histoires de fraude foncière à Tokyo est tout simplement passionnante et prenante au point où on a beaucoup de mal à en décrocher. Les acteurs et actrices sont excellents, Go Ayano (綾野剛) et Etsushi Toyokawa (豊川悦司), mais également Eiko Koike (小池栄子) et un certain Pierre Taki (ピエール瀧), la moitié du groupe Denki Groove (電気グルーヴ) avec Takkyu Ishino (石野卓球) qui compose d’ailleurs les musiques de la série. Pour revenir vers le rock indépendant japonais, le morceau on the beach (渚で会いましょう) de Laura day romance est une très belle découverte. Je connaissais le nom de ce groupe depuis un petit moment car il m’intriguait et je ne regrette pas de m’être plongé dans cette ambiance indie folk assez apaisé où on entend par moment le mouvement des vagues de la dite plage du titre. Laura day romance est un jeune groupe tokyoïte formé en 2017 par trois musiciens membres du même club de musique de l’Université de Waseda, Kazuki Inoue (井上花月) au chant, Jin Suzuki (鈴木 迅) à la guitare et Yūta Isomoto (礒本 雄太). Il s’agit là encore d’une affaire à suivre de près.

Dans un style pop rock plus tendu, j’écoute également le très bon morceau NOISE du mystérieux compositeur et interprète WurtS. Ce morceau est le thème du film Blue Period (ブルー・ペリオド) réalisé par Kentarō Hagiwara (萩原健太郎) et tiré d’un manga du même nom par la mangaka Tsubasa Yamaguchi (山口つばさ). On suit l’histoire de Yatora Yaguchi (矢口八虎), interprété par l’acteur Gordon Maeda (眞栄田郷敦), fils de Sonny Chiba, lycéen doué, mais qui s’ennuie, dans son aspiration à devenir artiste en passant le concours d’entrée de l’école des Beaux Arts de Tokyo. Mari m’avait conseillé d’aller voir ce film car elle a elle-même traversé les mêmes étapes pour entrer dans cette école. Regarder le film m’a donné envie de reprendre mes crayons pour revenir vers mes formes futuro-organiques. J’ai d’ailleurs à tout moment un dessin en cours que je reprends quand l’envie me vient.

Et pourquoi le titre coréen du billet? Tout simplement parce qu’il fait écho à un billet similaire dans son approche esthétique et parce que je continue à écouter les nouveaux singles de NewJeans, Supernatural et How Sweet. NewJeans est le seul groupe K-Pop actuel que j’apprécie, peut-être en raison de son approche musicale 90-00s qui me rappelle à une époque où j’étais beaucoup plus jeune.

Musiques/Tokyo

明るい朝日を見ててよ

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Lorsque je cherche un peu d’inspiration pour écrire un nouveau billet, je regarde de temps en temps en arrière pour voir ce que j’écrivais en plein mois d’Août l’année dernière ou les années précédentes. Regarder en arrière me donne rarement une nouvelle inspiration inattendue, mais me fait cette fois-ci réfléchir à mon style photographique. Je n’expérimente plus beaucoup avec les images et je sens que mon style stagne depuis longtemps. Je me tourne parfois vers Instagram ou Threads pour tenter de trouver des nouvelles inspirations. J’ai ceci étant dit un peu délaissé Instagram ces derniers mois et les dernières photos que j’y ai publié datent de début Mai. J’utilise plutôt Instagram pour me donner des idées d’endroits où aller, à travers des comptes parfois très spécialisés, notamment en architecture. Je me méfie toujours un peu d’Instagram ou de Threads car on y trouve beaucoup d’illusions, créées par de l’intelligence artificielle. Pour donner un exemple parmi beaucoup d’autres, j’avais été subjugué par la beauté visuelle et conceptuelle d’une série photo de Caspar Jade prise en noir et blanc dans un paysage de montagnes chinoises, mais j’ai ensuite assez vite compris que ce set d’images avait été entièrement créé par de l’intelligence artificielle. La série de photographies ne l’indique pas mais l’auteur le mentionne en fait clairement dans la biographie de son compte. Savoir qu’il s’agit d’intelligence artificielle disqualifie pour moi ces photographies, car je me sens trompé et même manipulé. En regardant un set comme celui-ci, on imagine les conditions de la prise d’image et l’ambiance magique des lieux que le photographe a dû parcourir pour trouver le bon endroit. On envie le photographe d’être dans un environnement pareil et réussir des photographies artistiquement inspirées. Mais il n’a rien de tout cela en réalité, seulement quelques mots clés bien choisis et agencés et une machine qui fait le travail. Je me pose toujours la question de la finalité de créer ce genre d’images, qui engendrent à chaque fois un sentiment de déception quand on apprend qu’il ne s’agit pas de réalité. Les auteurs ne prennent même plus la peine de mentionner sous leurs images qu’il s’agit d’intelligence artificielle, ce qui génère à chaque fois un doute et des interrogations. En regardant ce set de photos prises à Mexico en 1980 par le compte travelbug, on s’imagine tout de suite que ces photographies ont été retrouvées dans une malle ou un tiroir qu’on n’avait pas ouvert depuis très longtemps, que ces photos ont une vie tout comme les protagonistes qui y sont photographiés. On imagine brièvement l’histoire de ces photos, mais en même temps notre cerveau est gêné car ces images sont visuellement trop belles et parfaites pour être réelles. J’ai l’impression que les auteurs jouent sur le fait que chaque visiteur peut rapidement comprendre par lui ou elle-même qu’il s’agit de photographies irréelles, mais le fait que les auteurs de ce genre d’images jouent sur l’ambiguïté me gène avant tout. Là où ça devient compliqué, c’est quand les images sont délibérément irréelles comme celles d’architecture d’un certain Jean-Jacques Balzac. J’éprouve un véritable dilemme en regardant ces images créées de toute pièce, car on devine bien entendu qu’il s’agit de créations par intelligence artificielle bien que son auteur ne le mentionne pas clairement, mais le monde dystopique qu’il crée, venant très souvent posé des monolithes, des grandes structures faites de béton et de miroirs en plein désert, est vraiment intéressant et évocateur. Où se trouve la qualité d’un artiste? Dans sa capacité intellectuelle à imaginer des choses jamais vues ailleurs, belles ou dérangeantes? Dans sa capacité technique d’artisan à créer des objets merveilleux à partir de matériaux bruts? Ou dans sa capacité à nous faire rêver ou réfléchir peu importe le médium utilisé ? En quoi un artiste numérique passant des heures devant son ordinateur à créer de nouvelles images manuellement à partir d’une multitude de prises de vues réelles et des outils adaptés a t’il plus de mérite qu’un auteur passant des heures devant un ordinateur à triturer un script de mots clés pour affiner des images afin d’obtenir le rendu désiré ? Je n’arrive toujours pas à répondre clairement à cette question, mais ma tendance naturelle est de donner plus de crédit à un artiste qui ne fait pas entrer le hasard de la machine dans son processus créatif. On pourrait facilement rétorquer que les hasards heureux donnent parfois les plus belles œuvres d’art, et que le travail d’un manipulateur d’intelligence artificielle se compose de nombreuses étapes successives qui demandent à son auteur une vision claire et précise du résultat souhaité. Il reste certainement trop de flou autour des méthodes de création par intelligence artificielle pour légitimer le travail de leurs auteurs. Je reste persuadé qu’apprécier une œuvre ne se limite pas qu’au visuel créé mais demande une histoire, un cheminement qui ne s’invente pas en claquant des doigts. Une chose est sûr, l’intelligence artificielle n’est pas actuellement en capacité de surpasser la créativité humaine, et ça reste une très bonne nouvelle.

J’avais pris l’habitude d’aller acheter les albums physiques en CD des artistes ou groupes que j’aime au Tower Records de Shibuya, le soir avant leur sortie officielle. Je n’ai malheureusement pas pu m’y rendre le 9 Juillet 2024 pour l’album d’a子 intitulé GENE, sorti officiellement le 10 Juillet. Je me suis en fait rattrapé quelques jours plus tard pour me procurer la version CD de l’album accompagnée par un disque Blu-ray montrant quelques morceaux enregistrés en version acoustique aux US en marge du festival SXSW d’Austin (Texas), auquel a子 avait participé avec son groupe en Mars 2024. Après trois EPs (Misty Existence, ANTI BLUE et Steal Your Heart) sortis entre 2020 et 2023 de manière indépendante sur Londog, a子 sort finalement son premier album sur le label IRORI Records de la maison de disques majeure Pony Canyon. GENE contient 13 titres dont 8 sont déjà sortis en singles ou sur les EPs précédents. Écouter tous ces singles déjà connus de manière continue à l’intérieur d’un album me fait rendre une nouvelle fois compte de la qualité de composition d’a子 et de son groupe sur la totalité de ses morceaux. Même en connaissant très bien une grande partie des morceaux déjà écoutés maintes fois, je n’éprouve aucune lassitude à l’écoute de l’ensemble. Je redécouvre en fait ces morceaux sous un jour nouveau, en me rappelant avec plaisir les incursions de violon de Neko Saito (斎藤ネコ) sur certains morceaux comme samurai et Ai ha Itsumo (愛はいつも). Je pense que la qualité pop de l’ensemble des morceaux sans renier l’approche indé initiale est une des forces de la musique d’a子. Une autre de ses grandes forces est bien entendu sa voix, qui est parfois murmurée et parfois forte, mais en tout cas particulière, unique et immédiatement reconnaissable. La sortie de l’album était accompagnée par le single good morning, assez classique de son style et en même temps très accrocheur. Parmi les nouveaux morceaux, Borderline (ボーダーライン) concluant l’album a aussi droit à une vidéo, tout comme good morning utilisant des images de leur passage aux US. Le morceau Borderline est en fait assez différent de ce qu’on a l’habitude d’entendre, car la voix d’a子 joue sur un registre inhabituel que je ne reconnais pas sur d’autres morceaux, au point où je me suis d’abord demandé si c’était bien elle qui chantait au début du morceau. L’approche de Borderline est plus axée rock, tout comme le morceau miss u qui est également une excellente surprise. On imagine assez bien l’influence américaine de son séjour à Austin sur le morceau miss u en particulier, les guitares y étant par moments plus lourdes et distordantes. Cette direction un peu différente sur ces deux morceaux, mais tout de même très tournés vers le pop rock, est assez fraîche dans sa discographie. Le nouveau morceau Beige to Momoiro (ベージュと桃色) qui suit ensuite a une approche plus électro-pop et je dirais que c’est un morceau “100”% a子” fonctionnant excellemment bien. En incluant le quatrième nouveau morceau intitulé Tsumaran (つまらん) qui est également très bon, on se dit que l’ensemble de l’album est une collection de singles qui s’accordent très bien ensemble, alternant entre un penchant plus rock alternatif et un autre plus électro, mais avec toujours cette tendance pop qui ne laisse pas indifférent dès la première écoute. Acheter l’album au Tower Records de Shibuya était l’occasion de prendre au passage le numéro du magazine gratuit Bounce montrant justement a子 en couverture. Elle est une nouvelle fois affichée dans les rues de Shibuya et je n’ai pu m’empêcher de faire mon Otaku en prenant en photo cet affichage de rue géant. Les photographies prises pour l’album par la photographe Alien Wang sont vraiment très réussies. Un booklet supplémentaire était donné si on réservait l’album avant sa sortie. Je m’en suis malheureusement rendu compte trop tard, ce qui est bien dommage car il a été conçu par l’artiste haru.(HUG) qui a également créé le design du dernier album 12 hugs (like butterflies) d’Hitsuji Bungaku (羊文学) et dont j’avais été voir l’exposition Secret Garden (ひみつの庭) au mois de Juin. On dirait bien qu’un petit lien discret est tiré entre les univers d’Hitsuji Bungaku et d’a子, pour ma plus grande satisfaction.

Architecture/Art/Musiques/Tokyo

don’t let go, do not let go, of the subtle fire that burns within you, your life

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Quand je passe par le quartier de Jinbocho, je ne manque pas l’occasion de passer devant le fascinant Jimbocho Theater conçu par Nikken Sekkei. Il me donne à chaque fois l’impression d’avoir été déposé par erreur au milieu du quartier, d’autant plus qu’il est encastré entre des immeubles beaucoup plus anciens et dépareille complètement. Je n’étais pas venu à Jimbocho pour partir en exploration des nombreuses librairies à la recherche de vieux bouquins que j’aurais eu de toute façon un peu de mal à ranger à la maison. Tout comme pour mes CDs dans les tiroirs, les étagères dédiées aux livres sont déjà pleines à raz-bord. Je suis en fait venu jusqu’à Jimbocho pour voir une petite exposition dédiée au dernier album du groupe Hitsuji Bungaku (羊文学), dans une galerie située au rez-de-chaussée d’un immeuble récent à proximité du centre de Jimbocho.

L’exposition intitulée Secret Garden (ひみつの庭) qui se déroulait du 30 Mai au 23 Juin 2024 dans la petite galerie New Gallery à Jimbocho prenait pour thème l’album 12 hugs (like butterflies) d’Hitsuji Bungaku sorti l’année dernière. L’artiste haru.(HUG) qui a conçu cette exposition est en fait la directrice artistique habituelle des albums d’Hitsuji Bungaku. Elle a créé pour cette exposition différentes œuvres artistiques directement inspirées des douze morceaux de l’album, accompagnées par plusieurs photographies de Nico Perez. Nico Perez signe de nombreuses photographies récentes du groupe, dont celles du dernier album, et elles sont superbes, notamment celle en noir et blanc à la verticale utilisée comme affiche de la tournée de 2023 « if I were an angel » à laquelle j’avais assisté. J’avais du coup acheté un t-shirt avec cette photographie affichée en grand dans le dos. J’aime aussi beaucoup une photographie en triple exposition où les visages et silhouettes de chaque membre du groupe se superposent. On passe un bon moment dans l’espace assez compact de la galerie, reconstituant une cabane de bois. À l’intérieur, des feuilles de partitions, des morceaux de paroles, photographies, éléments de costumes et autres objets sont exposés. L’extérieur de la cabane donne sur un jardin reconstitué. Dans un coin de la galerie, une bande sonore diffuse une discussion entre Moeka Shiotsuka et Yurika Kasai. On a l’impression pendant quelques instants de rentrer dans leur univers.

Après un suspense intense, j’ai finalement reçu confirmation qu’une place pour le prochain concert de Sheena Ringo, Ringo Expo’24 (林檎博’24―景気の回復―), m’était gracieusement accordée. A travers le fan club Ringohan, j’avais tenté d’avoir une place pour chacune des trois dates au Saitama Super Arena (さいたまスーパーアリーナ) et le hasard de la loterie ne m’a finalement accordé qu’une seule place, le Jeudi 21 Novembre 2024. Il s’agissait en fait de mon troisième choix, comme quoi les places sont difficiles à obtenir même à travers le fan club. Maintenant, il faut attendre patiemment cinq mois avant le concert. J’ai également eu un peu de chance à la loterie pour obtenir des places pour une des deux dates de Tokyo de la tournée mondiale de Millennium Parade intitulée Who And How. Je ne pensais pas du tout pouvoir obtenir des places mais j’avais tenté le coup au cas où pour trois places pour y aller en famille, une fois n’est pas coutume. On a finalement eu des places pour le final au Tokyo Garden Theater le 20 Décembre 2024. Il me faudra dans ce cas là attendre six mois. Tous ces événements me paraissent bien lointains. Peut-être assisterais je à un autre concert entre temps. Ce sont dans les deux cas des grandes salles: 37,000 personnes pour Saitama Super Arena et 8,000 pour Tokyo Garden Theater. Vu le monde qu’il avait pour seulement suivre la voiture Plankton dans les rues de Tokyo, je pense qu’une salle de 8,000 personnes est un peu étroite pour Millennium Parade, d’autant plus que King Gnu remplit des domes. Je me pose pas mal de questions sur ces deux tournées. Je me demande si les invitées du dernier albums de Sheena Ringo seront également présentes lors de la série de concerts. Ça me parait plutôt difficile sur la totalité de la tournée et pour la totalité des artistes invitées, mais les concerts de type Expo accueillent en général des invités. Pour Millennium Parade, je me demande quels vont être les morceaux interprétés car la formation de Daiki Tsuneta n’a pas sorti d’album depuis un bon moment à part quelques singles comme Work avec Sheena Ringo. Le 20 Décembre, elle aura déjà terminé sa tournée nationale et ça me parait plutôt probable que Millennium Parade interprète le morceau Work qui a eu beaucoup de succès. Je doute tout de même qu’ils l’interprètent une nouvelle fois ensemble (après la version lors du concert de King Gnu au Tokyo Dome). En attendant, Millennium Parade fait du teasing en commençant à nous montrer des photographies des membres du groupe dans des accoutrements des plus étranges et en présentant des personnages qui seront peut-être en lien avec l’univers visuel de la formation.

Sur mon billet précédent montrant des photos du Flagship Store Fender d’Harajuku, certains visiteurs auront peut être été interpellés par cette fille portant deux guitares jaunes. C’était mon cas en tout cas. Il s’agit de la guitariste et chanteuse Rei, qui est désormais une des ambassadrices de la marque Fender au Japon. J’ai fait le curieux en recherchant dans sa discographie des morceaux qui me plairaient et je découvre celui intitulé Lazy Loser que j’aime beaucoup pour sa dynamique imparable. Son style pop rock est assez différent de ce que j’écoute d’habitude en rock japonais, mais ce morceau en particulier est particulièrement addictif, d’autant plus que son jeu de guitare est excellent. Dans les autres excellents guitaristes, je suis très impressionné par le morceau intitulé Burning de Corey Wong avec le Metropole Orkest. Corey Wong est un guitariste américain et le Metropole Orkest est un orchestre jazz et pop des Pays Bas. Je connais Corey Wong car il jouait brillamment sur l’excellent morceau Todome no Ichigeki (トドメの一撃) de Vaundy. J’ai d’abord découvert le morceau Burning car il passait récemment à la radio sur J-Wave suite à une courte interview de Corey Wong. J’adore l’intensité crescendo de l’orchestre et surtout le final, qui m’avait tout de suite interpellé lors de ma première écoute à la radio. Rei et Corey Wong ont également joué ensemble sur un morceau intitulé BPM, qui est agréable mais m’intéresse moins en comparaison des deux morceaux ci-dessus.