Mois : janvier 2023

Art/Musiques/Tokyo

ginza nexus state survivor

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Juste après la fin du mini-live du groupe de rock indé For Tracy Hyde, je quitte le magasin Tower Records de Shibuya pour attraper la ligne de métro Ginza, direction le centre de Ginza. Dans mes petites notes, j’avais listé depuis plusieurs semaines une visite de l’exposition de la photographe Anju (安珠) se déroulant dans le Nexus Hall du bâtiment Chanel du 18 Janvier au 12 Février 2023. Anju était modèle haute couture dans une vie précédente, ce qui explique certainement qu’elle expose dans ce bâtiment Chanel. L’entrée du hall se trouve sur le côté du building et on la remarque à peine. Un portier est posté derrière la porte vitrée et devant les ascenseurs. Il nous fait un peu hésiter à entrer mais le visiteur est bien entendu le bienvenu. Il ne faut pas de réservation pour visiter cette galerie d’art.

L’intérieur de la galerie est volontairement sombre et les photographies d’Anju y sont éclairées individuellement. Un mot de Richard Collasse, dirigeant de Chanel Japon et japanophile confirmé, nous accueille et on se laisse ensuite entrainer dans le monde de fantaisie créé par Anju pour cette exposition intitulée A girl philosophy (ある少女の哲学). On reconnaît dans ces séries de photographies des personnages de contes, connus comme Alice au pays des merveilles ou le petit chaperon rouge, dans des versions réinterprétées par la photographe. L’exposition prend les rêves d’une jeune fille comme thème principal. C’est un fils conducteur qui lie les différentes séries de photographies. Un petit film montré dans un coin de l’exposition regroupe certaines des photographies en images fixes accompagnées de petites séquences filmées mettant en scène ces rêves. Haruomi Hosono signe la musique de ce petit film. Cette musique est abstraite mais vient inconsciemment s’imprégner dans mon cerveau au point où j’ai eu envie de l’enregistrer sur mon iPhone. J’ai beaucoup aimé les mises en scène des photographies qui nous font entrer dans un monde irréel. Les couleurs très marquées et les zones de noirceurs au contraste renforcé par les lumières donnent beaucoup d’impact à ces photographies. Anju était apparemment l’invitée d’un talk-show le Samedi 28 Janvier dans le restaurant plein de livres Megutama du photographe Kotaro Iizawa (飯沢耕太郎). J’ai loupé cette occasion ce qui est bien dommage car j’aime beaucoup cet endroit, dont j’ai déjà parlé quelques fois.

J’ai déjà parlé d’Anju plusieurs fois sur ces pages. Je suis sur Instagram ses photographies depuis que j’ai découvert l’album The Invitation of the Dead de Tomo Akikawabaya. Elle posait sur une photographie prise en 1983 utilisée pour cet album et j’avais trouvé que la musique sombre et pleine de mystères de Tomo Akikawabaya pouvait difficilement se dissocier de cette photographie d’Anju, comme un ange au visage sombre qui nous accompagne pendant l’écoute. J’avais fait part de cette remarque au photographe Alao Yokogi lorsqu’il avait montré sur son compte Instagram une photographie de cette série. Le photographe Alao Yokogi a pris de nombreuses fois Anju en photo à cette époque, notamment avec le Yellow Magic Orchestra (イエローマジックオーケストラ. YMO) car Anju était une des actrices jouant dans leur film Propaganda, qui marquait d’ailleurs la fin des activités du YMO. Les trois photographies ci-dessus ont été prises en 1983 par Alao Yokogi pour un nouveau magazine féminin nommé FREE de la société d’édition Heibonsha (平凡社): à gauche avec Haruomi Hosono (細野晴臣), au centre avec le regretté Yukihiro Takahashi (高橋幸宏) et à droite avec Ryuichi Sakamoto (坂本龍一). Anju rendait bien entendu hommage à Yukihiro Takahashi, décédé récemment le 11 Janvier 2023, en montrant une photo sur Instagram tirée du film Propaganda. Les articles a son sujet étaient nombreux ces derniers jours.

Je suis très loin de bien connaître la musique du YMO mais depuis l’annonce du décès de Yukihiro Takahashi, je me suis remis à écouter leur album Solid State Survivor sorti en 1979. Nous avons une version de 1992 du CD de cet album à la maison. En feuilletant une nouvelle fois le livret accompagnant le CD, je me rends d’ailleurs compte que les photographies de l’album ont été prises par Masayoshi Sukita. Il est notamment reconnu pour ses photographies de David Bowie dont celle de l’album Heroes que j’évoquais dans un billet précédent (qui montrait également une photo de Megutama d’ailleurs). De cet album, le morceau RYDEEN écrit par Yukihiro Takahashi est tellement connu qu’il fait quasiment partie du patrimoine immatériel japonais. Il m’est difficile d’écouter ce morceau avec une oreille nouvelle tout comme il m’est difficile de donner un avis sur un album et un groupe qui sont devenus des monuments, inspirant la musique électronique qui suivra. Mais je ne parle de toute façon ici que des choses qui me plaisent et m’émeuvent. Le morceau que je préfère de l’album est très certainement le cinquième Behind the mask, accompagné du précédent Castalia et les deux derniers Insomnia et le morceau titre de l’album Solid State Survivor. Le premier morceau Technopolis puis RYDEEN sont bien entendus très marquants et difficiles à oublier. Je reste tout de même assez interrogatif sur la reprise des Beatles avec le morceau Day Tripper et le deuxième morceau Absolute Ego Dance a tendance à m’agacer un peu. Il n’empêche que j’écoute beaucoup cet album, pris par l’envie d’écouter les morceaux qui me plaisent le plus.

De Yukihiro Takahashi, j’écoute aussi beaucoup le fabuleux Drip Dry Eyes de l’album Neuromantic sorti en 1981, que j’ai du mal à m’empêcher d’écouter encore et encore. Outre le YMO, je pense que j’avais surtout découvert Yukihiro Takahashi par ses collaborations nombreuses avec Towa Tei. Je me souviens d’une période, il y a 6 ans, où j’écoutais beaucoup Towa Tei et j’avais écouté par extension quelques morceaux du super-groupe Metafive, notamment celui intitulé Don’t move. Metafive a été fondé par Yukihiro Takahashi et de compose de Towa Tei, Keigo Oyamada (aka Cornelius), Yoshinori Sunahara, ancien membre de Denki Groove et remixeur récidiviste de Sheena Ringo, entre autres. Dans un billet, en prenant pour point de départ l’art de Yayoi Kusama, je m’étais même intéressé à imaginer un lien artistique entre Sheena Ringo et Yukihiro Takahashi, mais il est désormais trop tard malheureusement. J’aime aussi revoir cette vidéo datant du 4 Juillet 1985 de l’émission Waratte iitomo! Telephone Shocking (笑っていいとも！ テレフォンショッキング) de Tamori où Jun Togawa était l’invitée. Le principe de l’émission est que l’invité du jour appelle au téléphone l’invité du jour suivant. C’était Yukihiro Takahashi qui était invité par Tamori le 3 Juillet et il a donc appelé Jun Togawa pour l’émission du lendemain. Ce passage de l’émission est très drôle car Jun Togawa est complètement endormie et Yukihiro Takahashi essaie très aimablement de lui remémorer le fait qu’il lui avait dit à l’avance qu’il l’appellerait ce jour lå pour l’émission. J’en avais déjà parlé mais j’adore revoir cette émission sur YouTube.

Musiques/Tokyo

シブヤROCKTRANSFORMED状態

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Une Ducati 998 version Moto Corse à l’arrêt mais, j’en suis sûr, prête à bondir. J’ai toujours été impressionné par cette moto ultra-sportive tout en me disant que je ne serais probablement plus là pour en parler si j’en avais acheté une à l’époque où j’étais un motard passionné. Alors que je prenais la photo de Ramu-chan dessinée par Nakaki Pantz au dessus de l’entrée de la gare de Shibuya, je remarque un autre autocollant de Fūki Committee parmi de nombreux autres. Ils sont particulièrement nombreux à Shibuya en ce moment. En remontant les rues de Shibuya jusqu’à Dogenzaka, je suis à chaque fois étonné de voir le Club Asia toujours présent et inchangé avec ses murs de façade rouges. Je pense y être allé une ou deux fois il y a un peu plus de vingt ans.

J’ai déjà parlé du nouvel album du groupe de rock indé japonais For Tracy Hyde, Hotel Insomnia, après en avoir écouté quelques morceaux. J’ai toujours écouté les albums de For Tracy Hyde en me disant qu’ils contiendront des morceaux que j’aimerais vraiment beaucoup et d’autres qui me laisseront plus indifférents. Je ne m’attendais donc pas à ce que ce nouvel album me plaise autant dans son intégralité. C’est pour moi assez clairement le meilleur album du groupe, et je me dis une fois de plus que c’est une drôle d’idée de vouloir s’arrêter maintenant. Mais bon, pourquoi ne pas s’arrêter à son apogée plutôt qu’en phase de déclin. Je suis sûr que chaque membre du groupe continuera sur d’autres projets. Eureka fait également partie d’un autre groupe appelé Ferry Chrome, que je ne connais pas. Azusa Suga (aka Natsubot) a plusieurs projets séparés comme Aprilblue et il écrit des morceaux pour le groupe d’idoles alternative RAY dont je parle aussi régulièrement sur ce blog. Une petite vidéo sous-titrée en anglais créée par Harry Bossert pour sa série Angura parlant de la scène musicale underground japonaise présente d’ailleurs le groupe en évoquant leur séparation. Leur dernier concert se déroulera le 25 Mars 2023 dans la live house WWWX de Shibuya, mais je pense qu’il sera difficile d’avoir une place. J’ai tenté ma chance mais on aura les résultats qu’après une loterie. A ce propos, en parlant de la série vidéo Angura, le groupe Ms.Machine dont je parle aussi très régulièrement dans ces pages est également présenté avec une interview. Angura est une très bonne chaine YouTube qui a démarré récemment et qu’il est bon de suivre. Pour revenir à For Tracy Hyde, l’album contient quelques uns des meilleurs morceaux du groupe comme Friends, Kodiak, milkshake ou encore Subway Station Revelation entre autres, mais il reste excellent dans la longueur de ses 13 morceaux. Peut-être que le mastering de l’album par le guitariste et chanteur Mark Gardener du groupe anglais Ride y est pour quelque chose. Le morceau Sirens, le seul qui n’est pas chanté par Eureka me rappelle particulièrement l’ambiance musicale des morceaux de Ride. J’aime le shoegaze de Ride que j’écoutais beaucoup il y a 7 ans tout en parcourant les rues de Shimokitazawa. Revoir les photographies prises à cette époque dans le billet où j’évoquais l’album me plonge dans une sorte de nostalgie de ces moments alors qu’ils ne sont pourtant pas très anciens. Mais au delà de l’influence éventuelle de Ride sur cet album, Azusa Suga a de toute façon beaucoup de talent pour composer des morceaux flottant qui nous entraînent parfois dans des rêves ou dans des tourbillons de guitares. Et la voix d’Eureka est particulièrement hypnotisante sur cet album. J’adore quand elle se noie dans les echos, sur le superbe Kodiak par exemple, et dans les guitares envahissantes, ambiance shoegaze oblige.

Je ne pouvais pas manquer le mini-live que le groupe donnait le Samedi 21 Janvier à 15h au Tower Records de Shibuya à l’occasion de la sortie de leur album. L’entrée était gratuite car le live se déroulait au sixième étage du magasin parmi les rangées de vinyls. Une petite scène temporaire était aménagée et pouvait s’installer debout où on le souhaitait, au plus près du groupe. Je suis arrivé trente minutes avant le début du mini-live. Il se voulait acoustique mais le son des guitares restait particulièrement puissant dans l’enceinte du magasin. Les photos et vidéos étaient autorisées. J’en ai pris quelques unes ci-dessus mais je ne voulais pas passé mon temps à regarder mon appareil photo plutôt qu’à regarder le groupe joué. Azusa Suga et Eureka étaient sur le devant de la scène et on ne voyait pas Mav et Soukou qui étaient installés derrière avec batterie et basse. Azusa Suga est le fondateur du groupe et principal compositeur des morceaux. Derrière sa coupe de cheveux un peu trop longs, il était le principal MC du live revenant notamment sur le fait que le groupe se séparera le 25 Mars 2023 après le concert à Shibuya. Le groupe a joué six morceaux en tout dont quatre du dernier album (Friends, Milkshake, Lungs et Subway Station Revelation) et deux autres des albums précédents pour les rappels (Interdependence (Part I) et Sakura no En (櫻の園)). C’était un très beau moment passé en leur compagnie. On sentait qu’Eureka était nerveuse devant le public qui était vraiment très proche. C’est la raison qu’elle nous a donné quand elle a loupé le démarrage au chant d’un des morceaux. J’aime bien ces petits moments d’imperfection, d’autant plus que le morceau s’est déroulé parfaitement après. On pouvait faire signer le boitier CD après le live, mais j’ai passé mon tour car j’avais déjà acheté l’album en digital sur iTunes et je ne me voyais re-acheter l’album en double en CD. J’étais placé assez proche de la petite scène et en me retournant à la fin du live, je me suis rendu compte qu’il y avait foule derrière moi dans les rangées de vinyls. La file d’attente pour faire signer le CD de l’album était donc assez longue. Mais, j’avais un autre objectif pour la suite de l’après-midi et je le suis éclipsé direction Ginza en gardant ces morceaux de For Tracy Hyde en tête. Pour découvrir un peu plus le groupe, il y a une une très bonne interview par Ryo Miyauchi sur le site musical Tone Glow.

J’ai toujours été attiré par la pochette DIY de ce live de Number Girl datant de 1999 intitulé Shibuya Rocktransformed Jōtai (シブヤROCKTRANSFORMED状態). Je l’ai trouvé au Disk Union de Shibuya il y a quelques semaines. Il date du 1er Octobre 1999 et il s’agissait du dernier jour de leur tournée Distortional Discharger au Shibuya Club Quattro. En fait, j’ai toujours pensé, par erreur, que ce live de Number Girl était la deuxième partie du live Kyoei Buranko (虚栄ブランコ) de Tensai Pureparāto (天才プレパラート), le groupe temporaire et secret de Sheena Ringo. Mais le live Kyoei Buranko a en fait eu lieu un peu plus d’un mois plus tard, le 30 Novembre 1999 au Club Asia (que je montrais en photo ci-dessus). Il s’agit donc d’un live différent mais j’imagine que l’ambiance rock brute devait être similaire. La qualité de la prise de son du concert de Number Girl au Shibuya Club Quattro est très bonne rendant très bien la puissance des guitares, notamment d’Hisako Tabuchi, et l’agressivité vocale de Shūtoku Mukai. Les morceaux s’enchainent sans répits à par pour quelques morceaux précédés d’une courte introduction faisant d’ailleurs partie entière des morceaux. Tomei Shōjo (透明少女) est un exemple classique à chaque fois précédé de quelques mots avant que les guitares ne dégainent. Écouter ce concert me rappelle l’ambiance qu’il pouvait y avoir dans ce genre de concerts de rock underground lorsqu’il était autorisé au public de parler et de crier. Bon, je suis maintenant reparti pour réécouter la discographie complète de Number Girl ou peut être devrais je chercher d’autres live du groupe.

Art/Musiques/Tokyo

BETWEENFRAMES

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Je place cette petite série photographique entre deux cadres, celui de l’immeuble blanc de la marque de vêtements Hakka sur l’avenue de Roppongi menant à Shibuya, et celui d’un Love Hotel laissé à l’abandon sur les hauteurs de Dogenzaka. Les amateurs de ruines Haikyo (廃墟) ont certainement déjà investi les lieux car je remarque des ouvertures dans les barricades blanches entourant le site. Avec le retour des touristes étrangers, on voit de plus en plus de personnes se faire prendre en photo au milieu du grand carrefour de Shibuya, parfois dans des tenues étonnantes comme sur la troisième photographie du billet. Je ne prends en général pas en photo des personnes qui posent pour un ou une autre photographe que moi mais je fais une exception dans le cas de ce mystérieux personnage masqué qui m’a intrigué sur le moment.

Je mentionnais très brièvement dans un précédent billet être allé à l’exposition de l’illustratrice Nakaki Pantz. Nicolas, qui commente très régulièrement par ici, m’a fait connaître cette artiste à partir d’une illustration non officielle qu’elle a fait de Sheena Ringo dans le style vestimentaire du concert Hyakki Yagyō (百鬼夜行) de 2015 et qu’elle montrait sur son compte Instagram. J’ai commencé de ce fait à suivre Nakakisan sur Instagram et je découvre assez vite qu’elle expose quelques unes de ses œuvres dans une galerie de la grande librairie Maruzen de l’immeuble Oazo à Marunouchi. L’exposition s’appelait Cherish et se déroulait du 11 au 17 Janvier 2023. La bonne nouvelle est qu’elle annonçait sa présence à l’avance et il m’a donc fallu venir au bon moment, qui se trouvait être un samedi après-midi vers 15h. On m’avait commandé son book que j’étais bien content d’aller lui faire signer. J’aime beaucoup ses illustrations, représentant la plupart du temps des personnages féminins. J’apprécie en particulier la personnalité qui s’en dégage, une certaine indépendance peut-être, une force de caractère certainement. Après avoir fait le tour de la salle d’exposition, je pars acheter le book pour ensuite revenir dans la salle d’exposition pour le faire signer. Nakakisan est assisse à une petite table et une file d’attente s’est formée pour la voir les uns après les autres. Elle est très sympathique avec tout le monde ce qui est très agréable. Lorsque vient mon tour et alors qu’elle signe l’exemplaire de son book que je lui ai tendu, j’en profite pour échanger quelques mots mais ça ne va pas beaucoup plus loin que lui dire que je la suis sur Instagram et que j’apprécie ses illustrations qui sont cools et fortes (kakkoii). Elle me remercie et me répond en s’excusant presque de ne dessiner pratiquement que des personnages féminins. Elle est consciente du public international qui la suit, ce qui n’a rien de vraiment étonnant car elle compte plus de 130,000 abonnés sur Instagram. Je lui demande également si elle est d’accord pour une photo et elle accepte gentiment. Tout le monde ne demande pas systématiquement de photos, mais en voyant les deux personnes devant moi dans la file d’attente lui demander, je n’ai pas résisté à faire la même chose. Je n’aime pas trop me montrer sur ce blog mais je ferais une nouvelle fois exception sur ce billet. Me voilà bien content d’avoir pu voir cette exposition et d’avoir échangé quelques mots avec l’illustratrice. Le book signé que je ramène à la maison n’est pas pour moi mais je vais le garder au chaud pendant quelques mois avant d’avoir l’occasion de le transmettre.

Cette même semaine pendant laquelle j’ai été voir l’exposition, une grande fresque dessinée par Nakakisan était affichée au dessus de l’entrée principale, côté Hachiko, de la gare de Shibuya. L’illustration représente une ré-interprétation du personnage de Ramu-chan de la série animée Urusei Yatsura (うる星やつら), basée sur le manga de Rumiko Takahashi (高橋留美子). J’ai bien entendu des souvenirs de cette série qui passait à la television française (sur TF1) à la fin des années 80 (à partir de 1988) et que je regardais à l’époque avec d’autres séries de Rumiko Takahashi comme Maison Ikkoku (Juliette, je t’aime) et Ranma 1/2. Il se trouve que l’extra-terrestre Ramu-chan a repris du service dans une nouvelle version d’Urusei Yatsura diffusée sur Fuji Tv et également disponible sur Netflix. En regardant le premier épisode par curiosité, ça reste tout à fait loufoque comme dans mes souvenirs, et comme peut l’être aussi Ranma 1/2. La version de Ramu-chan dessinée par Nakakisan est plus adulte et sert de pochette pour les singles du collectif MAISONdes (メゾン・デ) qui compose les thèmes de début et de fin de la nouvelle série animée. On retrouve donc le style de Nakaki Pantz adapté à l’univers d’Urusei Yatsura. Je connais assez peu MAISONdes, mais je remarque que ce groupe est évolutif, invitant pour chaque morceau des interprètes différentes, parfois connues comme Aimer ou yama. Le principe est que chaque morceau se trouve dans une salle et les vidéos des morceaux montrent à chaque fois une porte numérotée s’ouvrant sur cette salle nous permettant d’écouter le morceau. Le thème d’ouverture (OP) de la première partie de la première saison de 14 épisodes d’Urusei Yatsura est intitulé Aiue (アイウエ) avec Minami (美波) et SAKURAmoti. Le thème de fin (ED) intitulé Tokyo Shandy Rendez-vous (トウキョウ・シャンディ・ランデヴ) fait participer KAF (花譜) et Tsumiki (ツミキ). Je ne connais pas tous ces noms. Le style est clairement post-vocaloid et la dynamique frénétique des morceaux me rappelle le groupe Zuttomayo. Le style musical est assez similaire et les morceaux peuvent devenir rapidement addictif si on y prête bien l’oreille. On se laisse facilement accrocher par la mélodie et ces voix qui nous entrainent, notamment celles du morceau Tokyo Shandy Rendez-vous que j’aime beaucoup. MAISONdes (メゾン・デ) compose également les thèmes de la deuxième partie de la première saison d’Urusei Yatsura avec d’autres morceaux comme Love Trap Muchu (アイワナムチュー) avec asmi et Three (すりぃ), puis Ai Tarinai (アイタリナイ) avec yama et Nito (ニト。). Nakaki Pantz est à chaque fois en charge des illustrations des pochettes des morceaux et des vidéos animées les accompagnant.

Pour rester encore un peu en musique, Utada Hikaru fêtait Jeudi 19 Janvier ses 40 ans avec une émission spéciale intitulée 40dai Iro Iro (40代はいろいろ, qu’on pourrait traduire par « il s’en passe des choses pendant nos quarante ans ») visible sur la plateforme de streaming Stagecrowd de Sony Music. Il fallait s’inscrire à l’avance mais le visionnage était gratuit. L’émission se composait de deux parties: une partie talk-shown avec des invités et un mini-concert de trois morceaux seulement. Utada Hikaru étant installée à Londres, les invités intervenaient par vidéo sur Zoom. La vidéo montrant Utada Hikaru était de très bonne qualité au point où on avait l’impression qu’elle était assise avec nous dans le salon. Mais les problèmes techniques en cours de route étaient nombreux, en particulier une coupure soudaine de son et une vidéo instable sur Zoom avec une des deux invités. Les invités étaient Yuriko Yoshitaka (吉高由里子) et Takeru Satō (佐藤健), respectivement actrice dans le drama Saiai (最愛) et acteur dans le drama First Love (初恋), tous les deux utilisant un morceau d’Utada Hikaru comme thème musical. La connection vidéo avec Yuriko Yoshitaka étant de mauvaise qualité, elle a été assez rapidement interrompue après quelques minutes de confusion. Ce sont les aléas du direct. J’ai bien aimé voir Takeru Satō discuter avec Utada Hikaru comme des amis de longue date. Cette discussion là m’intéressait plus parce que j’ai regardé le drama First Love. J’aurais aimé que Hikari Mitsushima passe dire bonsoir également mais ce n’était malheureusement pas le cas. La discussion n’allait pas très loin ceci étant dit, même si Utada Hikaru semblait avoir préparé avec des notes sur son iPhone. Elle répondait ensuite à quelques questions posées par avance par le public (80,000 personnes regardaient le live), dont une en anglais lui demandant ce qu’elle pensait des « nepo baby », les enfants de stars qui bénéficient de raccourcis dans leur propre carrière artistique. La question était bien entendu orientée car Utada Hikaru est la fille d’un producteur de musique et d’une chanteuse célèbres. Elle s’en sort plutôt bien en disant qu’une porte ouverte ne nous amène pas bien loin. Elle n’a clairement plus grand chose à prouver, mais peut-être que certains ne s’en sont pas encore rendu compte. Dans ce talk-show assez décousu, elle donne une citation d’un auteur appelé Adam Phillips et qui nous dit « Nothing will fit if we assume a place for it ». A méditer. Le mini-live portait bien son nom car elle ne chantait que trois morceaux en lien avec les invités: tout d’abord First love réutilisé pour le drama du même nom, puis Kimi ni Muchū (君に夢中) utilisé pour le drama Saiai mais dans une version spéciale appelée Rule. Le dernier morceau était une reprise en espagnol de Bad Bunny, un rappeur et chanteur portoricain. Je pensais qu’elle interprèterait un nouveau morceau mais ce ne fut malheureusement pas le cas. Au final, l’émission n’avait rien d’indispensable mais on peut apprécier l’effort de faire ce genre de live.

Art/Musiques/Tokyo

street remixed

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#11: mika scape. Shibuya.

#12: kusama dots. Harajuku.

#13: driving riding. Jingumae.

#14: bonjour girl. Jingumae.

#15: passing drawings. Omotesando.

Les marques vestimentaires de luxe redoublent d’astuces pour essayer d’attirer le passant étourdi dans ses filets profitant de quelques secondes d’inattention de sa part. Je remarque qu’un magasin temporaire Louis Vuitton s’est installé discrètement (ou à peine) près de la gare de Harajuku avec toujours les motifs en forme de poids colorés de Kusama Yayoi. Je devine à l’intérieur une statue de l’artiste en très grand format et je ne peux résister à l’idée d’entrer à l’intérieur pour la voir de plus près. Un peu plus loin à Omotesando et sur la dernière photographie de ce billet, les personnages de l’illustrateur Yoshitomo Nara viennent agrémenter les créations vestimentaires de Stella McCartney. On dirait que chaque marque essaie de s’attirer son artiste attitré. Loewe s’était emparé pendant quelques temps de certains personnages du monde de Ghibli, en premier lieu Totoro que la marque de luxe avait réussi à sortir de son sommeil. Sur la deuxième photographie du billet, un personnage haut en couleurs par l’illustratrice Mika Pikazo est affiché sur une grande baie vitrée d’un immeuble d’Udagawachō. Ce n’est pas la première fois que je fais le tour d’une exposition de cette illustratrice à Shibuya. La fois précédente devait être en Septembre 2019 dans un espace ouvert sur la rue près de l’ancien cinéma Rise, désormais reconverti en une live house nommée WWW WWWX. Je ne suis jamais entré à l’intérieur mais il faudrait que je trouve une occasion pour admirer l’architecture d’Atsushi Kitagawara tout en y appréciant un concert, par exemple. Je passe très souvent près de la galerie d’art Design Festa pour vérifier si les illustrations sur les murs ont été modifiées. Je ne pense pas avoir déjà vu ce petit personnage coloré uniformément de rose. Il y a certains endroits à Tokyo, comme ici ou sur les murs extérieurs d’un magasin de disques hip-hop à Udagawachō, où les fresques sont très souvent mises à jour. Ce genre de remix urbain satisfait forcément beaucoup le photographe amateur que je suis.

Je viens d’acheter au Tower Records de Shibuya l’album remix de morceaux de Sheena Ringo intitulé Hyakuyakunochō (百薬の長) sorti le 11 Janvier 2023. Il est sous-titré en allemand « das Allheilmittel für alle Übel », ce qui voudrait dire « le remède à tous les maux ». Il s’agit à mon avis d’une correspondance avec le EP Ze-Chyō Syū (絶頂集, SR/ZCS) sorti en Septembre 2000 qui reprenait également l’imagerie de la boîte de médicaments. La version initiale de la pochette de Hyakuyakunochō avait même un logo « Sheener » ressemblant à celui de Pfizer mais il n’a (heureusement) pas été conservé. Je me suis procuré la version standard sans les objets additionnels (les goods) fournis avec la version deluxe, car le problème d’utilisation du logo de La Croix Rouge m’a fait comprendre que Sheena Ringo n’avait en fait aucune implication dans le choix de leur design. Les albums de remix sont en général le fait des maisons de disques sans forcément un apport de l’auteur initial de la musique remixée. C’est du moins ce que la maison de disques Sony Universal Japan a annoncé suite au problème reporté dans les médias, très certainement pour protéger l’artiste. Une chose est sûre, je remarque maintenant les ‘Help Mark‘ (ヘルプマーク) marquées sur fond rouge du cœur blanc et du logo de La Croix Rouge, et j’en vois beaucoup dans les rues ou dans les couloirs du métro alors que je les voyais à peine avant. Merci donc Sheena Ringo de m’avoir sensibilisé sur ce sujet. Mais le véritable problème de ce genre de goods est qu’on a tendance à ne volontairement pas les utiliser pour ne pas les abîmer et ils finissent oubliés au fond d’un tiroir.

L’exercice du remix est assez compliqué et même périlleux. On a souvent plusieurs cas de figures. Le remixeur ne prend parfois pas de risques et n’ajoutent que des petites touches musicales sans modifier la trame initiale du morceau. On peut aller vers des propositions à l’opposé où l’empreinte du remixeur est tellement forte qu’on peine à reconnaître le morceau original sur lequel il est basé. C’est un parti pris d’essayer de conserver l’atmosphère originale d’un morceau pour ne pas choquer les fans ou de partir vers des pistes complètement différentes. Il est à mon avis très difficile pour un remix d’égaler un morceau original car ça demande à l’auditeur d’oublier en quelque sorte ce qu’il connaît d’une musique mainte fois écoutée et d’accepter quelque chose de nouveau. Il est assez rare qu’un morceau remixé vienne dépasser et transcender sa version originale. Il y a pourtant des remixes qui amènent des morceaux vers d’autres rythmes et d’autres ambiances, qui ajoutent une épice qui ne manquait pas forcément à l’original mais qui devient indispensable une fois qu’on l’a ajouté. Certains remixes arrivent à sublimer un morceau tandis que d’autres ne font que l’alourdir et le déséquilibrer. C’est une chimie compliquée qui peut très bien fonctionner ou échouer lamentablement. Il y a un peu de tout cela dans ce premier album remix de Sheena Ringo.

Je ne sais pas si Sheena est à l’origine de la sélection des musiciens en charge des remixes mais je dirais que probablement non, vu qu’il s’agit d’une initiative de la maison de disques. Il y a beaucoup de noms réputés japonais mais aussi quelques étrangers. Certains noms me sont cependant complètement inconnus. Comme je le mentionnais auparavant, la coréenne Miso prend en charge le morceau Marunouchi Sadistic (丸ノ内サディスティック), ce qui n’est pas une mince affaire vu que c’est son morceau le plus populaire. Elle s’en sort très bien et laisse même clairement son empreinte en ajoutant sa voix sur la fin du morceau pour le compléter. Cet apport de voix est très bien vu, et Miso n’est pas la seule à le faire sur cette compilation de remixes. Le morceau Ishiki (意識 ～Conciously～) remixé par Shinichi Osawa, dont je parle régulièrement ici pour son projet MONDO GROSSO, est particulièrement réussi et cerise sur le gateau, DAOKO vient ajouter sa voix rappée sur la fin du morceau. J’adore le ton de voix immédiatement reconnaissable de DAOKO et sa manière d’accentuer certaines syllabes pour donner de la force à son phrasé. La version par moment forte en basse de Shinichi Osawa donne un souffle complètement différent à ce morceau. Le remix de Yokushitsu (浴室 ～la salle de bain～) par une des figures importantes de la musique électronique japonaise, Takkyu Ishino (石野卓球), est tout à fait enthousiasmant. Il conserve toute la force de la voix de Sheena Ringo et arrive à faire décoller le morceau, notamment dans sa deuxième partie. Yokushitsu, Marunouchi Sadistic et Ishiki sont des morceaux qui ont déjà eu des versions alternatives (notamment en anglais) sur des albums ou live de Sheena Ringo. On est donc d’une certaine manière habitué à ce que ces morceaux ne soient pas figés dans leurs formes originales, mais les versions qui nous sont proposés ici ont tout de même un style bien différent et très marqué électro.

Le morceau JL005 Bin de (ＪＬ００５便で ～Flight JL005～) est remixé par Yoshinori Sunahara (砂原良徳) qui était intervenu sur deux morceaux de Tokyo Jihen enregistrés sur une cassette accompagnant la version spéciale du best album Sōgō (総合) sorti en Décembre 2021. J’avais beaucoup aimé les deux morceaux qu’il avait remixé: Karada (体) et Zettaizetsumei (絶体絶命). Je ne suis pas déçu par cette nouvelle version de JL005 Bin de qui démarre sur des prises de sons d’aéroport. Il y a une élégance typique des remixes de Yoshinori Sunahara, enfin de ceux que je connais jusqu’à présent. On retrouve cette même élégance dans la vidéo tournée pour ce morceau par Yuichi Kodama (évidemment). SAYA, de la formation Elevenplay que l’on retrouve régulièrement dans les concerts de Sheena Ringo, joue le rôle principal en hôtesse de l’air. J’aime beaucoup ces images et notamment le petit nuage qui vient s’incruster dans le paysage urbain (j’utilise régulièrement les interventions nuageuses dans mes compositions photographiques). Et on découvrira dans la vidéo qu’un jeu de morpion tourne en rond sur le tableau de bord et les écrans de contrôle de l’avion certainement pendant le pilotage automatique (mais y-a t’il un pilote dans l’avion? de demanderait Leslie Nielsen). Je laisserais les spécialistes en aéronautique préciser la réalité de ce genre de situation. Le sous-titre de ce morceau est B747-246, un avion Boeing donc de la compagnie JAL effectuant le vol de l’aéroport JFK à New York jusqu’à Tokyo Haneda (le vol JL005).

Les morceaux Anoyo no Mon (あの世の門 ～Gate of Hades～) et Chichinpuipui (ちちんぷいぷい ～Manipulate the time～) remixés respectivement par Telefon Tel Aviv et Gilles Peterson sont d’excellentes surprises, car ils s’écartent complètement de la version originale au point où on la reconnaît à peine. Remplacer l’ambiance euphorique de Chichinpuipui par une atmosphère Dark Jazz est assez singulière. On a l’impression d’entendre des nouveaux morceaux où la voix de Sheena est défigurée. Le morceau Adult Code (おとなの掟) remixé par object blue est par contre assez déplaisante. Le morceau d’origine est loin d’être le meilleur de Sheena Ringo et le remix crachotant semble être en permanence décorrélé des paroles. L’écoute en est assez désagréable malheureusement. Les remixes de Nagaku Migikai Matsuri (長く短い祭 ～In Summer, Night～) par Yasuyuki Okamura (岡村靖幸) et de Carnation (カーネーション ～L’œillet～) par Ovall sont agréables sans forcément apporter des propositions nouvelles ou prendre de risques. Ils n’en deviennent donc pas indispensables, même si ces versions restent belles. Je suis un peu dessus de la version par STUTS de Onnanoko ha Daredemo (女の子は誰でも ～Fly Me To Heaven～). Là encore, le remix n’est pas désagréable mais n’apporte pas grand chose de plus à l’original. On peut même se demander s’il y a une différence. L’excellente surprise est de trouver KID FRESINO sur l’avant dernier morceau Niwatori to Hebi to Buta (鶏と蛇と豚 ～Gate of Living～) car il y apporte sa voix hip-hop ce qui change complètement la dynamique du morceau. C’est une belle réussite même si le morceau reste trop court (c’était le cas de l’original). Je trouve une satisfaction certaine d’entendre la voix rap si particulière de KID FRESINO interagir avec l’univers de Sheena Ringo. Le dernier titre, une reprise du morceau le plus récent de Sheena Ringo, Ito wo Kashi (いとをかし ～toogood～) par Ajino Namero (鯵野滑郎) est une curiosité. Il s’agit d’une version en sons 8bits sortis tout droit d’une Famicom (qui serait quand même poussée dans ses derniers retranchements). Les sons primaires prennent étonnement de l’ampleur au fur et à mesure que le morceau se déroule, lui donnant même une dimension épique. J’ai grandi avec ses sons 8bits donc j’adore forcément ce morceau de conclusion, laissé instrumental. Au final, j’adore le début (trois premiers morceaux) et la deuxième partie (des morceaux 8 à 12) mais je trouve qu’il y a un passage à vide au milieu de la compilation (les morceaux 4, 5, 6 et 7). Je trouve le résultat final inégal mais n’en vaut pas moins le détour et j’y reviens très souvent ces derniers jours. Et je me dis qu’il faut absolument que Shinichi Osawa compose un morceau pour DAOKO.

Art/Musiques/Tokyo

la fille de l’as de pique

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#6: card fight. Shibuya.

#7: color dots. Yanaka & Hiroo.

#8: music life. Shibuya Tower Records.

#9: no way. Shibuya.

#10: window walls. Nihonbashi & Aoyama.

Quelques unes des photographies de ce billet sont clairement inspirées par les séries que j’ai pu voir récemment sur NetFlix et dont je parlais déjà dans un billet précédent, à savoir la deuxième saison d’Alice in Borderland (今際の国のアリス) et First Love (初恋). Le magasin de disques Tower Records de Shibuya fait directement la correspondance entre ce drama First Love et le premier album d’Utaka Hikaru en montrant une photo d’elle prise à cette époque là. Cet album sorti le 28 Avril 1999 est un des premiers albums que j’ai pu acheté au Japon après mon arrivée à Tokyo en Février 1999. Le morceau Automatic passait beaucoup dans les clubs et boîtes de nuit tokyoïtes où on allait pratiquement tous les week-ends jusqu’à très tôt le matin. Cette époque me parait bien lointaine (et bien heureusement dirais-je).

On trouve des stickers comme celui de la première photo du dyptique #9, avec une écolière faisant un signe du doigt en disant « Dame yo, Zettai » (ダメよ。ゼッタイ。) un peu partout dans les rues. L’auteur est le mystérieux Tokyo Fūki Committee (東京風紀委員会), le comité de morale publique de Tokyo (j’aime bien ce nom car il me rappelle celui que je donne pour mes histoires de Tokyo parallèle). Enfin, l’auteur ne doit pas être aussi mystérieux que cela car il donnait sa première exposition solo dans la galerie d’art Night Out Gallery à Jingumae du 16 au 25 Décembre 2022. J’aurais voulu voir cette exposition intitulée Activity Report, car je rencontre souvent ses autocollants dans les rues de Shibuya venant à chaque fois ponctuer mon parcours. Je m’y suis malheureusement pris trop tard. Depuis que j’ai vu celle de Wataboku, j’ai de plus en plus envie d’aller voir ce genre d’exposition d’illustrateurs ou illustratrices. Les galeries sont nombreuses à Tokyo et je m’y arrête assez régulièrement sans forcément prendre de photos et les montrer à chaque fois sur ce blog. La prochaine exposition était celle de Nakaki Pantz et j’y reviendrais prochainement. J’ai toujours aimé prendre en photo les stickers aperçus dans les rues, et je me dis que ce domaine de l’art graphique urbain pourrait être une direction que je privilégie sur ce blog.

La photo ci-dessus montre les cadeaux de Noël que je me suis fait à moi-même: le dernier album de Tricot intitulé Fudeki sorti en Décembre 2022 et l’album de Miyuna (みゆな), Guidance, dont j’ai déjà beaucoup parlé. J’avais en fait déjà acheté les morceaux de cet album en digital lorsque j’avais découvert l’album. Je n’ai pas vraiment l’habitude d’acheter la musique en double mais j’ai fait une exception pour Guidance car il s’agit pour moi d’un album important et emblématique. Il y a le fait que j’ai été la voir en concert, mais j’ai également acheté le format physique de l’album car une version contient un Blu-ray d’un concert qu’elle a donné sans public, crise sanitaire oblige. Ce concert en studio intitulé Delete -> Saikai (Delete -> 再開, Effacer puis Reprendre) du 24 Novembre 2021 se compose de 10 morceaux et de quelques passages où Miyuna prend la parole. On y trouve quelques morceaux de l’album Guidance, comme Kijitsu (奇術) disponible en vidéo sur YouTube, et d’autres de ses précédents EPs. La formation qui l’accompagne est la même que celle du concert au Shibuya Club Quattro que j’ai été voir, avec donc une approche rock de live house. Ça reste tout de même beaucoup plus sage que le concert de Shibuya. Miyuna ne s’écroule pas au sol sur scène sur un morceau, et il n’y a pas de solo extensif de guitare, mais il n’y a rien de très étonnant à cela vu que ce live se déroulait en studio. La performance n’en est pas moins excellente et le live vaut le détour ne serait ce que pour pouvoir écouter ces morceaux dans des versions légèrement différentes. La petite surprise de ce live pour moi était de voir Miyuna jouer de la guitare électrique, car on a plutôt l’habitude de la voir jouer de la guitare acoustique. Elle jouait également de la guitare acoustique lors de ce concert, mais elle avait en mains une guitare électrique Gibson SG rouge sur deux morceaux. Sa guitare acoustique est également une Gibson. Ce choix de guitare électrique me parle beaucoup car j’avais autrefois exactement la même Gibson SG mais de couleur noire. J’aimais beaucoup cette guitare qui a malheureusement subi un choc fatal et que j’ai dû revendre avec l’ampli Marshall qui va avec. Mais je ne jouais aucun air connu comme j’aimais à le dire pour exprimer le fait que je ne savais pas en jouer. J’appréciais seulement expérimenter des sons, ce qui m’apportait déjà une certaine satisfaction.

Je suis content d’entendre Miyuna à la radio ces derniers temps, en particulier sur J-Wave. Je pense qu’il doit avoir un lien avec sa participation au festival Tokyo Guitar Jamboree 2023, qui aura lieu en Mars 2023 au Ryōgoku Kokugikan (両国国技館), car il est organisé par J-Wave. Dans la liste des musiciens invités au festival, il y en a plusieurs qui sont très reconnus, comme par exemple Tortoise Matsumoto (トータス松本). C’est une très bonne chose car ça peut lui permettre de gagner en reconnaissance. Comme Miyuna a 20 ans (depuis Juin l’année dernière), elle était invitée à une émission spéciale animée par Shishido Kavka (シシド・カフカ) et sponsorisée par Sapporo Beer sur le passage à l’âge adulte. Cette émission intitulée At age 20, the beginning se composait notamment d’une partie où trois compositeurs, interprètes et rappeur de 20 ans se retrouvaient ensemble à l’antenne pour parler de leur inspiration et de comment ils et elle voient leurs futurs. Au côté de Miyuna, il y avait le compositeur et interprète Sōshi Sakiyama (崎山蒼志) et le rappeur Sanari (さなり). Je ne les connaissais pas mais ils étaient plutôt réservés à l’antenne par rapport à Miyuna qui était plutôt à l’aise pour assurer la conversation, bien qu’elle n’était pas animatrice attitrée de cette section. Je me suis tout de suite dit en écoutant cette émission que J-Wave devrait lui donner un segment radio hebdomadaire même temporaire (comme une de ses ainées sur une autre radio il y a 25 ans). Ça me plairait bien de l’écouter régulièrement. Elle avait aussi été invitée sur J-Wave dans une autre émission de Décembre l’année dernière pour parler cinéma (et pas de musique bizarrement). L’émission abordait le film Avatar: the way of water, å l’occasion d’une journée spéciale sur J-Wave. J’avais bien l’intention de voir ce film, ce que j’ai fait pendant mes congés de la première semaine de Janvier. Bien que l’histoire ne soit pas particulièrement intelligente, le monde que l’on a devant les yeux pendant un peu plus de 3 heures est vraiment merveilleux. Je suis allé le voir tôt le matin dans une salle de cinéma de Shibuya et sortir de la salle à la fin du film pour retrouver l’ambiance urbaine de Shibuya m’a fait un drôle d’effet. C’est comme si j’avais également voyager dans les forêts et les mers de Pandora pendant plusieurs jours voire semaines. Miyuna comparait ce film à ses propres concerts où la rémanence (余韻) des images et des impressions reste forte même après plusieurs jours. Elle le disait de son concert à Shibuya et j’ai l’impression qu’elle accorde beaucoup d’importance à cette sensation de rémanence. J’aime beaucoup cette idée là, surtout à notre époque où tout doit passer vite sans trop réfléchir. Cette idée de rémanence m’est également venu en tête lors de notre séjour récent près du Mont Fuji. J’ai regardé pendant longtemps le Mont Fuji au levé du soleil en pensant au fait que ces images pourrait persister avec moi dans mon inconscient.

Le deuxième cadeau de Noël que je me suis fait était le dernier album de Tricot intitulé Fudeki (不出来) qui veut dire le contraire de Jōdeki (上出来) signifiant “excellent”. Jōdeki était leur album précédent sorti en 2021. J’avais en fait quelques interrogations sur ce nouvel album avant de l’écouter vu le nom choisi. J’avais aussi quelques craintes sur la direction que prendrait ce nouvel album car Tricot est maintenant sous la grande agence Horipro (après avoir reçu un gros chèque) alors que le groupe était indépendant jusqu’à maintenant. Mais mes craintes se sont vite estompées dès la première écoute car Tricot a conservé cet aspect rock indépendant qui est sa marque de fabrique et qui est même renforcé sur ce dernier album par rapport au précédent. Les singles sortis avant l’album, #Achoi (#アチョイ), End roll ni Maniau youni (エンドロールに間に合うように) et Aquarium (アクアリウム) ne sont pas spécialement les morceaux que je préfère de l’album. J’aime en fait beaucoup les morceaux qui se trouvent entre ces singles comme Android (アンドロイド), Kujira (鯨), OOOL, Jōdan kentei (冗談検定) et Crumb. Ces morceaux ne cherchent pas à être des singles et on pourrait même dire qu’ils ont le calibre de B-side, mais ils ressemblent à ces B-side qui sont meilleurs que les singles qu’ils accompagnent. C’est peut être là le sens de Fudeki, quelque chose d’imparfait mais qui a une grande force d’attraction. Et personnellement, je tombe dedans les deux pieds joints. Il y a toujours cette pointe d’originalité et d’humour dans le chant d’Ikkyu qui m’attire beaucoup, et la partiction musicale est toujours irréprochable. Du coup, j’ai très hâte de les voir pour la deuxième fois pour leur tournée 2023 appelée Zang-Neng (qui je pense est dérivée du mot zannen qui veut dire “dommage”). Pour Tokyo, ça se passera au LIQUIDROOM à Ebisu, une salle que je ne connais bien que je suis passé des centaines de fois devant. J’imagine que cette tournée privilégiera ces nouveaux morceaux, et par rapport au premier concert auquel j’ai assisté de Tricot, j’aurais cette fois-ci l’avantage de bien connaître toute leur discographie.