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Live Report/Musiques/Tokyo

東京で一番美しいロックバンドだった

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C’était le plus beau groupe de rock de Tokyo (東京で一番美しいロックバンドだった). J’ai vu écrite cette phrase à de nombreuses reprises sur Twitter après le dernier concert du groupe For Tracy Hyde (FTH) le Samedi soir 25 Mars 2023 dans la salle WWWX près du PARCO à Shibuya. Je l’ai aussi repris sur mon message Twitter après l’avoir vu écrite sur le compte Twitter de Yua Uchiyama (内山結愛) du groupe RAY pour lequel écrivent notamment Azusa Suga et Mav, respectivement compositeurs, guitariste et bassiste de FTH. Je voulais également rendre hommage à un excellent groupe de rock indépendant qu’il est bien dommage de voir partir. J’ai toujours considéré For Tracy Hyde (FTH) comme les chefs de file de ce rock indépendant tokyoïte penchant très fortement sur les ambiances shoegazing que j’aime tant. FTH s’inscrit très bien dans la lignée de grands groupes des années 1990 comme Ride, dont le leader Mark Gardener a d’ailleurs mixé le dernier album Hotel Insomnia, comme en quelques sortes un passage de relai. Autre détail intéressant, le leader et guitariste de FTH, Azusa Suga, portait sur scène un t-shirt de Lush, autre groupe important du shoegazing anglais de cette époque là.

Peu après la sortie de l’album Hotel Insomnia, leur meilleur album à mon avis, on avait été surpris d’apprendre l’intention du groupe de se séparer. Ça m’avait notamment pousser à aller les voir lors d’un mini-live au magasin Tower Records de Shibuya le Samedi 21 Janvier 2023, en pensant que ça serait la dernière fois que je pourrais les voir. J’avais tout de même tenté d’acheter une place pour leur dernier concert du 25 Mars à Shibuya. Il n’était par chance pas encore complet à ce moment là. Comme j’ai acheté ma place un peu tard en Janvier, j’étais placé vers le fond de la salle mais ça ne m’a bien sûr pas empêché de voir le groupe sur scène et d’apprécier pleinement la qualité musicale de ses compositions. Au fur à mesure des albums, j’ai appris à apprécier pleinement la voix d’Eureka qui s’inscrit vraiment très bien dans les musiques de ce dernier album. Sa voix y est par moment pénétrante. Pendant le concert, 19 morceaux ont été interprétés dont la quasi-totalité d’Hotel Insomnia dans l’ordre, ou presque. Vers le milieu du concert, ils sont revenus vers quelques morceaux plus anciens des albums précédents comme New Young City, Ethernity et Film Bleu, leur premier album. Ils n’ont par contre pas interprété de morceaux de leur deuxième album he(r)art de 2017 qui est celui par lequel j’ai découvert le groupe.

Azusa Suga s’est adressé plusieurs fois à la foule dans la salle et sur YouTube car le concert était retransmis gratuitement en direct. FTH a eu la bonne idée de maintenir le concert sur YouTube, ce qui fait qu’il y est toujours disponible en intégralité. On ne saura pas les raisons exactes de la séparation du groupe mais chaque membre nous a expliqué leurs projets musicaux futurs. Je pense que FTH devait arriver à une période de maturité où les évolutions futures devenaient moins claires. C’est dommage car un morceau comme House Of Mirrors sur Hotel Insomnia, assez différent du reste de l’album par son rythme plus pop et son passage hip-hop, était une direction très intéressante qui s’est révélée puissante pendant le concert. Eureka s’y est montrée beaucoup plus gestuelle, alors qu’elle se montre plutôt réservée sur scène. Sa voix est bien sûr omniprésente sur pratiquement tous les morceaux, sauf Sirens interprété seulement par Azusa Suga, mais elle parle très peu pendant les courts intermèdes avec le public. Azusa Suga lui fait d’ailleurs une gentille petite remarque sur le fait qu’elle était censée prendre la parole un peu plus tôt pendant le concert. Mais FTH est un groupe indé, d’autant plus de shoegazing, donc pas censé s’attarder à distraire les foules. On sent quand même qu’Azusa Suga voudrait que le public soit plus démonstratif, comme un public étranger par exemple. Il parle très bien anglais et nous a fait part de son regret de ne pas avoir tourné plus à l’étranger. Le public japonais se montre bien présent mais les modes d’expression sont différents, d’autant plus que l’on vient de sortir de la crise sanitaire. Il est maintenant autorisé de pousser la voix, ce qui est tout de même une bonne chose et la foule ne s’en est pas privée. La concert a duré environ deux heures qui ont passé trop vite, malgré les deux rappels. Vers la fin du concert, le groupe a posé devant le public pour une photo souvenir. J’arrive d’ailleurs à m’apercevoir vers le fond de la salle sur la gauche (pour ceux qui peuvent me reconnaître).

Musicalement, le concert était proche des versions présentes sur les albums avec des démarrages et fins de morceaux parfois différents ou plus longs. Le public était très varié avec une majorité masculine, par rapport à des groupes comme Tricot par exemple. J’ai tendance à penser que FTH s’adresse aux Otakus de la musique indé shoegaze, ceux qui sont intransigeants sur la qualité de ce son rock. On sent qu’Azusa Suga est lui-même intransigeant sur la qualité des morceaux qu’il compose et nous dit même assez directement pendant le concert qu’il pense que certains morceaux sont meilleurs que d’autres. Ça fait toujours sourire le public car on est tous bien convaincu de la qualité de la musique qu’on est venu écouter ce soir. Je me reconnais plutôt bien dans ce public intransigeant, même si dans l’ensemble la moyenne d’âge devait être d’une dizaine d’années inférieure à mon âge. Ceci n’a de toute façon pas beaucoup d’importance. Ce concert était également l’occasion pour moi de rentrer à l’intérieur de l’ancien cinéma Rise conçu par l’architecte Atsushi Kitagawara, que j’ai maintes fois pris en photo de l’extérieur. En rentrant du concert à pieds, je réécoute une nouvelle fois l’album Hotel Insomnia de For Tracy Hyde pour faire durer un peu plus l’ambiance. Il faut vraiment que je continue à régulièrement assister à ce genre de concert, c’est un des enseignements que je tire de la crise sanitaire. Il faudrait même que je crée une catégorie Live report sur le blog. Et le mois prochain, ça sera le concert de Sheena Ringo. Mais en attendant, j’ré-écoute l’excellent album Spooky (1992) de Lush (j’avais un peu oublié la beauté de cet album) en écrivant ce petit compte-rendu de concert. Les photos ci-dessus sont les miennes (elles étaient autorisées pendant le concert), sauf les quatre dernières disponibles sur le compte Twitter du groupe et que je permets de montrer ici pour garder une trace de ce beau moment musical. Le concert est également disponible sur YouTube sur le compte du groupe, comme mentionné auparavant.

Pour référence ultérieure, ci-dessous est la setlist du concert final de For Tracy Hyde du 25 Mars 3023 au Shibuya WWWX:

1. Undulate, de l’album Hotel Insomnia
2. The First Time (Is The Last Time), de l’album Hotel Insomnia
3. Kodiak, de l’album Hotel Insomnia
4. Lungs, de l’album Hotel Insomnia
5. Estuary, de l’album Hotel Insomnia
6. Friends, de l’album Hotel Insomnia
7. Tsunagu Hi no Ao (繋ぐ日の青), de l’album New Young City
8. Kimi ni shite Haru wo Omou (君にして春を想う), de l’album New Young City
9. Sakura no En (櫻の園), de l’album New Young City
10. Interdependence Day – Part I, de l’album Ethernity
11. Heavenly (ヘヴンリイ), de l’album Ethernity
12. Sister Carrie, de l’album Ethernity
13. House Of Mirrors, de l’album Hotel Insomnia
14. Sirens, de l’album Hotel Insomnia
15. Milkshake, de l’album Hotel Insomnia
16. Subway Station Revelation, de l’album Hotel Insomnia
17. Leave The Planet, de l’album Hotel Insomnia
18. Can Little Birds Remember?, de l’album New Young City
19. Her Sarah Records Collection, de l’album Film Bleu

Live Report/Musiques/Tokyo

不出来ではないか

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J’attendais ce concert de Tricot (トリコ) depuis un petit moment car j’avais acheté mon billet depuis déjà plusieurs mois, quelques jours après l’ouverture du guichet internet. C’était une bonne idée d’acheter son billet tôt car l’ordre d’entrée dans la salle où le concert avait lieu semblait dépendre du moment où on avait acheté sa place. Le concert se déroulait dans la salle LIQUIDROOM à Ebisu, au pied du carrefour de Shibuyabashi le long de l’avenue Meiji. Je suis bien passé des centaines de fois devant cette salle sans jamais y être entré. Cette date à Tokyo le dimanche 12 Février 2023 à partir 17:30 était le final d’une tournée nationale de 6 dates intitulée Zang-Neng tour 2023. Je comprends ce nom de tournée Zang-Neng comme étant dérivé du mot Zannen (ざんねん) qui veut dire « dommage! ». Ce nom de tournée fait en fait écho au nom du dernier album de Tricot intitulé Fudeki (不出来), qu’on peut traduire par « imparfait » ou « infructueux ». Ce nom d’album est volontairement l’opposé du nom de l’album précédent Jōdeki (上出来) qui signifie « Excellent ». Avec ce nom de tournée et d’album, on pouvait légitimement se demander quelle direction prendrait le concert. Mais connaissant très bien l’esprit joueur d’Ikkyu Nakajima, je n’étais pas vraiment inquiet quant au résultat final. Il est clair que, contre toute attente, l’ambiance du dernier album était moins pop que le précédent, allant même vers des ambiances expérimentales et bruitistes sur certains morceaux. Ikkyu a pris plusieurs fois la parole pendant le concert et a notamment fait part de sa joie et satisfaction de voir autant de monde dans la salle malgré cette approche plus ‘bizarre’, pour reprendre ses propres mots. Le public de Tricot est clairement prêt à les suivre dans toutes leurs explorations sonores, pour la simple et bonne raison qu’elles et il excellent dans l’exécution de leurs morceaux tout en conservant un esprit qui leur est bien particulier. La technique est clairement un atout du groupe, que ça soit la guitare imprévisible de Motifour Kida, la voix pleine d’ondulations et qui sait prendre de la puissance d’Ikkyu Nakajima, la basse enveloppante d’Hiromi Hirohiro et la batterie de Yusuke Yoshida qui vient cimenté l’ensemble. Et cette batterie m’a impressionné car chacun de ses coups semblait faire trembler le sol de la salle de concert. J’avais comme l’impression qu’un fort coup de vent venait me passer entre les pieds à chaque percussion. C’est une sensation étrange certainement dû à la configuration de la salle, mais il n’en reste pas moins que le jeu de Yusuke Yoshida ne manque pas de puissance et de dextérité.

J’étais plutôt bien placé près de la scène à la quatrième ou cinquième rangée bien que celles-ci ne soient pas clairement définies car on était tous debout dans la fosse. Je me suis volontairement placé légèrement sur la droite car je sais que c’est l’emplacement typique d’Ikkyu sur scène. Avant d’entrée dans la salle de concert se trouvant au rez-de-chaussée, il nous faut d’abord monter à l’étage pour attendre notre tour. On nous appelle de manière très organisée, des blocs A , B puis C dans l’ordre des numéros de nos billets. Mon numéro était A108 et l’attente était relativement courte et m’a permis de bien me placer avant que le concert démarre. Il faudra bien ensuite attendre une trentaine de minutes en musique avant que les lumières s’éteignent et que le groupe prenne place sur scène. Le concert dura presque deux heures pour 19 morceaux joués et quelques moments où le groupe, principalement Ikkyu en fait, s’adressait au public. Tous les morceaux du nouvel album Fudeki faisaient partie de la playlist sauf le morceau Endroll ni Maniau Youni (エンドロールに間に合うように) qui était le premier single de l’album déjà sorti et joué au moment de la tournée précédente Walking x Walking de 2022 auquel j’avais déjà assisté à Toyosu PIT. Le concert commence par Mozōshi Hideki-chan (模造紙ヒデキちゃん), le premier morceau de l’album Fudeki, mais il est très modifié et tout aussi expérimental que la version de l’album. Ikkyu entre d’abord sur scène avec sa guitare et manipule un répéteur de sons qui construit une ambiance sonore étrange. Les morceaux s’enchainent ensuite assez vite avec Android (アンドロイド) et Jōdan kentei (冗談検定). Tricot revient parfois vers des morceaux plus anciens comme Right Brain Left Brain (右脳左脳) et Himitsu (秘密) de l’album Makkuro et WARP de l’album 10. Le public réagit très énergiquement, ce qui change de l’ambiance plus calme de l’année dernière en raison des contraintes de la crise sanitaire. Il semble maintenant autorisé de pousser un peu de la voix pour encourager le groupe et exprimer sa joie d’être là. Ikkyu exprime clairement sa satisfaction de retrouver des conditions plus normales où les réactions du public peuvent se faire plus franche, n’étant pas limitée aux simples applaudissements. Ochansensu-Su (おちゃんせんすぅす) du premier album THE est un des morceaux emblématiques du groupe et c’est également celui que le groupe choisit pour s’amuser, en faisant des arrêts et redémarrages soudainement, prenant des pauses bizarres sur scène en marchant au ralenti. Ikkyu s’est décidé pendant ce morceau à effectuer un petit jeu avec les autres membres du groupe pendant ce morceau. Elle déroule sur sa guitare des accords atypiques et demande d’abord à Motifour Kida de l’imiter à la guitare. Viennent ensuite le tour d’Hiromi à la basse et Yusuke à la batterie. Ils arrivent tous très bien à prendre le rythme imprévisible d’Ikkyu comme si elles et il pouvaient prévoir son jeu. Dans le passage de MC qui suit ce petit jeu qui a fait sourire, Ikkyu exprime d’ailleurs sa joie d’être dans un groupe qui se comprend si bien. C’est vrai qu’ils ont l’air très soudé. Elle s’excuse également au nom du groupe d’avoir joué une version complètement décousue et différente de l’album de ce morceau Ochansensu-Su qui est pourtant reconnu comme étant le préféré des fans. Mais là est peut-être le sens du mot Fudeki qui est la ligne directrice de ce concert. Ikkyu parle la plupart du temps mais la sempai Kida lui retourne souvent des piques pleines d’humour. Hiromi est toujours très souriante. Elle ne parle pratiquement jamais devant le public mais exprime très bien avec son grand sourire son plaisir d’être sur scène. En la regardant jouer de la basse sur scène, comme emportée par le rythme des morceaux, me vient parfois l’envie d’être à sa place. Kida est toujours très dynamique sur scène, sautant souvent sur place et se déplaçant au tout devant de la scène pour voler la vedette à Ikkyu et attraper l’attention du public qui lui rend bien. Tout ceci est extrêmement bon enfant, et on ressent très bien la bonne entente qui reigne dans la groupe. C’est très communicatif. Yusuke Yoshida à la batterie est beaucoup plus stoïque, concentré sur son jeu. Il est arrivé plus tard dans la formation mais en fait désormais partie de manière intégrante. C’est une très bonne chose car le jeu de Yoshida est également un atout majeur de Tricot. Son jeu sait pleinement s’adapter à la complexité du match rock. En fait, Tricot ne se limite pas qu’au match rock et mélange les genres, notamment sur ce dernier album qui part même vers le rock alternatif grunge des années 90 (un son que j’aime particulièrement).

Le morceau Kujira (鯨) de l’album Fudeki m’a particulièrement impressionné. Il s’agit d’un des morceaux que je préfère sur le dernier album mais il prend une autre dimension pendant ce concert grâce à la voix d’Ikkyu qui atteint des sommets de puissance et me donnent des frissons. Ikkyu est capable vocalement de sensibilités variées et la mélancolie qu’elle transmet sur ce morceau est particulièrement poignante. Le public l’écoute avec attention. Il y a trois morceaux joués en rappels. Le dernier était le morceau éponyme de l’album Fudeki (celui aux ambiances de rock alternatif américain). Il se termine sur des nappes de bruit sur l’album et elles sont décuplées ici pendant le concert. Motifour Kida se roule même par terre avec sa guitare et fait durer le son tout en distorsion. Pendant ce temps là, Yusuke Yoshida se déchaîne sur sa batterie au point de faire tomber une des caisses. On sent qu’il se pousse à bout pour la dernière de cette tournée et me viennent même en tête tout d’un coup des images de Yoshiki jouant à l’extrême jusqu’à se blesser (ce qui arrivait régulièrement). Ils ont tous les deux un physique d’apparence frêle qui ne laisse pas présager la puissance de frappe et l’endurance dont ils sont capables. Lorsqu’il quitte la scène, à bout de force, on le voit marcher en se tenant à peine debout. Kida continue pendant ce temps ses expérimentations bruitistes alors que les autres membres sont déjà sortis depuis quelques temps. Elle est à terre, tentant d’extraire les derniers sons de sa guitare. Le public est impressionné. C’était un moment très fort qui conclut bien ce concert car l’ambiance qui s’en dégage correspond, encore une fois, bien à l’idée du mot Fudeki. Ikkyu disait au public qu’il fallait être bizarre pour apprécier cette musique et qu’elle était très heureuse d’avoir cette réception du public, se sentant elle-même atypique. C’est bien entendu cette approche atypique qu’on aime chez Tricot et on en redemande.

Ikkyu dit à chaque fois qu’il faut qu’elle parle moins pendant les passages de MC, mais elle ne peut s’empêcher de donner des anecdotes. Elle nous parle cette fois-ci si d’une vidéo qu’elle avait publié sur sa chaîne YouTube Ouchide Naka-chan! (お家でなかちゃん！) montrant son appartement et nous fait part d’un commentaire qui l’avait particulièrement amusé de quelqu’un lui faisant remarquer que son appartement était mal rangé et devait par conséquence sentir mauvais (汚ない、臭そう). Elle insiste d’ailleurs sur le fait qu’elle aime beaucoup ce type de commentaires, bien entendu écrits sur un ton humoristique. Là est encore le sens de Fudeki! Les finales de tournée sont également le moment privilégié pour faire des annonces. Cette fois-ci, Tricot annonce le nom du groupe qui partagera l’affiche du prochain concert à Osaka au Gorilla Hall (les noms de salles sont bizarres à Osaka – je me souviens que Miyuna jouait au Banana Hall l’année dernière). Il s’agit du groupe Genie High (ジェニーハイ), dans lequel, comme par hasard, Ikkyu est la chanteuse avec la bande d’Enon Kawatani. Ikkyu s’amuse à nous dire qu’il s’agira d’une soirée spéciale Naka-chan (son véritable surnom dans le groupe), ce qui tombe très bien car la date du concert est proche de son anniversaire. Le petit passage amusant est que l’anniversaire de la bassiste Hiromi est également très proche, mais Ikkyu prend le soin de nous préciser que ce concert sera seulement à son honneur et qu’il fallait oublier un peu Hiromi. Ce petit passage est évidemment teinté d’humour et à fait réagir le public. Dans mon petit message de remerciements au groupe sur Twitter pour ce concert, je n’ai pu m’empêcher d’ajouter un petit message en la faveur d’Hiromi. Le groupe a dû lire ce message car il a aimé mon tweet (Yeah!).　Le concert a duré presque deux heures mais m’a donné l’impression d’être un peu trop court. On a un peu de mal à sortir de la salle. En regardant sur Instagram et Twitter les messages de personnes ayant assistées au concert, je suis surpris d’apprendre que DAOKO (ダヲコ) était également présente dans la salle. J’y avais pensé pendant une minute, car on voit régulièrement DAOKO et Ikkyu ensemble sur Instagram à l’occasion d’événements ce qui me fait dire qu’elles sont très amies. Je ne l’ai bien sûr pas vu dans la salle et je me demande même comment elle pouvait passer inaperçue. Je ne pense pas être le seul à apprécier à la fois Tricot et DAOKO. Je ne suis par contre pas surpris d’apprendre que le designer Masamichi Katayama (片山正通) de l’agence Wonderwall était également dans la salle, car il avait déjà assisté à la tournée précédente et il déborde de superlatifs sur le groupe. Ils nous dit sur son compte Instagram : « The band « tricot » has a tremendous groove that gets me every time! The flow of the live performance, which is so well calculated that it seems like they are innocently enjoying the music, and the ensemble of four crazy techs who are like a skilled jam band, are truly a national treasure. « tricot » is so great!!!« . 国宝ですよ！ Ces connections apporteront peut-être un jour une collaboration avec Ichiro Yamaguchi (山口一郎) de Sakanaction (サカナクション), qui sait.

Les quelques photos en tête du billet « rapport de concert » sont les miennes. Celles en petit format sont tirées du compte Twitter de Tricot. Je note ci-dessous la playlist de ce concert de la tournée Zang-Neng tour 2023 au LIQUIDROOM le 12 Février 2023, pour référence ultérieure.

1. Mozōshi Hideki-chan (模造紙ヒデキちゃん), de l’album Fudeki (不出来)
2. Android (アンドロイド), de l’album Fudeki (不出来)
3. Jōdan kentei (冗談検定), de l’album Fudeki (不出来)
4. Omotenashi (おもてなし), de l’album THE
5. Right Brain Left Brain (右脳左脳), de l’album Makkuro (真っ黒)
6. Anamein (アナメイン), du EP Bakuretsu Tricot San (爆裂トリコさん)
7. Ochansensu-Su (おちゃんせんすぅす), de l’album THE
8. WARP, de l’album 10
9. #Achoi (#アチョイ), de l’album Fudeki (不出来)
10. OOOL, de l’album Fudeki (不出来)
11. crumb, de l’album Fudeki (不出来)
12. Himitsu (秘密), de l’album Makkuro (真っ黒)
13. Kujira (鯨), de l’album Fudeki (不出来)
14. Sthenno (ステンノー), de l’album Fudeki (不出来)
15. Afureru (あふれる), de l’album Makkuro (真っ黒)
16. Aquarium (アクアリウム), de l’album Fudeki (不出来)
17. (Rappels) POOL, de l’album THE
18. (Rappels) Fudeki (不出来), de l’album Fudeki (不出来)
19. (Rappels) Jōdeki ~Fudeki Remix~ (上出来 – 不出来Remix), de l’album Fudeki (不出来)

Architecture/Live Report/Musiques/Tokyo

余韻から抜け出したくない

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未完成のまま、今日をゆく。Cette courte phrase énigmatique que j’essaie de traduire en « Même inachevée en tant qu’être, je vais de l’avant aujourd’hui » provient de l’affiche publicitaire du grand magasin LUMINE pour la saison Hiver 2022. Cette affiche est montrée au dessus de la sortie Sud de la gare de Shinjuku. Je ne sais pas qui en est le publicitaire mais je suis toujours très curieux de ces affiches montrant des messages qui ne sont pas facilement compréhensibles. J’aime aussi leur qualité photographique et les couleurs vives qui s’en dégagent. Le photographe s’appelle Toshio Ohno (大野隼男), et bien que je ne le connaissais pas de nom, je connaissais au moins certaines de ses photographies, notamment celles des pochettes de couverture des albums de Fuji Kaze, certaines photos d’Aimyon ou la photo du dernier album de Yama. La jeune modèle qui pose sur cette affiche s’appelle Karen Amano (天野翔愛). Sur la photo que le photographe montre sur son compte Instagram, il s’était en fait trompé en donnant le nom de Rina Komiyama (小宮山莉渚) dans les credits pour cette photo. Rina Komiyama avait en fait posée pour l’affiche de la saison Automne 2022 de LUMINE également prise en photo par Toshio Ohno. Le photographe a apparemment fait l’erreur de recopier les crédits d’une photo à l’autre sur Instagram. Je lui ai fait remarquer dans les commentaires de sa photo sur Instagram et il a gentiment corrigé. Bref, tout cela pour dire que j’aurais préféré que ça soit Rina Komiyama car j’y aurais vu un lien très intéressant avec la musique qui va suivre. En effet, Rina Komiyama a joué dans un film intitulé Shōjo ha Sotsugyō shinai (少女は卒業しない) du réalisateur Shun Nakagawa (中川駿) qui sortira le 23 Février 2023 et pour lequel Miyuna (みゆな) a composé et écrit le morceau thème.

Après l’intermède végétal rouge aperçu au bord d’une rue tokyoïte, je montre une photographie du petit bâtiment de béton de la galerie TOM (ギャラリーTOM) dans le quartier de Shōtō à Shibuya. D’après Wikipedia, cette galerie date de 1984 et serait la première réalisation de l’architecte Hiroshi Naito (内藤廣) dont je parlais justement dans le billet précédent pour son sublime hall Kioi Seidō. J’aime beaucoup les halos de lumière qui se dégagent de cette photographie. Il faudrait que je fasse une série de photos avec ce genre de lumière car je vois quelque chose de très revivifiant à saisir des extraits de soleil en photo.

Le concert de Miyuna (みゆな) était tout simplement inoubliable! Je m’excuse par avance auprès de mes lecteurs (qui ne se plaignent jamais de toute façon) car je vais très certainement à l’avenir souvent parler de Miyuna sur ces pages. Son tour appelé TOUR 2022 GUIDANCE (みゆな TOUR 2022 -ガイダンス-) pour la sortie de son premier album Guidance (ガイダンス), que j’évoquais déjà dans un précédent billet, se composait de deux dates, une à Osaka le 4 Novembre et une à Tokyo le 15 Novembre 2022. Je suis donc allé voir Miyuna et son groupe pour ce concert à Tokyo, qui se déroulait dans la Live House Shibuya Club Quattro. Cette salle se trouve dans le prolongement de Center Gai dans le quartier d’Udagawachō que je connais très bien car le magasin Disk Union se trouve juste à côté. La salle se trouve au quatrième et cinquième étages d’un immeuble assez récent. Le nom Club Quattro vient du fait qu’il s’agissait de la quatrième annexe du Department Store PARCO. Il y a quatre autres Club Quattro au Japon: deux à Osaka, un à Nagoya et un à Hiroshima. Le Club Quattro de Shibuya était le premier à ouvrir ses portes en Juin 1988. Je suis souvent passé devant l’entrée de cette salle pour faire le curieux en regardant le programme affiché à l’extérieur, mais je n’avais jamais assisté à un concert. La salle, de taille moyenne, peut accueillir 750 personnes débout, mais en cette période de crise sanitaire qui n’en finit pas, je pense que la capacité réelle est plus limitée. La salle était pleine mais on pouvait apparemment encore acheter un billet le soir même.

J’ai beaucoup écouté l’album Guidance de Miyuna ces dernières semaines car je ne m’en lasse pas et je pense qu’il s’agit de l’album que je préfère de cette année. Certainement parce qu’il mélange une atmosphère rock familière avec des terrains plus pop extrêmement rafraîchissants, tout en ayant une capacité forte à émouvoir. La voix et la manière de chanter de Miyuna y sont pour beaucoup mais elle était très bien entourée lors de cette petite tournée par des musiciens qui n’hésitaient pas à se laisser emporter par l’enthousiasme des morceaux. C’était notamment le cas du guitariste Tetsu Kinoshita (木下哲) qui terminait volontiers certains morceaux du live par des solo tumultueux à tendance bruitiste. Miyuna était également accompagnée par Keisaku Nakamura (中村圭作) aux claviers, Shige Murata (村田シゲ) à la basse et Takashi Kashikura (柏倉隆史) à la batterie. Il s’agissait d’une formation rock très axée sur les guitares, car Miyuna en jouait également sur certains morceaux. Avant d’entrer dans la salle, je me suis demandé quel genre de public venait voir Miyuna, et j’ai été assez surpris par la diversité. J’arrive juste à l’heure pour l’ouverture à 18h15, ce qui était bienvenu car l’entrée dans la salle de concert est très organisée pour éviter les bousculades éventuelles. On attend sagement son numéro au quatrième étage pour pouvoir ensuite passer à l’étage au dessus pour entrer dans la salle de concert. La grande majorité du public est debout bien qu’il y ait quelques places assises sur une zone périphérique légèrement surélevée. Boire une bière en regardant la scène encore vide m’a fait patienter jusqu’à l’entrée des musiciens sur scène à 19h. Miyuna entre ensuite en scène, et j’ai eu à ce moment là l’impression particulière de voir une figure familière. Il faut dire que j’écoute beaucoup sa musique ces derniers temps et suit son compte Twitter et Instagram pour en quelque sorte me préparer pour ce concert. J’ai pourtant un peu hésité à y aller car c’était un jour de semaine et il m’a fallu prendre un après-midi de congé. Je pense qu’elle aurait plus facilement fait salle comble un jour de week-end.

Miyuna n’a que 20 ans depuis le mois de Juin et a démarré sa carrière musicale avec un premier mini-album intitulé Me (眼) sorti en 2019 alors qu’elle n’avait que 17 ans. Elle était d’ailleurs passée à cette époque dans l’émission matinale Zip! de la chaîne de télévision NihonTV (日テレ) qui avait une rubrique appelée Hakkutsu (ハックツ) présentant brièvement les talents en devenir. L’émission la qualifiait comme étant la deuxième génération de Sheena Ringo (椎名林檎2世), tout en diffusant quelques extraits de morceaux venant appuyer cette ressemblance, comme celui intitulé Fuwa Fuwa (ふわふわ) du mini-album Me (眼) et Yurareru (ユラレル) de son deuxième mini-album du même nom. On lui demande même ce que ça lui fait d’être comparée à Sheena Ringo et elle répond qu’elle en est honorée, tout en se demandant si ça la désolerait ou si elle en serait heureuse. Elle n’a apparement pas eu l’occasion de lui demander. Dans le même style, les ressemblances de Sheena Ringo avec Jun Togawa avaient apparemment été notées à ses débuts et certains considéraient Sheena Ringo comme étant le retour de Jun Togawa (戸川純の再来). Il n’y a rien de bien étonnant dans ces comparaisons, mais je ne suis pas sûr ça soit vraiment faire un cadeau à un ou une artiste que de les comparer à d’autres artistes. Les médias aiment faire ce genre de correspondances et c’est assez naturel de se chercher des références existantes (je le fais bien aussi de temps en temps). Ceci étant dit, Miyuna a une approche musicale qui est la sienne. On trouve quand même quelques points communs dans sa voix très mature qu’elle arrive à moduler sur une large plage vocale, comme pourrait le faire Sheena Ringo.

Miyuna a aussi cette capacité à chanter comme si elle allait en mourir (今日死んでもいいって思うように歌ってます), comme elle le disait elle-même dans l’interview de cette émission. Elle nous dit aussi qu’elle veut exprimer par sa voix des choses qui proviennent du plus profond d’elle-même, de la même manière qu’une souffrance amène les gens à pleurer, en espérant ensuite amener du réconfort. (苦しくなったとき、人って叫ぶんですね。体の底から出てくる物を 声で表現したい。きっと聴いてくれている人がスッキリしてくれる). J’écoute beaucoup en ce moment les deux premiers mini-albums de Miyuna, Me (眼) et Yurareru (ユラレル). Sur Yurareru, le dernier morceau intitulé Ikinakya (生きなきゃ) est particulièrement poignant et sa voix lorsqu’elle se fait puissante nous prend tout d’un coup d’une émotion qui donne les larmes aux yeux. Ce morceau était le dernier qu’elle a interprété lors du concert, dans les rappels. Je n’étais pas sûr qu’elle allait l’interpréter car les mots sont particulièrement forts, mais je le souhaitais inconsciemment. Avant de l’interpréter, elle nous parle des moments difficiles au pire de la crise sanitaire qui était particulièrement difficile pour les artistes ne pouvant plus se produire devant un public. On lui devinait des larmes aux yeux à ce moment là et tout le monde dans la salle a ensuite écouté ce morceau presque religieusement. On sentait l’émotion s’échapper de sa voix, d’abord seulement accompagnée de sa guitare acoustique jusqu’à ce que le son des guitares électriques prennent la relève. Ce morceau final a dû également la marquer car elle l’a mis en ligne en écoute sur son compte SoundCloud après le concert. Un petit message ci-dessous accompagne également ce morceau.

死にたい時に作ったこの歌が 私を救って誰かを救って 泣いてくれて、精一杯音を出してくれたバンドメンバー。 気づいたら手から血が流れてて ギターの弦に血がついて それでも歌った私。 全力でぶつかった。 人生で一番生きててよかったって心から思ったよ! スタッフ、家族、バンドメンバー、友人、そしてファンのみんなのおかげだよ ありがとう 誰かの孤独に届いてくれ！

Cette chanson que j’ai créé quand je voulais mourir, elle m’a sauvé, elle a sauvé quelqu’un, elle a fait pleuré, elle a fait que les membres du groupe ont donné le meilleur d’eux même. Avant que je m’en rende compte, mes mains saignaient, les cordes de la guitare étaient tachées de sang, mais j’ai quand même continué à chanter. J’ai frappé les cordes de toutes mes forces. J’ai pensé du fond du cœur que c’était le meilleur moment de ma vie ! C’est grâce au personnel qui m’accompagne, à ma famille, aux membres du groupe, aux amis et aux fans, Merci, en espérant que cela atteigne la solitude de quelqu’un !

Son message peut paraitre parfois énigmatique ou peut être que ma compréhension est un peu approximative, mais on la ressent très honnête sur son approche musicale et très sincère vis à vis de son public. A cette toute fin de concert, on comprenait que c’était des larmes de joie de pouvoir enfin partager sa musique sur scène devant un public. Elle n’hésite pas à parler de ses fragilités dans ses morceaux et il est clair que ce morceau en particulier est particulièrement poignant. J’aime beaucoup la version du mini-album Yurareru mais celle en concert m’a laissé immobile les oreilles grandes ouvertes et des frissons traversant le corps. Je n’avais pas remarqué qu’elle frappait les cordes au point de saigner de la main, mais elle a montré une photo sur son compte Instagram alors qu’elle était de retour dans sa ville natale de Miyazaki dans le Kyushu. Quelques jours après le concert, elle écrivait sur Twitter qu’elle n’était pas sortie de chez elle pour ne pas altérer et faire continuer la sensation intense du concert. Je comprends assez bien cette sensation et je n’ai personnellement pas écouter d’autres musiques que celle de Miyuna pendant toute cette semaine, pour en quelque sorte garder en tête les images du concert.

Je démarre mon récit de ce concert par la fin, ce qui est plutôt inhabituel, mais je ne vais pas non plus passer en revue tous les morceaux. Il faut aussi noter que le morceau Ikinakya (生きなきゃ) n’est pas représentatif de l’ensemble du concert, car les moments entraînant la foule étaient très nombreux et même majoritaires. Miyuna et le groupe ont joué en entier l’album Guidance (ガイダンス) entrecoupé par quelques morceaux des mini-albums précédents, à savoir Reply (dont je parlais déjà auparavant), Me (眼) et Yurareru (ユラレル). J’ai retrouvé en concert cette voix que j’aime tant sur les albums, sauf qu’elle me paraissait ici plus puissante, au point où j’avais un peu peur qu’elle finisse par la perdre en plein vol. Elle démarre le set par le morceau Kyōai (狂愛), qui est un de ceux qui m’a le plus rappelé Sheena Ringo lors de mes premières écoutes de Guidance. Les guitares sont très fortes et on est tout de suite plongé dans un univers dense. Comme sur l’album, les morceaux plus pop viennent se mélanger à l’ensemble d’une manière étonnamment homogène, mais ils sont tout de même plus ou moins regroupés. Le nouveau morceau Aiaidana (愛愛だな) qui vient de sortir en Octobre 2022 est par exemple immédiatement suivi de Chōdai (頂戴) qui est le morceau le plus up-tempo de Guidance, puis par Soleil (ソレイユ) du mini-album Reply. Chōdai et Soleil sont dans les meilleurs morceaux de leurs albums respectifs. J’attendais bien entendu beaucoup le morceau Maisō (埋葬) qui est mon préféré de l’année et celui par lequel j’ai découvert Miyuna sur YouTube. Elle a eu la bonne idée de l’associer au morceau Fuwa Fuwa (ふわふわ) qui est particulièrement versatile et dense en ondulations vocales. Ces deux morceaux sont très caractéristiques de son univers musical. L’ensemble du set faisait un peu plus de deux heures, ce qui est extrêmement appréciable étant donné que sa carrière reste encore jeune. Il n’y avait pas de temps morts et une très bonne maîtrise de la scène, car elle bouge beaucoup quand elle n’a pas sa guitare en mains. Le premier moment de messages au public (MC) est intervenu après plusieurs morceaux. Elle nous dit qu’elle n’est pas très douée pour parler et qu’elle limitera ses passages de messages, mais en réalité, elle n’a pas pu s’empêcher de parler au public à plusieurs reprises, ce qui est une très bonne chose. Le problème est que le public ne peut pas répondre en raison des normes sanitaires toujours en cours. Elle prenait assez souvent à partie les membres du groupe pour les taquiner, en leur demandant par exemple en rigolant s’ils s’étaient bien reposés pendant qu’elle jouait seule à la guitare acoustique quelques uns des morceaux. Ce genre de petites remarques montraient la proximité qu’elle a avec son groupe et on imagine une très bonne entente, ce qui faisait rire le public. Avant le concert, elle avait d’ailleurs maquillé en rouge les ongles de chacun des musiciens et ils étaient tous assez fiers de montrer leurs doigts sur scène. J’ai trouvé ce détail assez ringo-esque car il m’a rappelé Sheena tondant Seji Kameda pour lui donner une coupe iroquois, comme si on ne pouvait rien lui refuser. Ce genre de détails est important.

Le groupe jouait en permanence sur scène sauf pour quelques ballades où Miyuna était seule à la guitare acoustique, ou seulement accompagnée de Keisaku Nakamura aux claviers. C’était le cas des morceaux my life et Himitsu (秘密). Sa voix sur my life m’impressionne à chaque fois. Je pense que c’est la passion qu’elle met dans son chant que j’aime particulièrement. Je connaissais tous les morceaux du set, sauf un nouveau intitulé Yume demo (夢でも), qu’elle a interprété dans les rappels. Il s’agit de son prochain single qui sera le thème du film Shōjo ha Sotsugyō shinai (少女は卒業しない) dont je parlais un peu plus haut. C’est également un très beau morceau riche en guitares, dans un style très différent de son dernier single actuel Aiaidana. Je ne mentionnerai pas tous les morceaux qu’elle a interprété mais le fait est qu’il n’y avait pas de baisse d’attention et de tension, au point où le concert a passé vite. Et à la fin du concert vers 21h15, alors qu’on hésite à sortir de la salle, je n’ai pas pu m’empêcher d’acheter un t-shirt en souvenir. Certaines des photographies ci-dessus sont de Yūna Yoshimori (ヨシモリユウナ), d’autres proviennent du compte Instagram de Miyuna. Certaines sont les miennes sachant qu’on ne peut heureusement pas prendre de photos ou de vidéos en concert. Un DVD ou Blu-ray sortira peut-être car j’ai vu qu’une caméra tournait à l’arrière de la salle. En sortant du Shibuya Club Quattro, je me suis aussi dit qu’elle mériterait d’être beaucoup plus reconnue, ce qui viendra certainement rapidement. C’est en tout cas tout ce qu’on peut lui souhaiter. Il n’est pas très tard à Shibuya mais les rues sont presque vides. Il fait froid ce soir mais j’ai le cœur réchauffé par la musique que je viens d’entendre.

Pour référence ultérieure, je note ci-dessous la playlist du concert de Miyuna au Shibuya Club Quattro le 15 Novembre 2022 lors de sa tournée TOUR 2022 GUIDANCE:

1. Kyōai (狂愛), de l’album Guidance (ガイダンス)
2. Kanku (甘苦), de l’album Guidance (ガイダンス)
3. Saisiki(彩色), de l’album Guidance (ガイダンス)
4. Guru Guru (グルグル), du mini-album Yurareru (ユラレル)
5. Gyōshi (凝視), de l’album Guidance (ガイダンス)
6. Kizyutsu (奇術), de l’album Guidance (ガイダンス)
7. Donyoku (貪欲), de l’album Guidance (ガイダンス)
8. my life, du mini-album Reply
9. Himitsu (秘密), de l’album Guidance (ガイダンス)
10. Kuchinashi no Kotoba (くちなしの言葉), du mini-album Yurareru (ユラレル)
11. Kamisama (神様), de l’album Guidance (ガイダンス)
12. Fuwa Fuwa (ふわふわ), du mini-album Me (眼)
13. Maisō (埋葬), de l’album Guidance (ガイダンス)
14. Asagumori (朝曇), de l’album Guidance (ガイダンス)
15. Aiaidana (愛愛だな), nouveau single sorti le 11 Octobre 2022
16. Chōdai (頂戴), de l’album Guidance (ガイダンス)
17. Soleil (ソレイユ), du mini-album Reply
18. Negai (願い), de l’album Guidance (ガイダンス)
19. (encore) Yume demo (夢でも), prochain single qui sera le thème du film Shōjo ha Sotsugyō shinai (少女は卒業しない) du réalisateur Shun Nakagawa (中川駿) qui sortira en salles le 23 Février 2023
20. (encore) Kan Beer (缶ビール), du mini-album Yurareru (ユラレル)
21. (encore) Ikinakya (生きなきゃ), du mini-album Yurareru (ユラレル)

Live Report/Musiques/Tokyo

危なく無い街へ

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J’ai en ce moment beaucoup de mal à me lancer dans l’écriture d’un nouveau billet. Les nouvelles récentes du monde font que tout le reste prend peu d’importance. Le fait d’être très occupé en ce moment professionnellement me donne également peu de temps le soir pour me mettre à écrire sur ce blog. L’allergie soudaine et inexpliquée qui m’a saisi depuis lundi n’arrange rien non plus. Mais ce blog a toujours été pour moi une porte d’évasion nécessaire et je me dis qu’elle est d’autant plus nécessaire en ce moment. Alors je me force un peu à écrire et le rythme revient. Tout est une histoire de rythme, il ne faut pas le perdre sinon on risque de tout arrêter. Les photographies ci-dessus datent déjà d’il y a plusieurs mois. Elles ont été prises de la gare de Shinagawa jusqu’à l’île artificielle de Tennōzu (天王洲アイル). J’avais en tête de passer voir plusieurs lieux pendant cette marche au trajet relativement bien défini à l’avance. Tout d’abord, passer sur les hauteurs de Gotenyama pour constater l’avancement d’une maison individuelle, celle que je montre sur les deux premières photographies. La dernière fois que je l’ai vu, le bâtiment en lui-même était déjà construit mais la fresque montrant des formes de vagues était en cours d’élaboration. En regardant de près, on remarque que cette surface est constituée d’une multitude de pierres taillées et on imagine très clairement qu’il fallait de longs mois pour la terminer. Cette façade maintenant terminée me rappelle les flots d’un océan au dessus desquels viennent voler des oiseaux. Ces oiseaux de couleurs bleues et vertes sont des objets posés à différents endroits de la parois. Cette surface est très belle, comme un tableau, mais je trouve que la porte d’entrée principale flanquée de deux tigres d’Okinawa ne s’accorde pas très bien avec l’ensemble. Dans le petit jardin derrière le muret de pierre, on remarque quelques statues posées dans les herbes folles. Cette maison se trouve à quelques mètres seulement de l’ancien musée d’art Hara, qui a malheureusement fermé ces portes. C’est bien dommage car en plus des expositions que l’on pouvait y voir, j’aimais beaucoup marcher à l’intérieur du vieux bâtiment et accéder au jardin intérieur. J’ai notamment des souvenirs d’y avoir vu une exposition de créatures bizarres de l’artiste australienne Patricia Piccinini en 2004. Je me souviens très bien avoir marché dans ce jardin intérieur en 2015 lorsque nous étions allés voir en famille l’exposition de photographies de Mika Minagawa intitulée Self-image. C’était un peu limite pour les enfants en y repensant maintenant et en revoyant les photographies de l’exposition publiées en photobook, mais le petit était encore petit. De Mika Ninagawa, je me souviens avoir beaucoup hésité à acheter son book éponyme sorti en 2010. Je l’ai souvent feuilleté en librairie à cette époque où j’achetais plus régulièrement que maintenant des livres de photographies, mais je ne l’ai malheureusement jamais acheté. En écrivant ces lignes, je le trouve par chance sur Mercari et je n’ai pas pu résister. On peut voir les photographies du book sur le site de la photographe, la mission étant de trouver celle avec Sheena Ringo, mais il y a également plusieurs photographies tirées de son film Sakuran. Des souvenirs du musée Hara, le plus marquant était un étrange concert mélangeant bruits d’insectes, des voix humaines et des expérimentations sonores, se déroulant pendant une soirée de l’été 2005. Nous étions assis dans l’herbe dans le noir à écouter cette musique très particulière.

En parlant de Sheena Ringo un peu plus haut, l’autre but de ma marche cette journée là était d’aller voir le bâtiment des anciens studios d’enregistrement Toshiba EMI appelés TERRA (東芝EMI 寺田スタジオ), qu’elle a utilisé. On les voit sur les cinquième et sixième photographies du billet. Ce bâtiment, comme de nombreux autres dans ce quartier, sont la propriété de la compagnie TERRADA (寺田倉庫). TERRADA était initialement spécialisée dans les entrepôts, mais a diversifié ses services ces dernières années. Certains des entrepôts sont maintenant utilisés comme galeries d’art. L’ultime objectif de ma marche était de visiter le TERRADA Art Complex contenant plusieurs galeries, dans l’ensemble intéressantes. L’installation mécanique formant les lettres du mot « Tokyo » était montrée dans une de ces galeries. Les galeries sont disposées à plusieurs étages du bâtiment, mais comme il s’agissait auparavant d’un entrepôt, les ascenseurs sont extrêmement vastes, lents et ne s’arrêtent qu’à un seul étage à la fois. Il faut donc une certaine motivation pour visiter chaque étage, mais chaque galerie valait quand même le détour. Pour revenir aux anciens studios TERRA de Toshiba EMI, on pouvait voir l’intérieur dans une séquence vidéo d’un des DVDs Seiteki Healing de Sheena Ringo. Un des morceaux de son album Heisei Fuzoku (平成風俗) est également sous-titré « TERRA ver. » en référence à ce studio.

Musicalement parlant, je continue bien entendu à découvrir la musique du groupe rock alternatif Tricot, dont je ne me lasse pas et qui accapare presque complètement ma playlist quotidienne en ce moment. Je continue à rechercher les CDs des albums et EPs chez les disquaires Disk Union de Tokyo. Le magasin Disk Union de Shimokitazawa est une bonne pioche car j’y trouve de nombreux CDs que je recherchais. Cette fois-ci, j’y trouve l’album Makkuro (真っ黒) qui, comme son nom l’indique, a une couverture entièrement noire. C’est le quatrième album du groupe sorti en 2020. Je trouve également KABUKU EP sorti quelques années auparavant en 2016. L’album Makkuro commence très fort côté guitares dès le premier morceau et se calme un peu vers la deuxième partie de l’album. Dès la première écoute, l’album s’envole avec le morceau Watch (みてて) car Ikkyu Nakajima y pousse très loin sa voix. Ce genre de morceaux m’attirent beaucoup. Des morceaux plus apaisés comme Abunakunakunai Machi he (危なくなく無い街へ) se révèlent par contre vraiment après plusieurs écoutes. Le morceau Himitsu (秘密) est un de mes préférés et me fait dire que Tricot est un des meilleurs groupes rock alternatifs japonais. On plonge au milieu de ce morceau dans un magma de guitares qui me rappelle ceux de Sonic Youth. Musicalement, c’est toujours impeccable et très inspiré, avec ces saccades de guitares et les rythmiques compliquées de Montifour Kida désormais typiques de l’ambiance sonore du groupe. Makkuro (真っ黒) part aussi vers des directions plus pop rock, et l’album est un peu plus varié que ceux que je connais jusqu’à maintenant notamment le plus agressif A N D. J’aime aussi les liens subtils qui se tissent entre les albums. Sur le sixième court morceau Teisokudōro (低速道路), les voix vers la fin du morceau reprennent quelques paroles du morceau Kobe Number de l’album A N D. Le deuxième morceau intitulé Right Brain Left Brain (右脳左脳) est un des singles immédiatement accrocheur de l’album. Sa vidéo a été tournée sur un vieux pont piéton au dessus des lignes de chemins de fer près d’Ebisu. Je connais très bien cet endroit et j’emprunte très souvent ce petit pont. Je l’ai pris en photo de nombreuses fois notamment dans ce billet de Juillet 2020 où il était envahi par la végétation (sur la cinquième photographie). Je suis plutôt content de voir les membres du groupe évoluer dans un décor qui m’est très familier. Ce genre de liens entre mon expérience urbaine et la musique que j’écoute est pour moi très important. Les morceaux Afureru (あふれる) et le morceau titre Makkuro (真っ黒) sont également des singles de l’album, tout comme le dernier morceau de l’album Potage qui est pourtant dans la partie bonus. Je me moquais un peu dans un précédent billet du titre de ce morceau, mais il s’avère qu’il est excellent. Difficile de trouver des points faibles dans cet album, qui est peut-être mon préféré, bien que j’adore ceux que j’ai déjà écouté. Je n’oublie pas non plus le EP KABUKU composé de 5 morceaux dont Setsuyakuka (節約家) qui sera également inclu dans l’album suivant 3 sorti l’année suivante. Il n’y a pas de différence majeure entre les EPs et les albums mais certains morceaux s’aventurent parfois vers des horizons un peu différentes, comme le premier morceau Nichijo_Seikatsu chanté à plusieurs voix simultanées. J’écoute tous ces EPs et albums de Tricot à la suite et j’ai même un peu de mal à définir les limites entre eux. Le prochain album à découvrir est leur troisième intitulé très naturellement 3, que j’ai déjà trouvé au Disk Union d’Ikebukuro. J’ai un peu peur d’aller trop vite dans mes découvertes, mais j’ai du mal à me retenir.

Avec cette découverte progressive des albums de Tricot, mon amour pour la musique du groupe s’intensifie de plus en plus. Il se trouvait justement que Tricot était en tournée nationale avec une dernière date à Tokyo pour le concert final, le dimanche 27 Février 2022. J’ai eu beaucoup de chance car il restait encore quelques places et j’ai pu m’en procurer une. J’ai quand même hésiter car la situation sanitaire actuelle n’encourage pas beaucoup à se regrouper en nombre dans des espaces fermés. Mais j’ai encore maintenant beaucoup de regrets de ne pas avoir été au concert de Tokyo Jihen en 2020 à cause de cette pandémie, et je n’avais pas vraiment envie de laisser passer cette occasion qui se présentait à un excellent timing. Tricot a commencé en 2021 cette tournée nationale de neuf dates appelée WALKING × WALKING TOUR 2021-2022. Elle se termine donc le 27 Février 2022 à Tokyo, dans la salle de Toyosu Pit (豊洲ピット). C’est la première fois que j’assiste à un concert dans cette salle située près de la station Shin-Toyosu de la ligne Yurikamome et au bord d’un large canal donnant sur la baie de Tokyo. Toyosu Pit peut apparemment accommoder 3,103 personnes debout ou 1,328 personnes assises. Lors de ce concert, il y avait des chaises disposées avec une place condamnée entre deux personnes, donc j’imagine qu’il devait y avoir à peu près 700 personnes dans la salle. Il fallait bien entendu porter le masque en permanence, ne pas crier et donc se contenter d’applaudir ou de lever les bras pour essayer d’attirer l’attention du groupe. J’étais plutôt placé vers le fond de la salle mais par chance juste après une marche qui donnait un peu de hauteur. La majorité du public semblait avoir une vingtaine ou trentaine d’années, mais il y avait également des personnes de mon âge. Les membres du groupe ont entre 32 et 33 ans (je ne suis pas sûr pour le batteur Yusuke Yoshida), soit une dizaine d’années de moins que moi. Le designer Masamichi Katayama était également présent en spectateur dans la salle car il montrait une photo sur son compte Instagram. Comme je le suis depuis longtemps sur Instagram et que je suis passé récemment devant les bureaux de Wonderwall pour prendre le bâtiment en photo, j’étais surpris de cette coïncidence. Je ne l’ai par contre pas vu ou reconnu dans la salle.

Je suis arrivé 30 minutes avant le début du concert, pour avoir assez de temps pour m’imprégner des lieux. Pareillement, quand je vais au cinéma, j’aime arriver en avance pour regarder les bandes-annonces. Arriver 30 minutes en avance m’a permis de boire tranquillement une bière dans le hall d’entrée en observant la foule, et de m’asseoir un peu après dans la salle encore à moitié vide en écoutant la bande sonore qui nous passait des morceaux de Wednesday Campanella (nouvelle version avec Utaha) et de Chai, entre autres. Les trois premières photos ci-dessus sont prises à l’iPhone, pendant cette période d’attente (les deux premières photos) et après la fin du concert en sortant vers 19h. Le concert était relativement long, durant deux heures en tout. Le groupe a joué 20 morceaux en tout, incluant 3 en rappel, et Ikkyu assurait le rôle de MC. Elle parle en fait beaucoup, peut-être parce qu’il s’agissait du concert final de la tournée. En fait, Ikkyu lançait à chaque fois la discussion et Kida intervenait régulièrement en réponse. Hiromi et Yoshida étaient par contre beaucoup plus discrets. Elles revenaient principalement sur la tournée qui s’achève en évoquant certains lieux et le fait que le groupe était satisfait d’avoir pu tourner malgré les contraintes sanitaires. La tournée précédente avait apparemment été annulée en raison de la pandémie. En fait, cette tournée WALKING × WALKING TOUR 2021-2022 était censée être mondiale avec plusieurs dates en Europe (plusieurs en Grande Bretagne, une date à Paris et d’autres ailleurs) immédiatement après celles au Japon, mais elles ont été repoussées à partir du mois de Septembre. Pour les parisiens intéressés, Tricot sera en concert le samedi 24 Septembre 2022 au Point Éphémère dans le 10ème arrondissement de Paris. Pour combler cette attente supplémentaire, Tricot annonça pendant ce concert que trois autres concerts seront joués dans des petites salles de Setagaya et retransmis en live aux heures européennes (donc très tôt au Japon, vers 4h du matin). Cette petite tournée principalement destinée à être online se déroulera les 2, 10 et 23 Avril 2022 et se nomme STOP x STEP tout for UK & EU in TOKYO.

Je n’ai pas assisté à un concert depuis un petit moment et entendre le son live des premières percussions de la batterie de Yusuke Yoshida a réveillé une petite flamme en moi. Le premier morceau démarre dès l’entrée du groupe sur scène. Je ne connais pas Tricot depuis longtemps mais j’ai regardé un grand nombre de music vidéos et autres émissions sur YouTube, ce qui me donne l’impression de déjà bien les connaître. Je reconnais bien l’emplacement des membres du groupe car Ikkyu Nakajima se place toujours sur la droite, à l’opposé de Motifour Kida à la toute gauche. Hiromi Hirohiro à la basse se trouve toujours entre Ikkyu et la batterie de Yusuke Yoshida. Je reconnais aussi tout de suite la guitare d’Ikkyu car la sangle est imprimée de motifs empruntés à la couverture de l’album Revolver des Beatles (on peut notamment la voir sur la vidéo de Potage). Sur les 20 morceaux qui seront joués, la moitié provenait du dernier album Jōdeki (上出来), que je n’ai pas encore écouté à part les trois singles déjà sortis, notamment Kayoko et Inai (いない) qui sont d’excellents morceaux que j’aime vraiment beaucoup. Le son live de Tricot est très présent et puissant, je dirais même englobant tant le son occupe tout l’espace. La batterie est percutante, la voix d’Ikkyu ne manque pas d’intensité et de nuances, comme sur les albums. Comme sur les albums, la technique impeccable des guitares et de la batterie se mélange parfaitement avec l’émotion palpable qui se dégage du chant des trois filles de Tricot.

Il y a beaucoup de morceaux que j’écoute pour la première fois mais ils m’accrochent tout de suite. Le grand classique Ochansensu-su (おちゃんせんすぅす) du premier album THE est également interprété avec beaucoup de malice de la part de Kida qui commande le reste du groupe avec ses arrêts et redémarrages de guitare. Quelques autres morceaux de l’album THE sont également interprétés, mais bizarrement aucun des deuxième et troisième albums A N D et 3. Entendre des morceaux que j’ai beaucoup écouté a forcément une saveur particulière et je jubile en écoutant les deux morceaux joués à la suite de l’album Makkuro, Right Brain Left Brain (右脳左脳) et surtout Himitsu (秘蜜), qui est comme je le disais ci-dessus le morceau que je préfère de cet album. L’entendre sur scène me donne des frissons. Les morceaux s’enchaînent sans temps morts à part les pauses que s’autorise le groupe pour parler au public. Le dernier single End roll (エンドロールに間に合うように) sorti peut avant ce concert est bien entendu interprété. Il s’agissait de la première interprétation sur scène du morceau pour le groupe et Ikkyu semble prendre un malin plaisir a taquiner Hiromi car elle a le tract lors des premières interprétations sur scène de morceau. Ça ne se ressentait par pour autant. Les membres du groupe ne se déplacent pas beaucoup sur scène mais sont loin d’être immobiles notamment Motifour Kida qui se laisse emporter par le son de sa guitare. Elle vient quand même à un moment embêter Ikkyu de l’autre côté de la scène. Ikkyu fait d’ailleurs de même à un autre moment. Il se dégage une énergie positive du groupe qui me plaît beaucoup et qui fait même beaucoup de bien. Les interprétations sur scène étant impeccables, je ne regrette pas de m’être plonger dans cette énergie rock étourdissante.

Comme je le disais plus haut, les trois photos prises à l’iPhone sont les miennes (Tricot a d’ailleurs laissé un ‘like’ sur mon tweet les remerciant). Les suivantes proviennent des comptes Twitter et Instagram de Tricot et d’Ikkyu Nakajima. Je me permets aussi de montrer les quatre petites photos suivantes provenant du site Realsound.jp qui fait une revue de ce concert. Pour référence ultérieure, je note aussi ci-dessous les titres des morceaux interprétés lors de ce concert.

WALKING × WALKING TOUR 2021-2022 – Toyosu Pit (豊洲ピット) – 27 Février 2022:

1. Talk (言い尽くすトークします間も無く), de l’album Jōdeki (上出来)
2. Super Summer (スーパーサマー), de l’album Jōdeki (上出来)
3. Summer Night Town (サマーナイトタウン), de l’album 10
4. Omotenashi (おもてなし), de l’album THE
5. Right Brain Left Brain (右脳左脳), de l’album Makkuro (真っ黒)
6. Himitsu (秘蜜), de l’album Makkuro (真っ黒)
7. Kayoko (カヨコ), de l’album Jōdeki (上出来)
8. Dogs and Ducks, de l’album Jōdeki (上出来)
9. Ochansensu-su (おちゃんせんすぅす), de l’album THE
10. WARP, de l’album 10
11. Walking (餌にもなれない), de l’album Jōdeki (上出来)
12. Inai (いない), de l’album Jōdeki (上出来)
13. Night Monster (夜の魔物), de l’album Jōdeki (上出来)
14. POOL, de l’album THE
15. Itsumo (いつも), de l’album Jōdeki (上出来)
16. Bakuro (暴露), de l’album Jōdeki (上出来)
17. Omae (おまえ), de l’album 10
18. End roll (エンドロールに間に合うように), nouveau single
19. Hitoyasumi (ひとやすみ), de l’album Jōdeki (上出来)
20. Oyasumi (おやすみ), de l’album THE