Le titre de ce billet est en fait le nom donné à une petite playlist sur mon iPod contenant principalement des morceaux d’artistes ou de groupes que je ne connaissais pas jusqu’à maintenant et que je découvre avec un enthousiasme certain. Il n’y a pas de faute d’orthographe dans le titre. Ceux qui savent sauront d’où vient cette écriture trompeuse. Je découvre d’abord le morceau Shirase (しらせ) de la compositrice et interprète Kiwako Ashimine (安次嶺希和子) grâce à la photographe Mana Hiraki (平木希奈) qui prend la photo servant de couverture à ce single. Cette photographe que je suis sur Twitter et Instagram me fait régulièrement découvrir de nouveaux et nouvelles artistes à travers ses photographies et vidéos, et je lui ai fait part de mon remerciement sur Twitter auquel elle m’a gentiment répondu en français comme la dernière fois. Kiwako Ashimine est compositrice et interprète originaire d’Okinawa. On est tout de suite captivé par sa voix et la qualité de l’ambiance musicale teintée d’une certaine dose de mystère. C’est un très beau morceau envoûtant. J’écoute ensuite le morceau Moon d’un jeune groupe appelé Shokudo Girl (食堂ガール) composé de cinq membres, étudiants à l’Université nationale de Yokohama. Le rock de ce morceau a un côté expérimental et imprévisible qui me plait vraiment beaucoup. Ce morceau est disponible sur leur premier album intitulé Fall in sorti en Mars 2023. C’est peut-être dû au fait qu’ils chantent en anglais mais la liberté de composition de ce morceau me rappelle les musiques rock occidentales que j’écoutais intensément au début des années 2010 après les avoir découvertes sur le podcast des Inrocks (malheureusement disparu depuis très longtemps), comme le morceau Euphony des niçois Quadricolor. Hakushi Hasegawa (長谷川白紙) n’est pas un nouveau venu de la scène indépendante japonaise, même s’il n’a que 25 ans, mais je ne le découvre vraiment que maintenant avec un single intitulé Boy’s Texture qui apparaîtra sur son prochain album Mahōgakkō (魔法学校) prévu pour le 24 Juillet 2024. Ce morceau est un ovni musical, aussi beau qu’étrange. Il est difficile à définir car s’y mélangent une composition plutôt classique de guitare sur laquelle viennent s’ajouter la voix éthérée d’Hakushi Hasegawa, un rythme électronique et diverses sonorités extérieures et interjections toutes plus bizarres les unes que les autres, ce qui rend ce morceau très habité. Les trois morceaux de cette petite sélection sont tous de très belles découvertes qui ouvrent de nouvelles portes et me font dire que les inspirations musicales du moment sont sans limites.
Catégorie : Musiques
chasing the plankton car
L’événement dont je parlais dans mon précédent billet et auquel je voulais assister est le passage de la voiture Plankton de Millenium Parade à certains endroits de Tokyo. Rappelons que Millenium Parade est le projet parallèle à King Gnu de Daiki Tsuneta (常田大希). Ce groupe à la structure évolutive n’a sorti qu’un seul album éponyme en Février 2021, à l’ambiance d’ailleurs remarquable, et deux singles à succès, U avec Kaho Nakamura (中村佳穂) pour la bande originale du film d’animation Ryū to Sobakasu no Hime (竜とそばかすの姫) et plus récemment le single W●RK avec Sheena Ringo. A l’occasion de leur nouveau single intitulé Goldenweek qui sort le 10 Mai 2024, Millenium Parade avait prévu de faire circuler leur voiture taggé appelé Plankton dans différents lieux de Tokyo, les Samedi 4 Mai et Dimanche 5 Mai 2024. Cette voiture Plankton est d’abord apparue en version digitale dans la vidéo du morceau du même titre de l’album Millenium Parade, et a été ensuite réellement construite et montrée lors de l’exposition GNU-MILLEPARK dirigée par Perimetron au Ginza Sony Park du 21 Octobre 2020 au 31 Mars 2021. Je n’avais à l’époque vu que l’extérieur et une petite partie intérieure de l’exposition, et j’en parlais dans un billet. Plankton est devenue un des symboles de Millenium Parade et fait en quelques sortes figure de messagère avant la sortie de nouvelles musiques.
Le passage de Plankton dans les rues de Tokyo n’était annoncé que peu de temps avant sur les réseaux sociaux et j’avais donc lu que la voiture était passée le Samedi à Shibuya Dogenzaka à 11:30, puis à Nishi-Shinjuku, Higashi-Ikebukuro, Sotokanda, Asakusa Kaminarimon, Roppongi pour retourner finalement à Dogenzaka à 18h. Les quelques images que l’on pouvait voir montraient la voiture rouge tractée par une dépanneuse devant une foule qui était venu exprès pour voir son passage. La voiture s’arrêtait apparemment à certains endroits pour une distribution d’autocollants par des personnes masquées. Cette parade était tellement intrigante que j’ai eu envie de la voir le jour suivant, le Dimanche donc. Le programme donné sur Twitter indiquait un départ à 11:00 à Sotokanda, mais il a changé en cours de route pour un démarrage à Nishi-Shinjuku. La voiture devait passer le Dimanche par un nombre plus important de lieux mais s’est en fait limitée à Nishi-Shinjuku à 12:00 et Shibuya Maruyamachō à 14:00. Je pense que les lieux de rencontre ont été limités le deuxième jour en raison du succès du premier jour. La foule engendrée dans les rues et dans des espaces qui ne sont pas forcément conçus pour accueillir autant de personnes a certainement posé problème aux autorités. Daiki Tsuneta n’imaginait peut-être pas que le succès de King Gnu (rappelons qu’ils remplissent des dômes) déteindrait autant sur son projet parallèle, d’autant plus qu’il n’était à priori pas présent dans la voiture de Millenium Parade. J’apprends vers 10h30 du matin que Plankton ne passera pas à Sotokanda vers où je me dirige. Il me faut maintenant prendre le train pour rejoindre Nishi-Shinjuku avant midi. La ligne de train Chuo relie heureusement de manière directe la station proche d’Ochanomizu à celle de Shinjuku. J’y arrive vers 11:30 sans aucune indication de l’endroit où va passer Plankton. J’imagine que des espaces vastes sont nécessaires et j’essaie de les trouver devant la grande mairie de Tokyo dans le centre de Nishi-Shinjuku ou dans les grandes avenues près du parc Chuo. Mais je n’y trouve aucun regroupement de personnes. L’heure approche et Twitter m’indique qu’un regroupement s’est finalement formé devant le croisement du Department Store Lumine 1 près de la sortie Sud de la gare de Shinjuku. Après quelques minutes, sous une chaleur pesante pour la saison, je me rends compte en effet qu’un grand nombre de fans s’y sont regroupés au bord des rambardes de sécurité le long de l’avenue. Tout le monde semble attendre que la voiture passe sans savoir où regarder. Je me place à un endroit stratégique près du passage piéton. Les rangées de personnes grossissent progressivement plus on approche de midi. Et la voiture rouge tractée finit par montrer le bout de son nez soulevé en l’air. Elle prend son temps au croisement, roule doucement, passe devant les fans photographiant à tout-va mais ne s’arrête pas. Elle parade devant la sortie Sud de la station en amenant avec elle une partie de la foule, dont je fais partie, qui croyait qu’elle allait s’arrêter un peu plus loin pour distribuer les fameux autocollants du groupe. Elle disparaît ensuite sous une confusion certaine. On s’est tous fait berner. La voiture ne s’est pas arrêté. Les plus futés ont déjà compris qu’elle allait faire un tour de la station et revenir. Les gens se sont placés en rangés, de manière très organisée pour attendre le nouveau passage de la parade. Je comprends que l’attente va être pénible et je ne suis pas prêt à attendre sous cette chaleur pour un malheureux autocollant. Ce qui m’intéresse le plus dans cet événement en mode guérilla est la manière dont la foule réagit.
Plankton passe une nouvelle fois devant la foule mais ne s’arrête toujours pas. Je décide donc de changer de point de vue en me plaçant sur la passerelle piétonne reliant le Department Store NeWoman à Lumine 1. Un petit groupe de personnes a eu la même idée que moi, mais il y a beaucoup moins de monde qu’au niveau de la rue. Je me dis que c’est quand même fou qu’autant de personnes se réunissent pour le passage d’une voiture déglinguée et quelques autocollants certes collectors. Ce point de vue me permet en tout cas de saisir en vue plongeante le troisième passage de Plankton, mais elle ne s’arrête toujours pas. Une dame d’un certain âge voyant cette foule de loin depuis la passerelle interroge ma voisine sur ce qui se passe. Elle essaie tant bien que mal de lui expliquer mais on la sent un peu embêtée. C’est un groupe Johnny’s qui va passer demande la dame? Pas tout à fait. Je n’atteindrais finalement pas le quatrième passage, car j’ai fait le plein de photographies et le temps vient à me manquer.
Un peu plus tard dans la journée, Zoa qui rentre à la maison me montre des photos qu’il a pris de Plankton dans le centre de Shibuya. Il y était avec des copains car l’un d’entre eux est fan de King Gnu et voulait absolument voir passer la voiture. A nous deux, on a assez bien couvert l’événement sans pourtant en avoir parler avant. Je savais que Zoa était à Shibuya avec ses copains ce dimanche après-midi et j’ai même hésité à l’appeler pour lui demander de prendre des photos. La télépathie a en fait fonctionné. C’est en tout cas une coïncidence amusante.
Daiki Tsuneta montre au compte-goutte des photos et vidéos de la journée de Samedi et de Dimanche sur son compte Instagram. La foule devant la porte Kaminarimon à Asakusa semble très importante pour le premier jour. Les photographies prises à Dogenzaka donnent l’impression d’une marée humaine. On dirait que Millenium Parade a bien réussi son coup de théâtre. Dommage que je n’ai pu attraper un petit autocollant comme souvenir mais il me reste des photographies. Et des interrogations sur mon propre niveau d’otakuisme. Le single dont cet événement de rue faisait la promotion sort finalement quelques jours plus tard, le 10 Mai 2024. Ce nouveau single intitulé Goldenweek est bon mais le teasing avait forcément poussé mes attentes au plus haut point. Le morceau chanté entièrement en anglais n’est clairement pas aussi percutant que W●RK, mais j’apprécie beaucoup son ambiance progressive. Il est à vrai dire assez actuel, proche de la pop internationale et perd un peu de l’originalité particulière et chaotique du premier album. Le morceau n’en reste pas moins très bien construit et accrocheur, même si je le trouve un peu trop calibré pour l’international.
monsters deep inside
Le dimanche 5 Mai vers 9h30 du matin, je prends le train de la ligne Yamanote en direction de Kanda. Ma destination est Sotokanda (外神田) à quelques centaines de mètres de la station d’Akihabara se trouvant de l’autre côté de la grande avenue Chuo-Dori (中央通り). Je ne connais pas l’emplacement exact mais un événement doit s’y dérouler à 11h. Ayant largement assez de temps devant moi, je me décide à quitter la ligne Yamanote au niveau de la gare de Tokyo en sautant du train (au sens figuré), pour continuer ensuite à pieds jusqu’à Sotokanda. Je suis en fait descendu à la gare de Tokyo car j’avais également dans l’idée d’aller voir dans un des immeubles de Marunouchi une petite exposition qui se terminera dans les deux prochains jours. C’est une matinée qui s’annonce chargée mais j’aime particulièrement marcher dans Tokyo avec un ou plusieurs objectifs précis en tête. Je n’ai pas parcouru les rues de la gare de Tokyo jusqu’à Akihabara depuis longtemps et je choisis volontairement un chemin que je n’ai pas encore emprunté. On quitte d’abord rapidement les hauts immeubles de Marunouchi pour pénétrer à l’intérieur de Kanda après avoir traversé une passerelle piétonne prise en sandwich entre deux portions d’autoroutes. Après avoir traversé cette passerelle, j’aperçois la station service ENEOS de Nihonbashi Hongokucho (日本橋本石町) qui a la particularité d’avoir d’étranges panneaux solaires accrochés à une structure de tubes en acier. La structure semble précaire et provisoire mais je pense qu’elle au contraire là depuis longtemps. Je l’ai en fait déjà aperçu, très certainement en prenant le train dont la voie surélevée passe juste à côté. Sur la même rue, mon regard s’accroche à un bâtiment jaune de quelques étages. Il s’agit d’un établissement scolaire Benesse (ベネッセ 学童クラブ内神田) conçu par Taisei Design. L’aspect ludique de la façade avec des hublots de tailles variées est bien adapté pour un centre d’éducation pour enfants. Je rentre ensuite dans le quartier d’Akihabara en traversant la rivière Kanda par le pont Shohei (昌平橋). Je ne peux m’empêcher de prendre en photo un des trains de la ligne Sobu filant vers la station d’Ochanomizu. Ce point de vue est particulièrement photogénique car la ligne de train vient traverser la rivière Kanda sur un pont métallique qui semble bien léger. On sait qu’on approche d’Akihabara lorsqu’on aperçoit des voitures de sport Itasha (痛車) dessinées de personnages de manga. Les panneaux publicitaires de manga, jeux vidéos et autres maid café se font denses et bruyants dans les rues centrales d’Akihabara. Avant de rejoindre les rues de Sotokanda, je me rends compte que l’évènement que je devais y voir a changé de lieu et d’heure. Je ne suis pas venu pour rien car la promenade urbaine était agréable. Je n’ai par contre pas manqué l’exposition que je voulais absolument voir à Marunouchi.
La grande librairie Maruzen installée à plusieurs étages de l’immeuble Oazo de Marunouchi propose régulièrement des expositions intéressantes. J’y ai déjà vu les illustrations de Nakaki Pantz et j’ai manqué de peu celles de Takato Yamamoto. Cette fois-ci, on y montrait des illustrations de Zashiki Warashi (ざしきわらし), qui est un illustrateur né en 1987 à Fukuoka. Zashiki Warashi a fait un grand nombre d’expositions solo et travaille régulièrement sur des commissions. On sait peu de choses sur cet illustrateur et c’est d’ailleurs à peu près tout ce que j’ai pu découvrir à son sujet. Je ne suis même pas certain de savoir s’il s’agit d’un homme ou d’une femme. Le nom utilisé par l’artiste ne m’aide pas beaucoup dans mes recherches car zashiki warashi (座敷童) fait plutôt référence à un type de créature surnaturelle japonaise, dite yōkai, qui est un esprit de la maison. On dit que l’arrivée d’un zashiki warashi dans une maison apporterait la bonne fortune tandis que son départ serait synonyme de déclin. L’exposition d’illustrations de Zashiki Warashi avait une durée assez courte, ne se déroulant que sur quelques jours jusqu’au 7 Mai 2024. Ses illustrations sont très pop colorées se composant de portraits de jeunes filles qui pourraient sortir d’un shōjo manga (少女漫画). Le détail qui m’intéresse beaucoup dans ses portraits, outre les expressions charmantes des protagonistes, est l’emploi d’objets technologiques futuristes proches du cyberpunk. Chaque personnage porte un ou plusieurs objets atypiques, ressemblant parfois à des casques audio ou autres protections. En voyant ces jeunes filles dessinées, je ne peux m’empêcher de penser qu’elles pourraient très bien être les petites sœurs de Kaneda dans le manga Akira. On y retrouve ce même attrait du cyberpunk, des couleurs vives (le rouge bien sûr pour Kaneda) et un certain esprit effronté qui transparaît dans les expressions de ces visages. L’exposition prenait pour titre Dandelion qui est également le titre du nouveau livre d’illustrations de Zashiki Warashi que j’ai bien sûr acheté. Avec toutes les couleurs de Dandelion dans mon sac, je reprends la route pour le nouveau point de rendez-vous de l’événement que j’étais venu voir.
Et musicalement parlant, je reviens vers le groupe rock alternatif à tendance math rock, Cö Shu Nie, avec leur premier album intitulé Pure, sorti en Décembre 2019 après une série de mini-albums sur labels indépendants. Je tombe tout à fait par hasard sur cet album dans les rayons du Disk Union de Shimo-Kitazawa et je n’hésite pas longtemps à m’en emparer. De cet album, je connaissais en fait déjà deux morceaux, asphyxia et Zettai Zetsumei (絶体絶命), qui sont deux des singles de l’album. J’en avais déjà parlé dans un précédent billet. Le morceau asphyxia est aussi beau qu’imprévisible et l’imprévisibilité qualifie très bien l’ensemble de cet album. Le troisième single de l’album, Bullet, en est un autre bon exemple même si je ne le trouve pas aussi bon que les deux autres singles. Il faut avoir une oreille attentive et ne pas être trop fatiguée pour apprécier cet album, car ça virevolte dans tous les sens, avec une dextérité qui parait aux premiers abords un peu déconcertante. Les sons incorporants guitares et claviers sont denses et compliqués. J’ai le sentiment que chaque écoute fait travailler mon cerveau pour le faire aller dans des endroits qu’il n’avait pas encore exploré. Un morceau comme le quatrième, scapegoat, peut d’abord paraitre excessif pour ces accords déséquilibrés mais devient après plusieurs écoutes un des plus intéressants de l’album. Les percussions de Ryōsuke Fujita (藤田亮介) y sont très présentes. Ce batteur ne sera présent dans le groupe que de 2018 à 2021, et Cö Shu Nie fonctionne actuellement avec deux membres permanents, à savoir Miku Nakamura (中村未来) au chant, guitare, claviers et Shunsuke Matsumoto (松本駿介) à la guitare basse. J’aime beaucoup la voix de Miku qui lui autorise des tonalités très variées. J’aime aussi beaucoup quand le groupe se pose un peu avec des morceaux plus lents comme iB, inertia ou gray qui conclut brillamment l’album. Dans l’ensemble, l’album démarre très puissamment et décélère progressivement jusqu’au final, avec au centre de l’album, un morceau au refrain assez étrange intitulé Psycho Pool ≒ Lego Pool (サイコプール≒レゴプール). Pure est assez unique, possédant une élégance et une interprétation de la beauté toute particulière. Il faut écouter avant tout le morceau asphyxia pour savoir si on peut accrocher à la musique de Cö Shu Nie, car il s’agit du morceau le plus beau et le plus inspiré que je connaisse du groupe. A vrai dire, j’ai un peu de mal à comprendre comment on peut avoir l’idée de composer un morceau aussi distordu et déséquilibré, qui atteint pourtant une beauté à la fois pure, monstrueuse et transcendante. Le CD de l’album contenait à l’intérieur un mediator de guitare marqué du nom du groupe. Est ce qu’on me suggérait de manière subliminale de racheter une guitare (même si je ne sais jouer aucuns airs connus)?
once again now where do I start
Ces photographies datent déjà de plus d’un mois et les cerisiers en fleurs semblent déjà bien loin. Je n’avais pas l’intention d’aller observer les sakura à Naka-Meguro imaginant la foule qu’on pourrait y trouver. Le hasard des chemins qui mènent tous à Rome me font tout de même passer après un détour par les bords de la rivière Meguro, pour constater que le pic de floraison est bien passé. Il n’y a par conséquent qu’assez peu de monde aux alentours de la station de Naka-Meguro. Je constate également avec un certain effrois qu’une bonne partie des branches des cerisiers qui recouvraient la rivière à cet endroit là ont été coupées. La raison de cette action drastique et malheureuse m’est inconnue. Je ne suis pas sûr que la foule ait pour autant été dissuadée de venir ici. Depuis l’implantation du grand Starbucks Reserve Roastery, et les visites de quelques chanteurs étrangers, les bords de la rivière au niveau de Naka-Meguro est devenu un lieu à la mode. Je continue en tout cas ma marche en direction de Meguro pour essayer de saisir ce qui reste des fleurs de cerisiers, mais l’effet d’admiration est déjà bien passé.
Une discussion sur le hip-hop japonais dans les commentaires du rapport de concert Option C d’AAAMYYY, qui avait invité plusieurs rappeurs, m’a rappelé quelques unes de mes lacunes dans le domaine. Autant j’avais écouté DJ Krush à l’époque de la sortie de certains de ses albums ou compilations comme Zen ou Code 4109, autant je suis passé involontairement à côté de la musique de Nujabes. J’avais en fait en tête d’écouter Nujabes depuis de nombreuses années, mais l’occasion ne se présente vraiment que maintenant suite à cette discussion dans les commentaires. Le DJ et producteur de Hip-hop et Trip hop Jun Seba (瀬葉淳), aka Nujabes, est originaire des quartiers Nord de Tokyo. Il est mort soudainement d’un accident de voiture sur l’autoroute intra-muros Shuto de Tokyo en Février 2010 à l’âge de 36 ans. Il n’a laissé derrière lui que trois albums dont un posthume et plusieurs compilations. Je commence par son deuxième album Modal Soul sorti en 2005, qui est le plus réputé. La beauté des mélodies et la maîtrise du flot rappé m’attirent, mais c’est surtout le quatrième morceau Luv(sic) Part 3, avec une partie rap assurée par Shing02, qui accapare soudainement toute mon attention. La mélancolie qui se dégage de ce morceau est fabuleuse et me donne des frissons à chaque écoute successive. Je décide en cours de route d’arrêter l’écoute de Modal Soul pour me diriger vers la compilation Luv(sic) Hexalogy qui est une collaboration de Nujabes avec Shing02, de son vrai nom Shingo Annen (安念真吾). Cet album de jazz hip-hop a été finalisé en 2015 en intégrant certains morceaux terminés avant la mort de Jun Seba, les parties 1, 2 et 3 du morceau Luv(sic) et d’autres complétés et finalisés par Shing02 de manière posthume. La composition musicale des parties 4 et 5 était en fait déjà terminée avant sa mort et la superbe boucle de la partie 6 nommée Grande Finale a été retrouvée dans les archives de son iPhone. La page Wikipedia de la compilation donne beaucoup de détails sur la composition progressive de l’album. Savoir que le compositeur a disparu en plein milieu de la conception de cet album ajoute forcément beaucoup à la mélancolie ressentie lorsqu’on l’écoute maintenant. La compilation comprend en tout 13 morceaux avec d’autres versions des six morceaux originaux et un final intitulé Perfect circle. Aucuns des morceaux ne se ressemblent, bien que le beat de base soit similaire, car les mélodies ont à chaque fois des ambiances très différentes. Sur les morceaux que j’ai pu écouter pour l’instant, Nujabes a une approche assez clairement occidentale, l’utilisation de l’anglais expliquant en partie cela, et n’a à priori assez peu d’éléments spécifiques japonais. Les trois premiers morceaux sont pour moi des monuments et ont cette capacité à nous émouvoir à chaque écoute. Étant resté bloqué sur Luv(sic) Hexalogy, je n’ai pas encore écouté Modal Soul en entier, ni son premier album Metaphorical Music sorti en 2003, mais j’hésite à continuer maintenant comme s’il fallait laisser Luv(sic) infuser. Je me demande souvent pourquoi il y a tant de bonnes musiques à écouter, récentes ou plus anciennes. Je n’ai pas le sentiment d’avoir aimé tant de choses différentes il y a 15 ou 20 ans, du moins en musiques japonaises. J’ai parfois la hantise d’arriver au bout de ce que je peux aimer, mais des nouvelles portes s’ouvrent toujours les unes après les autres et celles-ci sont parfois très bien cachées derrière mes propres préconceptions et à prioris. Il suffit parfois qu’on nous communique un mot de passe pour pouvoir les ouvrir. Tout ceci pour dire que j’aime particulièrement quand on me suggère dans l’oreille des conseils musicaux (comme quand on me donne des pistes sur certaines architectures tokyoïtes).
longing for a happy day
Le Gotanda JP Building a ouvert ses portes le 26 Avril 2024. Nous sommes très souvent passés devant en voiture et ces immenses piliers obliques m’ont beaucoup intrigué. Il ne nous a pas fallu très longtemps pour venir voir de près à quoi ressemble ce bâtiment. On y trouve entre autres un food hall avec plusieurs restaurants dans lequel nous avons déjeuné (dans l’un d’entre eux) et un hôtel nommé OMO5 de la chaîne Hoshino Resorts qui a ouvert ses portes le 11 Avril 2024. L’hôtel occupe les étages hauts du building et la réception se trouve au quatorzième étage. Depuis cette réception, on peut accéder à un café très lumineux et à un jardin extérieur comprenant un bassin et des petits îlots de verdure artificielle sur lesquels on peut s’asseoir. L’endroit est très agréable lorsqu’il fait beau comme cette journée là. Le Gotanda JP Building se trouve à proximité de la rivière Meguro, qui est aménagée pour faciliter la marche piétonne. Je connaissais déjà assez bien les rives allant de Naka-Meguro jusqu’à Meguro, mais beaucoup moins cette zone entre Gotanda et Ozaki.
Mean Machine est ce qu’on appelle un super-groupe créé en 1998 par les chanteuses Chara et YUKI, la musicienne et DJ Mayumi Chiwaki, la saxophoniste tenor Yukarie Tsukagoshi du big-band The Thrill (ザ・スリル) et l’actrice Ayumi Ito (伊藤歩). Le groupe n’a sorti qu’un seul album intitulé Cream en Novembre 2001 que je découvre en ce moment après avoir acheté le CD à un particulier sur Mercari. J’avais pris connaissance du nom Mean Machine alors que j’écoutais intensément, il y a plusieurs mois de cela, les albums du groupe Judy and Mary dans lequel YUKI chantait jusqu’à sa dissolution en Mars 2001. Un passage récent d’Ayumi Ito dans l’émission de variété talk-show Girl’s Barking Night (上田と女が吠える夜) de l’animateur Shinya Ueda (上田晋也) m’a indirectement rappelé l’existence du groupe Mean Machine. Dans l’émission, Ayumi Ito évoque brièvement la difficulté de son rôle dans le film All about Lily Chou-Chou (リリイ・シュシュのすべて) de Shunji Iwai (岩井俊二) alors qu’elle était très jeune. Elle interprétait la collégienne Yōko Kuno (久野陽子), brillante pianiste interprétant notamment le morceau Arabesque de Debussy, dont Yūichi Hasumi (蓮見雄) est secrètement amoureux et qui subira les pires immondices. L’émission m’a fait revenir sur la page Wikipedia d’Ayumi Ito qui m’a rappelé qu’elle chantait dans Mean Machine. J’imagine qu’elle connaît la chanteuse Chara depuis son rôle dans un autre film de Shunji Iwai, Swallowtail Butterfly (スワロウテイル) sorti en 1996. En apprenant tous ces liens se tissant entre des artistes et des films que j’apprécie, je n’ai pu m’empêcher d’acheter l’album qui se trouve être une excellente surprise. C’est d’ailleurs vraiment dommage que le groupe n’ait sorti qu’un seul album. Les carrières solo de chacune des membres ont apparemment créé quelques difficultés pour assurer la continuité des activités de Mean Machine. Un point intéressant de ce groupe de filles est qu’elles ont chacune délibérément choisi des instruments auxquels elles n’étaient pas familières. Chara et YUKI se sont mises à la batterie, tandis que Mayumi Chiwaki assure le jeu de guitare, Yukarie Tsukagoshi la basse et Ayumi Ito le chant. Malgré cela, la qualité des morceaux, très axés rock, est étonnamment très bonne et le jeu très maîtrisé. Ayumi Ito n’est en fait pas la seule à chanter, car tout le monde intervient dans les chœurs et ce mélange des voix, parfois parlées ou criées, rend les morceaux particulièrement savoureux. Il faut dire que Chara et YUKI ont des personnalités des plus marquées, et c’est un régal de les écouter ensemble sur cet album. Le premier single du groupe, Suha (スーハー), qui est également le premier morceau de l’album Cream, donne une bonne idée de l’ambiance générale et de l’énergie rock de Mean Machine, mais la version du morceau disponible sur YouTube n’est malheureusement pas de très bonne qualité. On ne trouve sur YouTube que certains morceaux de l’album comme les excellents Love Mission « M », Lucky Star (ラッキー⭐️スター) et Paper Moon (ペーパームーン). On a le sentiment qu’elles se sont fait plaisir et se sont amusées sur cet album, et ça se ressent à l’écoute sur les différents morceaux. Il y a cette approche du chant à plusieurs voix qui a un côté ludique tout en restant cool et sérieux. Le morceau Love Mission « M » en est un excellent exemple. En même temps, les morceaux ne lésinent pas sur la puissance des guitares et des percussions, car, il faut le rappeler, elles sont deux à la batterie. L’album comporte 14 titres pour 53 minutes, sans réelle faiblesse, ce qui me fait d’autant plus regretter que Mean Machine n’ait sorti qu’un seul album.