Catégorie : Musiques

Architecture/Musiques/Tokyo

誰にも分からないここはcrazy

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Le Tokyo Architecture Festival (東京建築祭) avait lieu les Samedi 25 et Dimanche 26 Mai 2024. Avec un tel nom, on pouvait s’attendre à beaucoup de choses, mais au final, ce festival ne se limitait qu’à trois zones dans Tokyo (Ginza Tsukiji, Nihonbashi Kyōbashi et Ōtemachi Marunouchi Yūrakuchō) où l’on pouvait accéder à certaines zones de bâtiments qui ne sont normalement pas autorisées au public ou profiter d’une visite guidée. J’ai opté pour la zone Ginza Tsukiji en passant d’abord voir le temple Tsukiji Honganji (築地本願寺). J’y suis déjà allé plusieurs fois mais j’étais assez curieux de visiter l’intérieur des salles ou endroits habituellement fermés au public. J’ai malheureusement été assez peu intéressé par ses salles « secrètes » car elles n’avaient rien d’aussi grandiose que le hall principal ouvert au public. J’ai ensuite continué par la visite de l’ancienne église catholique de Tsukiji (カトリック築地教会), mais la file d’attente devant l’édifice n’était pas vraiment justifiée car l’intérieur très sobre ressemblait tout simplement à une église typique. J’ai préféré quitter l’itinéraire pour partir de mon côté à la recherche de l’ancien bureau et maison de l’architecte Yōji Watanabe. Cet architecte a construit l’iconique New Sky Building (Sky Building 3) à Shinjuku que je montrais pour la première fois sur ce blog en 2007. La construction du petit immeuble de bureaux de Yōji Watanabe à Hirakawachō date de 1962 et est donc antérieure à celle du New Sky Building. Cette structure brutaliste, que je montre sur la cinquième photographie, se compose de six étages et d’un sous-sol, le tout construit sur une petite surface de 36m2.

J’ai tellement de nouvelles découvertes musicales à mentionner que je regroupe dans un billet toutes celles qui ont une tendance pop. On commence d’abord par le nouveau single d’ELAIZA (池田エライザ) intitulé Tamashii (たましい), sorti le 10 Juillet 2024. Le morceau est écrit et composé par Taiiku Okazaki (岡崎体育). Il apporte au morceau une trame électronique très rythmée avec un beat très présent, qui accroche tout de suite et vient habillement contraster avec la manière assez mécanique de chanter d’ELAIZA. Je connaissais Elaiza Ikeda comme actrice pour l’avoir découvert dans le drama Followers de Mika Ninagawa (蜷川 実花) sur NetFlix, mais je ne m’étais jamais penché sur sa carrière musicale, malgré une reprise du morceau Koko de Kiss Shite. (ここでキスして。) de Sheena Ringo qu’elle avait interprété lors d’une émission télévisée le 25 Novembre 2020 (comme un cadeau d’anniversaire). J’aime beaucoup son nouveau single car il semble très improbable et la sort à mon avis de sa zone de confort. J’adhère en tout cas tout à fait à cette nouvelle direction de laquelle se dégage une force certaine. La vidéo montre une prise d’otage qu’Elaiza parvient à déjouer par sa seule force psychique, ce qui la fait saigner du nez comme Onze (Millie Bobby Brown) dans Stranger Things. Je reviens ensuite vers la musique qui fusionne les genres du groupe Kroi sur l’excellent single Green Flash, extrait de leur dernier album Unspoiled sorti le 19 Juin 2024. Tout comme le single Hyper dont je parlais dans un billet précédent, je suis vraiment impressionné par la facilité par laquelle Leo Uchida et son groupe jouent avec les genres. Je ne suis pas encore sûr d’aimer toute leur discographie mais il y a des pépites comme ce morceau qui ne laissent pas indifférents. Kroi a depuis quelques temps acquis une notoriété qui les fait passer à la télévision sur Music Station ou apparaître dans une publicité télévisée. Dimanche dernier, Leo Uchida était invité de l’émission hebdomadaire de Seiji Kameda sur la radio J-Wave et on sentait toute l’effervescence qui se dégageait entre les deux musiciens. Il est clair que Kroi a une force créative indéniable, et ne semble pas avoir de limites dans les associations instrumentales. Ça donne au final des morceaux sublimes de rythme et de créativité comme Green Flash. Je suis là en train de me convaincre de continuer l’écoute de l’album Unspoiled. La découverte suivante est le single intitulé sister du groupe ChoQMay (チョーキューメイ). Je me demande pourquoi il y a autant de morceaux aussi bons en ce moment par des jeunes groupes dont je n’avais jamais entendu parler jusqu’à maintenant, comme ChoQMay. Le groupe a été fondé en 2020 par Urara (麗) qui assure le chant, la guitare et le violon, accompagnée de trois autres membres: Renpi (れんぴ) aux claviers et piano, Gon Fujii (藤井ごん) à la basse, Kōichirō Kuga (空閑興一郎) à la batterie. Le nom étrange du groupe est tiré d’une histoire de Rakugo employant les mots Chōkyūmei no Chōsuke (長久命の長助) faisant référence aux idées de longévité à travers les mots Chōkyū (長久) et Chōmei (長命). Le groupe souhaite se donner ainsi une longue carrière musicale, et c’est tout ce qu’on peut leur souhaiter. La trame de clavier qui démarre le morceau nous accroche tout de suite et la manière de chanter légèrement non-conventionnelle d’Urara me ravit tout de suite, surtout qu’elle a une plage de chant assez étendue. L’approche pop un peu sursautante me plait vraiment beaucoup et est furieusement contagieuse. J’entends souvent parler du groupe Chilli Beans. ces derniers temps, alors j’ai fait le curieux en écoutant le single Mum sorti le 26 Juin 2024, et je ne regrette pas du tout car l’ambiance rock indé lorgnant vers des sons américains est très loin de me laisser indifférent. Chilli Beans. est un jeune trio féminin composé de Moto au chant, Maika à la guitare basse et aux chœurs, et Lily à la guitare et aux chœurs. Elles ont entre 24 et 26 ans. Là encore, il s’agit d’un jeune groupe qui ne révolutionne pas les codes du genre mais arrive tout simplement à écrire, composer et interpréter un morceau d’un pur bonheur rock. J’ai l’impression d’une grande facilité dans la composition car le morceau est d’une fluidité impeccable. Je trouve même un petit quelque chose d’estival dans ce morceau et un enthousiasme qui me met de bonne humeur.

Parmi les belles découvertes musicales récentes, je compte également le dernier EP d’usabeni (宇佐蔵べに). Je ne connaissais pas cette artiste, anciennement idole dans diverses formations dont les noms me sont également inconnus (avandoned, Engawa, Apokalippps, Childish Tones, Fun Fin Friends). Elle a ensuite démarré une carrière solo et le EP Air sorti le 27 Mai 2024, que je découvre récemment, est son premier après deux albums. La musique électronique riche d’une multitude de sons divers est assez éloignée de la musique typique d’une idole, et montre par moment quelques moments plutôt expérimentaux. Le dernier morceau intitulé Trip (Remix) du EP de quatre titres est en fait le plus expérimental et donne à l’ensemble une certaine consistance. Sa manière de chanter, souvent proche du rap, est assez unique, notamment dans son utilisation hachée de l’anglais mélangé au japonais. La fin de ce morceau Trip est particulièrement hypnotisante dans les répétitions de même phrases (this is a very nice Beni’s journey, this is a very nice Beni’s trip) à des vitesses variantes. Au final, le EP Air est un petit objet musical de 10 minutes un peu fou et bancal, mais très inspiré qui donne l’impression d’une grande liberté créative comme si usabeni avait voulu casser la cage formatée dans laquelle peut se trouver une idole. Je retrouve ensuite avec grand plaisir la compositrice et interprète Noa (乃紫) avec le single Hatsukoi Killer (初恋キラー), qui est très différent du rock du morceau Exit 8 (A8番出口) que j’avais évoqué dans un billet précédent. J’aime beaucoup la légère arrogance qui se dégage de ce morceau très axé pop et le chant de Noa qui roule très légèrement les ‘r‘ par moment. il y a quelque chose de très ludique, d’une légèreté agressive, dans ce morceau et ses paroles, qui est vraiment très plaisant. Le morceau Deadline Syndrome (デッドライン症候群) est très léger et drôle, car sa compositrice et interprète Irom (あいろむ) exprime dans les paroles toutes ses difficultés à se concentrer et organiser son temps pour tenir une deadline. Je ne sais pas grand chose de cette artiste mais ce morceau a une bonne humeur et un humour particulièrement contagieux. Et pour terminer cette série de découvertes musicales, j’écoute pour la première fois un morceau de Mega Shinnosuke (メガシンノスケ) intitulé Ai to U (愛とU). Je connaissais déjà ce compositeur pour avoir croisé sa voix rappée sur l’excellent morceau Hyper Angry Cat (超怒猫仔) d’4s4ki. Le single Ai to U est en comparaison beaucoup plus cool et chantant. Ce morceau, comme la grande majorité de la petite playlist de ce billet a une nette tendance upbeat, qui change un peu de la mélancolie rock qui ponctue régulièrement les billets de Made in Tokyo. Comme quoi j’aime varier les plaisirs tant que la musique est bonne, et je trouve la musique de la jeune génération japonaise particulièrement remarquable, avec cette petite pointe de folie indispensable.

Architecture/Musiques/Tokyo

泣いていたあの子は

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Il faut vouloir aller acheté son pain jusqu’à Nezu près d’Ueno à une petite heure de train et de marche, mais je le fais de temps en temps. On y trouve une boulangerie appelée Think dans un regroupement d’anciennes maisons en bois de l’ère Showa appelé Atari situé à Ueno Sakuragi. Se trouvait auparavant au même endroit la boulangerie scandinave Vaner qui a fermé ses portes en Octobre 2023 et que je regrette encore maintenant. La nouvelle boulangerie qui la remplace est également très bonne, comme une bonne partie des boulangeries de Tokyo que je découvre petit à petit sur les conseils de Mari. Découvrir de nouvelles boulangeries est à chaque fois une opportunité de se promener et prendre l’environnement urbain en photo. Depuis la station de Nezu, je parcours à pieds la longue rue Kototoi qui me fait passer devant plusieurs temples et quelques étroites maisons récentes. Je suis toujours attiré par la composition spatiale que propose le temple Ichijōji (一乗寺) et j’ai systématiquement envie de le prendre en photo (la troisième photographie du billet). J’ai parcouru cette rue maintes fois pour des raisons diverses, mais je n’étais pas venu ici depuis longtemps. Je suis en fait revenu dans ce quartier deux fois en l’espace de quelques semaines. Les trois premières photographies datent de mon premier passage, et les quatre autres du suivant. Je suis passé une première fois devant la boulangerie Think mais la longue et inhabituelle file d’attente m’a vite découragé. J’ai en général la patience d’attendre mais la chaleur ambiante du jour ne le permettait pas vraiment. J’ai préféré rebrousser chemin et profiter du peu de temps libre qui me restait pour marcher un peu plus sur la rue Kototoi en direction de la station d’Uguisudani. Je connais bien la portion de rue juste avant le grand virage desservant la station d’Uguisudani, car on avait, il y a longtemps, l’habitude d’aller acheter des petits gâteaux forts en chocolat appelé black dandy à la pâtisserie Inamura Shōzo. Cette pâtisserie réputée est située au bord d’une grande allée bordée d’arbres s’engouffrant sans qu’on le remarque dans le grand cimetière de Yanaka s’étendant jusqu’à la station de Nippori. L’entrée de l’allée du cimetière est desservie par un petit arrêt de bus. Quelques personnes y attendent parfois le bus, assises sur le banc de plastique abîmé aux couleurs délavées ou debout sur le trottoir. On a en fait à peine la place de s’asseoir, car cette portion de trottoir, délimitée par une barrière métallique et un petit muret de briques, est très étroite. Alors que je rejoins la rue Kototoi, je vois d’abord de loin et de dos une jeune fille aux longs cheveux noirs assise sur ce banc. Elle a l’air endormie car sa tête est mollement penchée en avant. Je n’y prête pas plus attention, mais mon parcours vers la station d’Uguisudani me fait passer devant elle. Des larmes coulent de son visage blanchâtre. Elles apparaissent derrière ses cheveux qui cachent une bonne partie de son visage. Elle est quasiment immobile et reste silencieuse, assise seule sur ce banc. Je ralentis le pas car tout cela m’intrigue beaucoup, mais rien n’engage à la questionner sur son état d’être. Sur sa jupe noire est posée un petit boîtier en plastique transparent, qui semble être destiné à accueillir les larmes qui coulent doucement sur ses joues, descendant son visage jusqu’au menton depuis lequel elles entament une chute jusqu’au petit réceptacle. Le flot liquide est anormalement dense et la petite boîte de plastique semble déjà presque pleine. Je m’approche d’elle d’un pas tellement lent qu’on pourrait croire que je fais du surplace. Un petit sac de cuir noir est posé à côté d’elle sur le banc. Il est en grande partie entrouvert et on peut y voir d’autres réceptacles de plastique similaires à l’intérieur. Certains semblent déjà fermés et remplis de liquide lacrimal. La signification de tout cela m’échappe complètement et me fait même un peu peur. Je suis maintenant debout devant elle, mais je préfère accélérer le pas et filer sans me retourner jusqu’à la station d’Uguisudani. Je n’ai heureusement pas vu son visage, car je suis sûr qu’il m’aurait hanté pendant plusieurs jours. J’ai pourtant beaucoup pensé à cette scène dans le train de la ligne Yamanote me ramenant jusqu’à chez moi. Ces images se sont ensuite effacées, emportées par d’autres.

Je suis revenu à Nezu une deuxième fois et ce second passage était le bon car j’ai pu finalement accéder à la boulangerie tant prisée. Je suis revenu vers Nezu en traversant d’abord le parc d’Ueno depuis la station. Je retrouve dans le parc les étranges formes métalliques du petit poste de police placé à proximité de l’entrée du zoo d’Ueno (上野警察署動物園前交番) conçu en 1992 par Tetsuro Kurokawa (黒川哲郎). En me dirigeant vers Nezu, je passe ensuite devant le Sakura-kan (櫻館) que je montre sur la cinquième photographie et dont je ne connais malheureusement pas le nom de l’architecte. Après avoir acheté mon pain, j’ai d’abord pensé rentrer en empruntant une nouvelle fois le parc, mais une envie irrésistible me pousse à repasser à l’arrêt de bus devant la grande allée du cimetière de Yanaka, où se trouvait l’étrange fille en pleurs. Il faut marcher une bonne vingtaine de minutes et mes pas s’enchaînent à un rythme rapide que j’ai beaucoup de mal à contrôler. La fille est bien là, assise au même endroit sur le banc de l’arrêt de bus. J’en étais en fait certain. Je l’aperçois d’abord de loin mais je la reconnais immédiatement car elle porte la même jupe noire et chemisier blanc aux formes simples. Sa posture, la tête penchée en avant, est identique à la première fois que je l’ai vu. Elle reste immobile avec un petit réceptacle de plastique posé sur les genoux. Mon pas se ralentit naturellement alors que j’approche de la scène. A la différence de la première fois, un homme à la barbe fine grisâtre se tient debout à côté d’elle. Ils n’ont pas l’air de se connaître car il se tient un peu à l’écart, ne semblant pas faire attention à elle. Elle doit attendre le bus, qui doit se faire rare car je n’en ai vu aucun circuler sur la rue Kototoi. Est ce que j’essais de lui parler pour lui demander ce qui lui est arrivé? Je remarque tout d’un coup des marques longilignes rouges, comme des cicatrices, le long de ses deux avant-bras, et cette vision me donne des frissons qui remontent toute ma colonne vertébrale. L’homme d’une cinquantaine d’années debout à côté d’elle a dû noter mon effroi car il m’adresse soudainement la parole alors que j’étais maintenant tout proche. « Elle vient tous les jours, vous savez », me dit il. « Assise là, sur ce banc, à pleurer toutes ses larmes ». Je regarde l’homme fixement dans les yeux, comme pour éviter de la voir, elle. Je n’ai pas besoin de parler pour que l’homme comprenne mes interrogations et mon insistance à en savoir plus sur l’histoire de cette jeune femme en pleurs. « Elle reste inconsolable depuis la mort de son mari il y a quatre ans ». « Elle vient ici tous les jours », répète t’il « car son mari est mort ici, près du cimetière ». « Un petit malfrat mafieux l’avait interpellé pour une raison que j’ignore et l’altercation lui a été fatale ». « Il était policier mais c’était son jour de congé ». « C’était sa première année de service. Il était beaucoup trop jeune pour mourir », continue t’il. « Cette histoire avait fait beaucoup parler. On pense qu’il s’agissait d’un règlement de compte ». J’écoute l’homme attentivement, le visage figé. Il est très bien renseigné sur l’histoire de cette jeune femme. Et les flacons qu’elle garde dans son sac? Je lui pose cette question sans ouvrir la bouche mais en pointant simplement de la main son sac entrouvert. « Elle conserve ses larmes », me dit il. « Peut-être voulait elle les rejeter un jour d’un seul coup d’une vague immense pour inonder de ses larmes toute la vermine qui se cache dans les recoins de la ville ». Après un long silence, il continue: « Mais elle n’a pas eu la force de tenir. Elle a mis fin à ses jours il y a un peu plus d’un an ». Mais elle revient ici tous les jours. La jeune femme semblait nous écouter car elle lève finalement la tête vers moi. Son visage très pâle et humide se dégage petit à petit derrière sa longue chevelure noire. Ses yeux me fixent maintenant. Ils sont injectés de sang, pleins d’une douleur qui me transperce le cœur. Elle ne m’effraie pourtant pas. Je lui demande du doigt, sans avoir le courage de parler, une capsule de plastique que je pourrais reverser sur la tombe de son mari défunt. Elle plonge doucement la main dans son sac et d’un geste lent et posé m’en donne trois. Je ferme les yeux et m’éloigne de l’arrêt de bus. La tombe n’est pas très loin, seule mon intuition me guidera dans les allées du cimetière. Derrière moi, alors que je marche dans la grande allée menant au cimetière de Yanaka, j’entends le bruit du bus qui freine devant l’arrêt. Il s’arrête pendant moins d’une minute pour laisser monter les passagers. La chaleur estivale est accablante mais un léger courant d’air frais m’accompagne. Il me suffit simplement de le suivre, à mon rythme.

Le titre du billet qui m’inspire en partie le texte ci-dessus est tiré des paroles du morceau intitulé Tokyo (東京) du groupe de rock indé Yukiguni (雪国). Il s’agit d’un groupe tokyoïte fondé en 2023 et composé de trois jeunes membres tous nés en 2003: Eiichi Kyo (京英一) au chant et à la guitare, Masataka Osawa (大澤優貴) à la guitare basse et Tetsuki Kihata (木幡徹己) à la batterie. Le morceau Tokyo est très sensible avec la mélancolie qui va si bien au rock alternatif japonais. Ce morceau me touche et m’inspire, sans pourtant être original ni particulièrement innovant. Il avance lentement et sans excès, mais se permet tout de même un solo de guitare qui ne vient pourtant par perturber l’équilibre savamment dosé du morceau. Je pense que j’ai accroché à ce morceau dès les premières paroles chantées par Eiichi. Et en plus, le nom de ce groupe me rappelle que j’ai toujours le livre de Yasunari Kawabata (川端康成) du même nom en cours de lecture sur la table de chevet. Le titre du morceau me rappelle aussi qu’il faudrait que j’étende la playlist commencée il y à quelques temps de morceaux intitulés Tokyo. Le morceau Tokyo est présent sur le premier album du groupe, intitulé Pothos et sorti le 5 Juin 2024. Le nom de Kei Sugawara (菅原圭) m’était familier mais je pense que le morceau Shinka (深香) est le premier que j’écoute de ce jeune compositeur et interprète dont je ne sais que peu de choses, à part le fait qu’il a démarré sa carrière en 2020. Ce morceau Shinka est très beau et la voix androgyne de Kei Sugawara est très expressive et émotionnelle. Une partie de la vidéo se passe à Shibuya et notamment sur une passerelle piétonne que je prends souvent en photo, et qui est en cours de destruction depuis un bon petit moment. C’est cette même passerelle que l’on pouvait voir sur la vidéo du morceau Unō Sanō (右脳左脳) de Tricot. Il faudrait que je référence tous les morceaux de ma playlist dont la vidéo utilise cet endroit. Je ne sais pas si c’est une conséquence de cela, mais j’aime parcourir régulièrement cette passerelle.

Le morceau intitulé KIMI (to make your world a better place) de MoadEdge avec Shinjiro au chant m’amène ensuite vers une pop ambiante un peu plus lumineuse. Je ne connaissais pas ce collectif musical formé de DJs et producteurs, de compositeurs et réalisateur d’images, formé à Tokyo en Décembre 2023 et mélangeant les genres. Enfin, le collectif n’a pour le moment sorti que deux singles dont celui-ci, mais c’est très prometteur pour la suite. L’ambiance musicale correspond bien à l’image d’océan qui accompagne ce single, car il nous donne le sentiment de voguer à plusieurs mètres de hauteur au dessus de tout. Le dernier morceau de cette petite playlist est aussi beau qu’étrange. Il est même hypnotique. Il s’intitule bah! par une jeune artiste tokyoïte nommée o.j.o. L’approche créative est expérimentale, que ça soit la composition musicale aux premières notes simples, la vidéo particulièrement sombre et inquiétante, les paroles mélangeant anglais et ce qui ressemble à des onomatopées, les mouvements un peu mécaniques d’o.j.o. J’adore ce morceau qui est tout à fait unique et encore une fois prometteur car il s’agit de son premier single, sorti le 29 Mars 2024.

Musiques/Tokyo

完璧にバグってる生き物で

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Je n’étais pas revenu vers cette forme de composition photographique que j’appelle moi-même Shoegazing Photography depuis très longtemps. Ce n’est pourtant pas l’envie qui me manque d’apporter des perturbations à des photographies plutôt classiques, prises ici à Daikanyama et Ebisu. Tout comme le shoegaze en musique rock, des nappes viennent se superposer au dessus d’espaces clairs et lisibles pour y introduire un univers vaporeux proche du rêve. Avec l’été qui est déjà bien présent en ce tout début du mois de Juillet, me viennent des envies de mirages, comme si la moiteur ambiante rendait flou le contour des choses. La ville devient un immense désert de solitude, bien que la présence humaine soit omniprésente dans le décor urbain tout autour de moi. Elle n’est qu’images qui passent puis disparaissent à jamais. Ces images défilent et m’effleurent délicatement, s’échappant du bruit insaisissable qui les envelope, mais ne viennent pas altérer mon espace vital. Je m’extrais de ce bruit pour en écouter un autre dans mes écouteurs. Mais ce bruit là, celui des guitares, est accompagné d’une voix qui m’élève loin au dessus de ce monde urbain.

Je découvre parfois des pépites dont je ne soupçonnais pas l’existence, c’est la cas de l’album Time Machine ga Kowareru mae ni (タイムマシンが壊れる前に) d’abord sorti en 2015 puis ré-enregistré en 2021. C’est cette dernière version que j’écoute en ce moment avec passion. Il s’agit d’un album du groupe Tokenainamae (溶けない名前) formé en 2012 à Nagoya et composé d’Uran Uratani (うらたにうらん) au chant et aux claviers, Ryūta Itō (イトウリュウタ) à la guitare et au chant, Takuya Shimamoto (シマモトタクヤ) à la basse, Naoki Sogabe (ソガベナオキ) également à la basse et Kiyoshi Niwa (ニワキヨシ) à la batterie. Tokenainamae compose une musique shoegaze et noise-pop qui se caractérise par une certaine nostalgie et innocence adolescente, à chaque fois représentée en photo sur les couvertures des albums et EPs. Le groupe n’a en fait sorti que deux albums: Time Machine ga Kowareru mae ni en 2015/21, et Seifuku Kanro Kurabu (制服甘露倶楽部) en 2017, ainsi que trois EPs dont deux à leurs débuts (おやすみA感覚 et おしえてV感覚) puis un en 2022 intitulé Kasuka ni sō matou (幽かにそう纏う). L’album Time Machine ga Kowareru mae ni (タイムマシンが壊れる前に) est tout à fait remarquable et je le classifie facilement dans ma liste des meilleurs albums shoegaze japonais. On y trouve bien sûr les plages de bruits de guitares caractéristiques du genre depuis lesquelles s’élève la voix légèrement vaporeuse d’Uran Uratani. La particularité qui fait toute la différence est l’utilisation des claviers qui apportent une pointe de pop à l’ensemble et une dynamique assez inattendue pour du shoegaze. Les morceaux sont étonnement rapides, le chant d’Uran quasi-omniprésent assez souvent accompagné par une deuxième voix masculine, celle du guitariste Ryūta Itō. L’album de huit morceaux pour 37 minutes est fabuleux de bout en bout sans faiblesse. J’adore absolument tous les morceaux qui ont tous cette même beauté mélancolique mais j‘attends toujours avec une certaine impatience le quatrième morceau √2四 pour l’introduction aux claviers pleine de réverbération. Je trouve que cet album parvient à une sorte de perfection dans sa balance entre la légèreté flottante et délicate du chant et la densité pesante des guitares. Et puis le morceau final de sept minutes Dream Memorandum (睡眠抄) touche au sublime. J’écoute également le EP Kasuka ni sō matou (幽かにそう纏う) et l’album Seifuku Kanro Kurabu (制服甘露倶楽部) qui sont également très beaux mais qui n’arrivent pas au même niveau que Time Machine ga Kowareru mae ni, même si on y trouve de très beaux morceaux comme Double Platonic Suicide (ダブル・プラトニツク・スウイサイド) ou Mahoroba no Reactance (まほろばのリアクタンス). Leur dernière sortie date de 2022, et je ne sais pas si le groupe est toujours en activité car ils ne sont pas très actifs sur Twitter et le dernier billet sur leur page Tumblr semble également dater de cette période. En regardant le fil Twitter du groupe j’ai d’ailleurs été amusé par une reinterpretation de la couverture et du titre de l’album Time Machine ga Kowareru mae ni en montrant Bocchi de l’anime Bocchi The Rock (ぼっち・ざ・ろっく！) avec un nouveau nom d’album ぼっちちゃんが壊れる前に (avant que Bocchi ne se casse) attribué au Kessoku Band (結束バンド), le groupe de l’anime. Dans l’anime, l’instabilité émotionnelle de Bocchi fait qu’elle se « casse » souvent d’une manière similaire. C’est intéressant de voir comme cet anime est encore très présent. On trouve souvent des posters dans les magasins Disk Union et à certains endroits de Shimokitazawa (où se déroule l’histoire). Je pense qu’il ne faut pas sous-estimer l’influence de cet anime sur la jeune génération. La fille d’un ami a par exemple commencé à jouer de la guitare après avoir vu cet anime. Il y aura peut-être dans les années qui viennent de nombreux jeunes groupes de rock influencés par Bocchi The Rock qui verront le jour.

Architecture/Art/Musiques/Tokyo

don’t let go, do not let go, of the subtle fire that burns within you, your life

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Quand je passe par le quartier de Jinbocho, je ne manque pas l’occasion de passer devant le fascinant Jimbocho Theater conçu par Nikken Sekkei. Il me donne à chaque fois l’impression d’avoir été déposé par erreur au milieu du quartier, d’autant plus qu’il est encastré entre des immeubles beaucoup plus anciens et dépareille complètement. Je n’étais pas venu à Jimbocho pour partir en exploration des nombreuses librairies à la recherche de vieux bouquins que j’aurais eu de toute façon un peu de mal à ranger à la maison. Tout comme pour mes CDs dans les tiroirs, les étagères dédiées aux livres sont déjà pleines à raz-bord. Je suis en fait venu jusqu’à Jimbocho pour voir une petite exposition dédiée au dernier album du groupe Hitsuji Bungaku (羊文学), dans une galerie située au rez-de-chaussée d’un immeuble récent à proximité du centre de Jimbocho.

L’exposition intitulée Secret Garden (ひみつの庭) qui se déroulait du 30 Mai au 23 Juin 2024 dans la petite galerie New Gallery à Jimbocho prenait pour thème l’album 12 hugs (like butterflies) d’Hitsuji Bungaku sorti l’année dernière. L’artiste haru.(HUG) qui a conçu cette exposition est en fait la directrice artistique habituelle des albums d’Hitsuji Bungaku. Elle a créé pour cette exposition différentes œuvres artistiques directement inspirées des douze morceaux de l’album, accompagnées par plusieurs photographies de Nico Perez. Nico Perez signe de nombreuses photographies récentes du groupe, dont celles du dernier album, et elles sont superbes, notamment celle en noir et blanc à la verticale utilisée comme affiche de la tournée de 2023 « if I were an angel » à laquelle j’avais assisté. J’avais du coup acheté un t-shirt avec cette photographie affichée en grand dans le dos. J’aime aussi beaucoup une photographie en triple exposition où les visages et silhouettes de chaque membre du groupe se superposent. On passe un bon moment dans l’espace assez compact de la galerie, reconstituant une cabane de bois. À l’intérieur, des feuilles de partitions, des morceaux de paroles, photographies, éléments de costumes et autres objets sont exposés. L’extérieur de la cabane donne sur un jardin reconstitué. Dans un coin de la galerie, une bande sonore diffuse une discussion entre Moeka Shiotsuka et Yurika Kasai. On a l’impression pendant quelques instants de rentrer dans leur univers.

Après un suspense intense, j’ai finalement reçu confirmation qu’une place pour le prochain concert de Sheena Ringo, Ringo Expo’24 (林檎博’24―景気の回復―), m’était gracieusement accordée. A travers le fan club Ringohan, j’avais tenté d’avoir une place pour chacune des trois dates au Saitama Super Arena (さいたまスーパーアリーナ) et le hasard de la loterie ne m’a finalement accordé qu’une seule place, le Jeudi 21 Novembre 2024. Il s’agissait en fait de mon troisième choix, comme quoi les places sont difficiles à obtenir même à travers le fan club. Maintenant, il faut attendre patiemment cinq mois avant le concert. J’ai également eu un peu de chance à la loterie pour obtenir des places pour une des deux dates de Tokyo de la tournée mondiale de Millennium Parade intitulée Who And How. Je ne pensais pas du tout pouvoir obtenir des places mais j’avais tenté le coup au cas où pour trois places pour y aller en famille, une fois n’est pas coutume. On a finalement eu des places pour le final au Tokyo Garden Theater le 20 Décembre 2024. Il me faudra dans ce cas là attendre six mois. Tous ces événements me paraissent bien lointains. Peut-être assisterais je à un autre concert entre temps. Ce sont dans les deux cas des grandes salles: 37,000 personnes pour Saitama Super Arena et 8,000 pour Tokyo Garden Theater. Vu le monde qu’il avait pour seulement suivre la voiture Plankton dans les rues de Tokyo, je pense qu’une salle de 8,000 personnes est un peu étroite pour Millennium Parade, d’autant plus que King Gnu remplit des domes. Je me pose pas mal de questions sur ces deux tournées. Je me demande si les invitées du dernier albums de Sheena Ringo seront également présentes lors de la série de concerts. Ça me parait plutôt difficile sur la totalité de la tournée et pour la totalité des artistes invitées, mais les concerts de type Expo accueillent en général des invités. Pour Millennium Parade, je me demande quels vont être les morceaux interprétés car la formation de Daiki Tsuneta n’a pas sorti d’album depuis un bon moment à part quelques singles comme Work avec Sheena Ringo. Le 20 Décembre, elle aura déjà terminé sa tournée nationale et ça me parait plutôt probable que Millennium Parade interprète le morceau Work qui a eu beaucoup de succès. Je doute tout de même qu’ils l’interprètent une nouvelle fois ensemble (après la version lors du concert de King Gnu au Tokyo Dome). En attendant, Millennium Parade fait du teasing en commençant à nous montrer des photographies des membres du groupe dans des accoutrements des plus étranges et en présentant des personnages qui seront peut-être en lien avec l’univers visuel de la formation.

Sur mon billet précédent montrant des photos du Flagship Store Fender d’Harajuku, certains visiteurs auront peut être été interpellés par cette fille portant deux guitares jaunes. C’était mon cas en tout cas. Il s’agit de la guitariste et chanteuse Rei, qui est désormais une des ambassadrices de la marque Fender au Japon. J’ai fait le curieux en recherchant dans sa discographie des morceaux qui me plairaient et je découvre celui intitulé Lazy Loser que j’aime beaucoup pour sa dynamique imparable. Son style pop rock est assez différent de ce que j’écoute d’habitude en rock japonais, mais ce morceau en particulier est particulièrement addictif, d’autant plus que son jeu de guitare est excellent. Dans les autres excellents guitaristes, je suis très impressionné par le morceau intitulé Burning de Corey Wong avec le Metropole Orkest. Corey Wong est un guitariste américain et le Metropole Orkest est un orchestre jazz et pop des Pays Bas. Je connais Corey Wong car il jouait brillamment sur l’excellent morceau Todome no Ichigeki (トドメの一撃) de Vaundy. J’ai d’abord découvert le morceau Burning car il passait récemment à la radio sur J-Wave suite à une courte interview de Corey Wong. J’adore l’intensité crescendo de l’orchestre et surtout le final, qui m’avait tout de suite interpellé lors de ma première écoute à la radio. Rei et Corey Wong ont également joué ensemble sur un morceau intitulé BPM, qui est agréable mais m’intéresse moins en comparaison des deux morceaux ci-dessus.

Musiques/Tokyo

take the fender to the red car and hit the road to nowhereland

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Le coupé rouge que je pense être une Nissan Skyline est garé au bout de la rue, dans son alignement de sorte qu’on l’aperçoit depuis la sortie de la gare. On m’avait dit d’amener la Fender jusqu’à cette voiture rouge que je ne pouvais pas manquer. Je pense que c’est la première fois que je vois cette voiture à cet endroit là. Je connais assez bien le quartier et je l’aurais déjà remarqué. La rue étroite qui pointe vers elle nous laisse le temps de l’approcher. La clef est dans ma poche et la guitare Fender Stratocaster Vintera bleue turquoise dans sa housse noire sur mon dos. Il n’y a personne autour de la voiture, seulement quelques passants qui ne détournent pas le regard, perdus dans leurs pensées. Le modèle doit dater des années 70 mais elle est très bien entretenue. La couleur rouge est tellement vive que la peinture ne doit pas être d’origine. Elle a certainement être repeinte. L’intérieur de cuir noir que j’aperçois à travers la portière avant est également impeccable. J’enfonce sans plus attendre la clef marquée d’un ’R’ rouge dans la serrure de la portière et celle-ci s’ouvre immédiatement sans résistance. Je place d’abord la housse de guitare sur les places arrières plutôt étroites, puis m’assois derrière le volant. Il est plus petit qu’à ma première impression et l’assise est basse. Le siège avant est moins ferme que je ne l’imaginais pour un coupé. Le cuir est abîmé par l’usure à différents endroits. Devant le pommeau de vitesse, un lecteur de cassettes est enclenché. Il n’en sort cependant aucun son. La boîte de la cassette est posée en vrac sur le siège passager avec d’autres papiers, des morceaux de partitions brouillonnées et des feuilles de textes incomplets et raturés à plusieurs endroits. Sur cette boîte de cassette, la photographie d’un visage de femme en faïence en grande partie cassé et fissuré m’interpelle. A l’arrière, Il n’y a rien à part la Fender que je viens de déposer. J’ai envie de la sortir de sa housse pour la laisser respirer et prendre part entière de l’habitacle de la Skyline. Il est 14h30. Il fait une vingtaine de degrés dehors et le soleil est seulement gêné par quelques nuages. Je fais deux ou trois tours de manivelle pour ouvrir la vitre et laisser un fin courant d’air entrer à l’intérieur. Le réservoir est plein. Le moteur est plus bruyant que je l’imaginais ce qui me pousse à augmenter de deux crans le son du lecteur de cassettes laissant s’échapper les premières notes de guitares. Je m’engage sur la rue principale puis sur la grande avenue qui me fait monter sur l’autoroute après une petite dizaine de minutes. La puissance de la machine rend la conduite aisée. L’autoroute est quasiment déserte ce qui m’étonne d’abord beaucoup. L’autoroute est à moi, le temps est à moi, direction le Nord. Le rock alternatif qui se diffuse dans l’habitacle m’est inconnu mais m’attire beaucoup. Il m’accompagnera pendant quelques temps dans la solitude de l’habitacle. L’air est clair et la lumière hivernale forte. La sortie de chaque tunnel éblouit au point où on a l’impression de perdre tout contact avec le réel pendant quelques secondes, le temps que notre œil et nos sens se réhabituent à la lumière solaire qui nous frappe. Ces quelques secondes d’évanouissement sensoriel donnent à l’atmosphère vaporeuse de la musique que j’écoute une présence toute particulière. Il me semble même que les accords de guitare que j’écoute proviennent de la Stratocaster posée sur les sièges arrières. Les sons circulent dans l’habitacle et se mélangent dans une harmonie qui est difficile à décrire. J’aimerais que l’éblouissement à la fin des tunnels soit plus long et intense. À l’entrée du 19ème tunnel de l’autoroute, le déclic sec du lecteur de cassette sonne la fin du onzième et dernier morceau de l’album. J’étais tellement envoûté par les sons de guitares que je n’avais pas remarqué la trame musicale qui évoluait derrière et qui prend maintenant de l’importance. Cette trame lente, répétitive et floue me saisit tout d’un coup par son omniprésence et accapare toute mon attention. Les nappes instrumentales qui la composent sont pleines de mystères, communiquant des images d’un monde cosmique qui nous enveloppe mais dont on a du mal à en saisir la substance. On se croirait dans un rêve éveillé. La consistance des choses me paraît moins certaine alors que l’éblouissement de la fin du 19ème tunnel accentue cette perte sensorielle. Il n’y a plus de boîte de cassette de femme au visage de faïence cassée sur le siège passager, la guitare Fender à l’arrière s’est évaporée. Les contours de l’habitacle du coupé rouge se confondent maintenant avec les traînées de lumière au fur et à mesure qu’on approche de la sortie du tunnel. Le crescendo de la trame instrumentale sourde et le flux de lumière émettent désormais une puissance supérieure à mes capacités sensorielles. Je ne me sens plus en mesure d’atteindre mon but. Mais quel était il? Je viens peut-être de l’atteindre en cet instant.

(裏1)

Les hasards ont fait que j’ai pris cette photographie du visage inquiétant de Richard D. James sur deux de ses albums de la deuxième partie des années 1990 peu de temps avant l’annonce de la réédition de l’album Selected Ambient Works, Vol. 2 de Aphex Twin. Cet album déjà énorme car durant 2h32m ressort en version augmentée. Je ne suis pas sûr de m’y replonger, mais je découvre en tout cas le nouveau single intitulé #19 sorti dans la foulée. Il ne s’agit en fait pas tout à fait d’un nouveau morceau car il était apparemment déjà présent sur la version vinyle du dit album. Il y avait bien déjà un morceau #19 sur Selected Ambient Works, Vol. 2 mais cette autre version est complètement différente. Soit Aphex Twin brouille volontairement les pistes, soit c’est moi qui me mélange les pinceaux. Le ’nouveau’ #19 se compose d’une longue plage de 10 minutes, répétitive et mouvante jusqu’à réussir à nous hypnotiser si on veut bien lâcher prise. Les nappes électroniques lentes sont floues, sombres mais teintées par moments de halos lumineux. J’ai toujours pensé que la musique d’Aphex Twin, qu’elle soit ambient comme ici ou plus expérimentale, était conditionnée par les expressions de son visage sur les albums… I care because you do (1995) et Richard D. James (1997) mentionnés un peu plus haut. On ne sait jamais vraiment si on a affaire à un génie créatif ou à un artiste qui se moque un peu de nous. La vérité se trouve peut-être un peu entre les deux, mais j’y pense particulièrement en écoutant ce morceau #19. Écrire cela ne m’empêche pas de l’écouter à répétition car cette ambiance m’inspire.

(裏2)

Je ne suis pas sûr que le modèle Stratocaster Vintera II en version bleue turquoise était vendu au magasin Fender Flagship Tokyo d’Harajuku, mais j’ai regardé avec une grande attention la variété de modèles présentés, notamment la série Stratocaster. Je n’étais jusqu’à maintenant jamais entré à l’intérieur, même si ça me démangeait depuis longtemps. Je pense que j’avais un peu peur qu’on arrive trop facilement à me convaincre de ré-acheter une guitare. Le design intérieur a été conçu par Klein Dytham Architecture. Tout y est très clair et spacieux, assez loin du bazar visuel des magasins d’instruments de musique d’Ochanomizu. Le magasin couvre plusieurs étages et l’escalier vaut à lui seul le détour car ses murs sont couverts de photographies de musiciens japonais ou étrangers portant bien sûr une ou plusieurs guitares de la marque. Je reconnais quelques têtes comme celles du groupe Number Girl avec Shutoku Mukai (向井秀徳), Hisako Tabuchi (田渕ひさ子) et Kentarō Nakao (中尾憲太郎). Je n’y ai par contre pas trouvé Moeka Shiotsuka (塩塚モエカ), Ikkyu Nakajima (中嶋イッキュウ), a子 ou Chiaki Satō (佐藤千亜妃) malgré les très belles séries de photographies prises pour la marque par Hirohisa Nakano (中野敬久). Le dernier étage du magasin ressemble à un musée exposant une longue série de guitares vintage avec le nom du musicien ou de la musicienne à qui la guitare appartenait. On croit deviner à cet étage un petit salon donnant sur une grande baie vitrée, mais l’accès est fermé au public. J’imagine que des interviews doivent se dérouler à cet endroit.

(裏3)

Après avoir maintes fois écouter le single Angel, dont j’avais parlé dans un billet précédent, je reviens vers le rock du goupe irlandais NewDad en écoutant l’album Madra dans sa totalité. L’album de 11 morceaux est excellent de bout en bout, et c’est un vrai bonheur de l’écouter dans son intégralité. Il ne s’agit que de leur premier album mais on sent déjà une grande maturité. De nombreuses émotions nous traversent en écoutant cet album, à l’image de la mystérieuse photographie de couverture montrant un visage de femme en faïence en grande partie cassé et fissuré. L’album possède une certaine immédiateté car on se laisse très facilement accrocher par les mélodies de guitare et les refrains chantés par Julie Dawson, mais la beauté mélancolique et vaporeuse de l’ensemble se révèle un peu plus après chaque écoutes. Cette musique rock alternative m’a inspiré en partie le texte du début de ce billet.